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"Granada en Sorolla y la Cerámica Fajalauza del Albaicín en la mesa del comedor de Sorolla" Visita programada Febrero

2012-01-28T12:27:00.016+01:00

enClave de Arte les ofrece visitar dos interesantes exposiciones: "Granada en Sorolla" en el Museo Sorolla y “La Orden del TOISÓN de oro y sus gobernantes (1430 – 2011)” en la Fundación Carlos de Amberes

Las actividades se realizarán en grupo mínimo 10 personas, máximo 20.
Inscríbase y contactaremos con usted para ofrecerle más información.
Reserva de plaza mediante correo electrónico madrid@enclavedearte.com

o Teléfono 648 212 369
Precio de la actividad: 10 € por persona.

Incluye: reserva + visita guiada a la exposición y museo

Visitas Programadas 10 y 17 de Febrero
"Granada en Sorolla y la Cerámica Fajalauza del Albaicín en la mesa del comedor del pintor. Sorolla y las Vanguardias".
Lugar: Museo Sorolla. C/ General Martínez Campos, 37

Días disponibles

- Viernes 10 de Febrero, a las 12:30 h.
- Viernes 10 de Febrero, a las 17:30 h.
- Viernes 17 de Febrero, a las 12:30 h.

El Museo Sorolla presenta hasta el 22 de febrero de 2012, parte de la colección no expuesta dedicada a Granada.
La exposición reúne 24 de los cuadros dedicados al encuentro con esta tierra, llena de color y hermosura, en ellos Sorolla explora el género del paisaje en estado puro. Empezaremos la clase con la lectura de una carta del fotógrafo Cerdá y Rico, amigo del pintor, en la que explica cómo se está encargando de la selección de las piezas antes de que Sorolla visite el Albaicín.

Sorolla estuvo en Granada en cuatro ocasiones: 1902, 1909, 1910 y 1917. La primera fue una visita breve, pero dejó en él una profunda huella y el deseo de volver para llevarla al lienzo, la Alhambra y Sierra Nevada son las principales protagonistas de esta intimista exposición.Con motivo de la exposición Granada en Sorolla, el museo ha tenido la magnífica idea de decorar la mesa del comedor de Sorolla con la colección de Cerámica granadina de Fajalauza.

Además de la exposición, visitaremos el Jardín de la casa inspirado en la Alhambra de Granada.

A finales de 1911 el propio Sorolla diseña los jardines de su casa, él mismo se dedica a la selección de las flores y plantes, que en repetidas ocasiones lleva al lienzo.

"Clotilde, instantánea en Biarritz", 1906

La familia de Sorolla aparece como protagonista en este diálogo Pintura – Fotografía. El suegro de Sorolla ejerció una notable influencia en su pintura, es frecuente ver a los miembros de su propia familia tomar fotografías de paisajes.

El regreso al Museo Sorolla nos permitirá explorar la parte que quedó pendiente hace ya tres años, en esta ocasión estudiaremos un nuevo capítulo: Sorolla y las Vanguardias, el arte entre dos siglos.

La última gran exposición sobre Sorolla tuvo lugar en el año 2009, el Museo Nacional del Prado rindió un homenaje al pintor con una exposición antológica, en el museo Sorolla, disfrutamos de los bocetos sobre Visión de España.

La influencia de la fotografía, la importancia de la pincelada suelta y empaste que están presentes en toda la obra del pintor, Sorolla conoció las vanguardias en los viajes que realizó por Europa y Estados Unidos. La fotografía y las vanguardias están íntimamente unidas en su pintura.

"Retrato de Raquel Meller", 1918

Durante los años 20 y 30 fue la artista española de mayor éxito internacional. Estrenó famosas canciones como La Violetera de José Padilla.

Sorolla tuvo la oportunidad de conocer las vanguardias durante los viajes que realizó a Europa y Estados Unidos, ilumina la composición a retazos, abundan los malvas y grises. La influencia de la fotografía en los artistas del cambio de siglo está presente en la forma de retratar, Sorolla conoció bien las vanguardias y supo aprovecharlas en su propia obra.

Para aquellos que deseen recorrer el museo virtual: http://museosorolla.mcu.es/visita_virtual/visita_virtual.html

Para los que quieran acompañarnos en las visitas programadas,

la exposición Granada en Sorolla es una excusa para volver a la casa de Sorolla, para volver al buen arte, para relajarse un momento en el Jardín de la Alhambra. No se pierdan esta magnífica exposición que tenemos ya en marcha para dar un buen impulso a
enClave de Arte

"La Orden del Toisón de Oro" Visita programada Marzo

2012-01-27T21:24:00.011+01:00

Segunda Visita:
“La Orden del TOISÓN de oro y sus gobernantes (1430 – 2011)”
Lugar: Fundación Carlos de Amberes C/ Claudio Coello, 99
enClave de Arte propone una lección de historia y mitología para todos los públicos, durante los días 1 y 2 de Marzo, tenemos reservados cuatro grupos.
Grupos formados por un máximo 20 personas:
- Jueves 1 de Marzo, a las 10:45 h.
- Jueves 1 de Marzo, a las 13:00 h.
- Viernes 2 de Marzo, a las 10:45 h.
- Viernes 2 de Marzo, a las 18:00 h
Las personas interesadas pueden enviar un correo a madrid@enclavedearte.com
o llamar al teléfono: 648 212 369

El rey Felipe IV Diego Velázquez, 1632

Con este elegante título, la Fundación Carlos de Amberes
muestra a través de 60 obras, un recorrido por la historia de la "Insigne Orden" de caballería fundada por Felipe el Bueno. Su jefatura y soberanía pasaría después a los reyes de Castilla, junto con el Ducado de Borgoña, cuando Felipe I el Hermoso, hijo y heredero de María de Borgoña, se casó con la reina Juana I de Castilla.

Caballeros del Toisón de Oro. Códice de Trajes, hacia 1547. Biblioteca Nacional, Madrid
El nombre de la orden se refiere al mito griego del vellocino de oro, regalo de los dioses, que aportaba prosperidad a quien lo poseyera. Evoca, como ejemplo caballeresco, el heroísmo que demostraron Jasón y los argonautas, de los que formaba parte Hércules, para repatriar a Grecia, desde la asiática ciudad de Colquide, el precioso talismán cuya imagen pende de los collares que todavía se entregan a los caballeros en su investidura.

Obras de Rubens, Velázquez, Carreño de Miranda, Mengs y Goya, así como una delicada selección de piezas de artes decorativas, armaduras y libros miniados, constituyen su base fundamental. Para la realización de la exposición se cuenta con la colaboración del Patrimonio Nacional y con piezas de lugares tan relevantes como el Museo Nacional del Prado, Kunsthistorisches Museum de Viena o el Deutsches Historisches Museum de Berlín.
Una oportunidad única para recrear una época de caballeros y caballerías, un elegante reencuentro con
la Real Armería de Corte en Madrid, que después de la vienesa, es la más importante de Europa.

Con motivo de la exposición La Orden del Toisón de Oro, la Fundación Carlos de Amberes nos ofrece un interesante ciclo de conferencias organizado como complemento a la exposición.

Programa de Conferencias durante el mes de febrero 2012.

+ información en
http://www.fcamberes.org/actividades/exp/ciclo_conferencias_toison_oro.htm

H í brid OS

2011-12-21T00:53:00.001+01:00

He titulado esta anotación híbridOS en clara mención a el sistema operativo de Apple y como un recurso imaginativo para un blog en clave de arte, con el fin de trasladaros los diferentes recursos tecnológicos que nos acompañan ya y acompañarán próximamente al visitar los museos.

Ayer, para muchos, era sorprendente leer hace un par de días que el Louvre usará la Nintendo 3DS como audioguía, rompiendo así los esquemas que nos hacen ver el uso de la famosa consola sólo para jugar, pero si leemos hasta el final, podemos saber que incluso el uso de la realidad aumentada figura en los planes de el museo francés.

El uso de diferentes tecnologías en la museografía, darán opción a que las guías de los museos lleguen a ser interactivas, al crear híbridOS con herramientas como twitter, el 3D y la realidad aumentada, todo ello acompañado de expertos en Historia del Arte, como Manuela, que seguirán siendo imprescindibles para entender el alma de las obras que albergan los museos.

El Museo del Romanticismo

2011-10-20T10:38:00.019+02:00

Vestíbulo y Zaguán del Museo

enClave de Arte propone al lector de este blog, un pequeño recorrido por el Museo del Romanticismo de Madrid. No pretendemos hacer una visita ordenada por cada una de las veintiséis salas, sino que hemos seleccionado aquellos aspectos que nos pueden parecer más interesanes del Madrid Isabelino, es nuestra primera visita de este año, queda inagurado nuestro curso 2011/ 2012 esperemos que os guste.

Retratos femeninos, como el de María Encarnación Cueto de Saavedra, duquesa de Rivas, de Federico Madrazo y Kuntz (1815-1894) evocan la palabra Romanticismo, la protagonista mira al pintor, luce mantilla negra española, porta un delicado abanico de época.

Frente al Academicismo del XVIII, surge una forma distinta de entender el arte, el sentimiento frente a la razón, el desequlibrio y movimiento de confusión frente al clasicismo.

Federico de Madrazo está presente en muchas de las estancias del Museo Romántico, fue el retratista del romanticismo, supo transmitir y evocar el "negro" Madrazo, negro mantilla española, romanticismo y purismo. Retrató a toda la aristocracia y cultura española del Madrid Isabelino, por eso nos acompañará en este pequeño recorrido por el museo.

Federico de Madrazo dirigió la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y el Museo del Prado en dos ocasiones, donde se exponen algunas de sus obras maestras, entre las que destaca el Retrato de María Amalia del Llano y Dotres, la Condesa de Vilches.

Entre las estancias más bonitas de esta casa Museo destaca indudablemente el Comedor isabelino. Pieza nueva dentro de la casa, lugar gobernado por la etiqueta y centro de la familia.

En el comedor, los niños aprendían los modales en la mesa, ceremonias de la comida, hábitos, atuendo, lugar de los comensales, norma y orden, en el mobiliario no podía faltar chimenea de mármol, mantel de hilo en damasco, vajilla francesa, rinconeras, sillas y mesas servideras.

En el centro una gran mesa de etilo "Reina gobernadora" reinterpretación del Biedermeier alemán, las sillas de estilo fernandino, adaptación tardía del Imperio francés.

La cubierta de la pieza procede del Casino de la Reina, pintada por Juan Gálvez, espectacular la lámpara de araña de cristal de La Granja.

El Museo del Romanticismo ha sido concebido como una recreación de ambientes, testigo único del Madrid Isabelino, didáctico y creativo, situado en el palacio contruido a finales del siglo XVIII por encargo del Marqués de Matallana, levantado por el discípulo de Ventura Rodríguez, Manuel Martín Rodríguez.

El Palacio fue habitado durante el periodo romántico por los Condes de la Puebla del Maestre.
MUSEO creado por Benigno de la Vega-Inclán y Flaquer, II Marqués de la Vega-Inclán (1858-1942), filántropo y coleccionista, protagonista del museo y de la vida cultural madrileña. Arquitecto restaurador de la Sinagoga del Tránsito en Toledo, creador de Instituciones culturales tan relevantes como la Casa del Greco en Toledo y la Casa de Cervantes en Valladolid. Considerado el "padre del Turismo en España", ideó una red viaria aplicando una metodología turística sin precedentes. Creó una cadena de alojamientos como los Paradores Nacionales, balnearios y casas rurales.

En 1921 auspiciado por el rey Alfonso XIII, el marqués de la Vega - Inclán, fundó en el edificio que ocupa el museo, la Comisaría Regia de Turismo.

En 1924 vio la luz el Museo Romántico, con los propios fondos del marqués, que dedicó toda su vida a recuperar y difundir el Patrimonio cultural.

El gabinete de Larra

Emblemática estancia del Museo, reproduce el ámbito masculino de la casa, decoración más austera y seria.

La pieza presidida por un maravillos sillón que conserva su tapicería original, de estilo fernandino, modelo de la sociedad burguesa. En el centro, un pequeño velador de inspiración medieval. El gabinete está dedicado a la figura del escritor romántico Mariano José de Larra (Madrid, 1809 - 1837). De temperamento sarcástico, escritor de éxito, articulista creador del períodico en 1828 "Duende satírico del día".
Protagonista de turbulentos amores con Dolores Armijo, causa del triste episodio y suicidio, se quitó la vida ante el espejo el 13 de febrero de 1837.

Una de las características de una Casa isabelina es el "ablandamiento" de la estancia, el visitante percibe una atmósfera suave y blanda: almohadillado en la tapicería, sillería y cortinas a juego, estuco en la pared, pavimento alfombrado, "Quadri riportatti" en la cubierta.

El Salón de Baile solía ser la habitación más amplia de la casa, destinada a lucirse, se funde lo social con lo privado, es la época de la ostentación, del lujo. Podemos apreciar en esta estancia, una maravillosa sillería isabelina de caoba que perteneció al ministro de la reina Isabel II, don Antonio María Fabié, lámpara de araña de época fernandina, entelado, consolas entre balcones.

En los grandes espejos del salón de baile, brillan el oro y la seda, se reflejan los angelotes, delicadas flores "encerradas" en faneles. A los lados de la chimenea, dos maravillosos jarrones monumentales de la Dinastía Qing, realizados en el XIX, porcelana blanca y azul china, azul brillante de exportación, tendencia al orientalismo propia del siglo.

En el Romanticismo, también la música es la protagonista, banda sonora de encuentros y veladas literarias, al igual que en la pintura, en el Siglo XIX predomina el individualismo, la exaltación del sentimiento, la pasión, la liberad de composición en los aristas. Entre los bailes más populares de la época, destacan la mazurca, el rigodón y el galop, guiados por las notas de instrumentos de la sala como el arpa, firmada por Sebastián Erard, fue constructor de pianos y arpas de princesas. El piano presenta el escudo real en su tapa, construido especialmente para la reina Isabel II, por la Casa Pleyel de París, su sonido aún hoy inmejorable.

El retrato es el género por excelencia del Romanticismo, personajes con alma, por su posición social, distinción o realeza, distinguidos, sublimes, entregados al sentimiento del arte. Entre los cuadros más importantes de la sala, de izquierda a derecha, destacan: la Reina Isabel II de José Gutiérrez de la Vega, preciosista composición, alarde de virtuosismo. El retrato del infante don Francisco de Paula, hijo de Carlos IV y María Luisa, pintor de cámara Ángel María Cortellini, a continuación formando pareja los Marqueses de las Marismas del Guadalquivir de Francisco Lacoma, Josefa García de Solís de Antonio María Esquivel, cierra la sala de nuevo, la reina Isabel II, de Federico de Madrazo y Kuntz.

Mirando de frente en el centro de la sala, se refleja en el espejo la obra antes mencionada: el Retrato de la Duquesa de Rivas, de Federico de Madrazo. A la derecha, un retrato brillante de Agustín Esteve, el Retrato familiar de la Duquesa de Osuna, como dama de la Orden de la Reina María Luisa, 1796. Si cerramos nos ojos, recordamos la Quinta del Capricho, y la Familia del Duque de Osuna, cuadro pintado por Goya, hoy en el Museo del Prado.

'Isabel II dirigiendo una revista militar', de Charles Porion 1867/ 'Manuel Godoy', de Antonio Carnicero / 'Desfile del Ejército de África ante el Congreso de los Diputados', atribuido a Joaquín Sigüenza Chavarrieta. Pinturas en la Antecámara y en el Antesalón.
El Oratorio "San Gregorio Magno" de Francisco de Goya (1746 - 1828), procede de la colección del Marqués de la Vega - Inclán, forma parte de la serie Los Padres de la Iglesia, pintada por Goya en 1798.
Las casas adineradas de la época disfrutaban de una estancia formada por un anteoratorio y oratorio, de ámbito privado. Según las fuentes, esta estancia conserva la geometría del pavimento original de la construcción del edificio, finales del XVIII. En la estancia destaca el reclinatorio original de caoba y terciopelo, perteneciente a la reina Isabel II. A la izquierda, el maravilloso Retrato de la Reina doña Mariana de Austria, pintado por Carreño de Miranda, finales del siglo XVII.

Esta es una pequeña muestra del recorrido propuesto por el Museo del Romanticismo, que con un claro sentido didáctico, presentea veintiséis salas, que permiten tener un conocimiento global del periodo romántico, que en España se sitúa durante el reinado de Isabel II (1833-1868).

Para llevar a cabo este recorrido temático por el siglo XIX "se ha realizado un trabajo de documentación e investigación muy grande" con una exigencia de meticulosidad extrema con las reconstrucciones realizadas, documentando de forma exhaustiva lo que se muestra.

Hacía falta este tipo de museo, obras de arte, mobiliario, con 600 piezas desde Fernando VII hasta Isabel II, artes decorativas, con cerámicas, porcelanas, barros, abanicos, joyería, así como esculturas, juguetes, objetos de ajuar doméstico y personal, armas, numismática o de devoción y religiosos, que recrean los usos y costumbres de la época. Una apuesta arriesgada e innovadora", según Begoña Torres González, directora del Museo del Romanticismo, ya que se ha decidido apostar por el visitante: "Queremos que se encuentre aquí a sus anchas, que venga y disfrute del museo, de la tienda o del salón de té".

En este enlace el lector del blog, encontrará una colección magnífica de fotos del museo.
http://www.urbanity.es/foro/edificios-en-general-mad/16481-madrid-museo-romantico-manuel-martin-rodriguez.html
El video "Una visita al Museo Romántico y a su Archivo Militar" nos ofrece una grabación inédita del Museo del Romanticismo durante la década de los años 20. Procede de la Filmoteca Nacional Española http://museoromanticismo.mcu.es/elMuseo.html

El Romanticismo Ruso en época de Alexandr Pushkin (1799 - 1837)

2011-10-19T10:06:00.007+02:00

Retrato de Alexandr Pushkin , 1827 Eddokia Elagina Hasta el 18 de Diciembre el Museo del Romanticismo nos sorprende con esta muestra dedicada a la época dorada de Moscú, la primera mitad del Siglo XIX, tiempo de búsqueda de su identidad cultural, la exposición dedica su espacio a Alexandr Pushkin (Moscú 1799 - 1837) poeta, dramaturgo y novelista ruso, fundador de la literatura rusa moderna.
Elegante composición, como si de un pequeño gabinete romántico se tratara,
"Es una pequeña victoria museística", afirma Evgney Bogatyrev, director del museo moscovita dedicado al autor de La hija del capitán y a su tiempo. Bogatyrev, que gestiona un centro con unos fondos de 150.000 piezas, es el principal impulsor de esta muestra en el Museo del Romanticismo de Madrid.
Articulada en dos espacios, Escenarios y Protagonistas, la exposición muestra el panorama de la Rusia de 1810 a 1850. El interior de las casas, los rostros de su aristocracia, sus paisajes.
Obras de los principales artistas del país, tales como Orest Kiprenski, Alexandr Briullov o Piotr Sokolov. Todas las obras, en su mayor parte pinturas, pero también acuarelas, dibujos y estampas, proceden del Museo Nacional Pushkin de Moscú.
Esta exposición se enmarca dentro de la celebración del Año Dual España-Rusia, una iniciativa que busca acercar a los dos países y dar a conocer diferentes aspectos culturales.

La Dama del Armiño en Palacio

2011-07-11T14:30:00.010+02:00

“La Dama del armiño” Óleo sobre tabla h. 1490

Uno de los cuatro retratos femeninos pintados por Leonardo da Vinci, será exhibido por primera vez en Madrid, constituyendo la pieza más destacada de la exposición “Polonia, Tesoros y colecciones artísticas”.

Esta exposición fue inaugurada el 1 de junio contando con la presencia de SS.MM los Reyes de España y el Presidente de la República de Polonia.

Una excelente y rica colección compuesta por más de 190 obras de todas las disciplinas artísticas, de la pintura a las artes decorativas y suntuarias, y firmadas por artistas como Lucas Cranach o Rembrandt, además de Leonardo da Vinci.

El cuadro, de incalculable valor artístico, estuvo desaparecido tras la muerte de Cecilia Gallerani y reapareció en Polonia en 1800, cuando lo adquirió el príncipe Adam Jerzy Czartoryski. Al igual que el país, repartido su territorio entre Rusia, Prusia y Austria, el cuadro vivió momentos convulsos: entre guerras e invasiones, la obra fue ocultada y trasladada a otros países, de Polonia a Francia, de Francia a Polonia y a Austria y hasta los nazis la confiscaron para el proyectado museo de Adolf Hitler en Linz, aunque pudo ser interceptada. Acabada la guerra, el cuadro fue llevado a Alemania y después regresó a sus propietarios.

Se trata de un óleo sobre tabla pintado en torno a 1490. El cuadro de Cecilia Gallerani, joven de 17 años amante de Ludovico Sforza “El Moro”, es uno de los cuatro retratos de mujer pintados por Leonardo, siendo el primero la Ginevra de’ Benci (National Gallery, Washington) y el último La Gioconda (Museo del Louvre, París).

Leonardo da Vinci pintó esta bellísima imagen de Cecilia Gallerani con peinado y vestimenta alla spagnola, portando en brazos un pequeño armiño, emblema que encierra una indudable alusión a Ludovico El Moro, conocido también con el sobrenombre de ermellino, sin duda por haber recibido en 1488 la Orden del Armiño que le concedió Don Fernando I de Aragón, Rey de Nápoles.
"La Dama estuvo casi seis años enmurada, lo que demuestra que es una dama con mucha fuerza para aguantar eso", explica en su perfecto castellano el aristócrata "polaco-sevillano" propietario del cuadro para rememorar cómo sus antepasados la ocultaron para evitar su saqueo durante la Segunda Guerra Mundial.

En la exposición del Palacio Real de Madrid, se pueden ver otras 194 obras, entre pintura, escultura, mobiliario, tapices, artes decorativas y suntuarias, monedas y medallas, libros y documentos, piezas que comprenden desde la época medieval hasta finales del siglo XVIII, cuando Polonia perdió su independencia al ser repartida por las tres potencias invasoras.
Además de la obra de Da Vinci, se incluyen pinturas de Lucas Cranach, Marcin Kober, Szymon Boguszowicz, Hans von Aachen, David Bailly, Broder Matthinsen, Franciszek Sniadecki, Louis de Silvestre o Jacob Wessel, entre otros artistas.
La otra gran joya de la exposición, que cierra La Dama del armiño, puede verse en la penúltima sala, Niña en un marco, del holandés Rembrandt, de 1641. Según la conservadora de Patrimonio Nacional, se trata de unas de las etapas más representativas de este artista, en la que comienza a experimentar con posiciones innovadoras en el campo espacial.

Videos relacionados con la Exposición y la llegada de la Obra a España:

'La Dama del Armiño', de Leonardo da Vinci llega a España http://bit.ly/rl19AJ

"La "Dama del Armiño" en Palacio video muy interesante http://t.co/gzUN11n

Artículos de interés:

http://enclavedearteblog.blogspot.com/2010/05/leonardo-da-vinci-1452-1519-etapas.html

La dama del armiño' Histórico Viaje http://t.co/IfL3Yti desde Fundación Príncipes Czartoryski - Madrid http://t.co/gmtnBqQ

Arte Barroco IV Pintura Romana Clasicismo - Naturalismo

2011-06-08T11:40:00.010+02:00

Baco Caravaggio, Hacia 1598 Óleo sobre lienzo • Barroco 98 cm × 85 cm Galería Uffizi, Florencia

" Hipomenes y Atalanta". Guido Reni, hacia 1612 Museo Nacional del Prado

Sibila Cumana. c. 1616-17. Il Domenichino. Óleo sobre lienzo. Galleria Borghese, Roma. Las sibilas eran unos personajes paganos, de la Antigüedad, profetisas que los cristianos quisieron interpretar como la fase previa a los profetas del Antiguo Testamento.

Venus, Adonis y Cupido (h. 1590) - Óleo sobre lienzo, 202 x 268 cm, Museo del Prado, Madrid

Frescos en la cúpula o bóveda (1597-1605) del Palacio Farnesio en Roma Triunfo de Baco y Ariadna

Características Pintura Barroca:

1) Temática Religiosa – rechazo del Manierismo, Pintura romanista trentista. Imaginería del Concilio de Trento, obras piadosas y Temática Mitológica – Histórica Alegórica. Importancia del Retrato.
2) Técnicas: Pintura al óleo sobre lienzo, Grandes formatos, cuadros de altar. Sabiduría en la Combinación de materiales en los Retablos. Importancia del fresco en palacios de Roma, Madrid, Versalles.
3) La pintura omnipresente en la arquitectura (Capillas Iglesias, plazas, fuentes..) Relación formal de las BBAA. Disputa entre la escultura y la pintura. El desencuentro comenzó con Alberti “Eternidad frente a fragilidad…”
4) La pintura persigue intensificar la sensibilidad del creyente, obras de piedad, obras de culto privado.
5) La pintura busca sentir a los santos y mártires como personas vivas y reales, que sean ejemplos a seguir a través de las imágenes, que sean próximas a su realidad cotidiana .
6) Se multiplica la demanda de retablos e imágenes de culto.
7) Tendencia a representar al ser humano con total objetividad, naturalismo frente al idealismo, rozando a veces la “vulgaridad”. Deseo de realidad (Caravaggio, Stomer, Saraceni, Ribera, Ribalta…)
8) Composición: Esquemas libres de geometría, composición asimétrica frente al equilibrio clásico del Renacimiento.
9) Líneas abiertas Movimiento, inestabilidad frente a la calma, amplitud de ropajes – Telones de fondo, grandes cortinas, columnas, obras de protocolo.

El claroscuro en la pintura es la técnica barroca por excelencia (italiano, chiaroscuro) es una técnica artística consistente en el uso de contrastes fuertes entre los volúmenes iluminados y la sombra.
11) Técnica del Escorzo: cuerpo en posición oblicua o
perpendicular a nuestro nivel visual.
12) Predominio de diagonales, cuerpos sesgados, oblicuos, helicoidal, ondulante
oposición armónica de las partes del cuerpo humano.
13) La Luz es fundamental, crea efectos de claroscuro, amplia el volumen.
14) Barroco = Capricho de la naturaleza, extravagancia de un pensamiento. Arte de la Fantasía, gozar estético, creación de efectos agua, luz. Retablo Barroco es el protagonista: Expresión cielo abierto, Gloria, Visiones, Apoteosis, Visiones y
Transverberaciones.
15) Recuperación del Gremio, el Taller Crisol
del arte, obras realizadas por dos maestros,
“Disegno”+ creador de bodegones, especialistas en flores,
jerarquía Aprendiz, oficial y
maestro, perdido en el Renacimiento.

RT Lectura recomendada: “El artista en
la sociedad española del Siglo XVII” Autor: J.J. Martín González.

Pintura Resumen Características
•Es la manifestación artística más rica del arte barroco, por la variedad de los géneros, temas, por la genialidad de los artistas, por la riqueza - mecenazgo.
•Variedad de escuelas, hay tantos barrocos como países. Características:
•Naturalismo: Se buscan los modelos de la naturaleza, sin proceder a su idealización, incluso llegando al realismo.
•Predominio del color sobre el dibujo, pintura de mancha, pintura de emoción.
•Se abandona el rigor de la perspectiva lineal para la representación del espacio, buscando escorzos, composiciones atectónicas.
•Hegemonía de la Luz: El barroco es el arte de plasmar pictóricamente la luz, la sombra juega un papel hasta entonces inédito.
•Libertad en la composición. Movimiento.

•Barroco decorativo frente al Barroco caravaggista
•Pintura clasicista seguida por los Carracci (Estilo romano – boloñes) frente al Naturalismo de Caravaggio.

Características Escuela Bolonia Barroco Boloñés

•Annibale Carraci (1560 – 1609) Fundador en el año 1590 de la Academia en Bolonia de los Incamminati (Iniciados) o de los Desidorosi (Deseo y ansia de aprender).

•Búsqueda de la perfección, ideal conciliador, reconciliación de los temas y pintores clásicos.
•Fuentes pictóricas en Cincuecento siglo XVI.

Principales fuentes de inspiración:
•La “Gracia” femenina de Rafael.
•La fuerza en la musculatura de Miguel Ángel – El dibujo en la escultura inspiración en pintura (Academina Florencia Siglo XVI).
•El color veneciano: de Tiziano Rojo Rubí, Carmín (cochinilla), Rojizos anaranjados, Bermellón (cadmio, sulfuro de mercurio), de Tintoretto verde cobalto, verde óxido de cromo, azules (cyan, amarillo y magenta = intenso violenta), de Bassano amarillo complementario del violeta.
•La suavidad en la composición de Allegri da Correggio.
•El gusto por el lujo de Veronés.

Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán 29 de septiembre de 1571 – Porto Ércole 18 de julio de 1610)

•Enlaces para conocer a fondo la biografía y obra de este extraordinario pintor italiano, que revolucionó el arte de la pintura.
•http://es.wikipedia.org/wiki/Caravaggio
•http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/1493.htm (la síntesis)
•http://www.spanisharts.com/history/barroco/barroco_caravaggio.html (el análisis del experto)
•http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/caravaggio/index.html
•http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/gal1493-1.htm (galería de imágenes de sus obras más significativas)
•http://www.wga.hu/frames-e.html?/html/c/caravagg/index.html (la galería más completa y de mejor calidad gráfica, para auténticos amantes de la pintura)
•http://www.caravaggio.rai.it/index_it.htm (todo caravaggio, para los que se atreven con el italiano)

Heroínas, Galería artística de Mártires Magas Místicas Lectoras y Pintoras

2011-05-15T18:46:00.033+02:00

"Muchacha leyendo" Gustav Adolph Henning, 1828 Museum der Bildenden Künste, Leipzig

"Mirror" Julia Fullerton - Batten, 2008 Serie In Between. Cortesía de la artista y de Cámara Oscura Galería de Arte, Madrid.

"La cocina I. Homenaje a Santa Teresa" Marina Abramocvic, 2009. BESart - Colección Banco Espíritu Santo.
"Atalanta e Hipómenes" Detalle, Guido Reni, 1618 - 1619 Museo di Capodimonte, Nápoles. Museo Thyssen - Bornemisza, primera sede de Heroínas. Sala dedicada a las Atletas. La versión del Museo Nacional del Prado hacia 1612, citada en el inventario del Alcázar de Madrid en 1666. Guido Reni concibe la escena como una danza prenupcial, la Heroína Atalanta rechaza el favor de la Diosa Afrodita para superar la carrera.

"Soledad" Lord Frederick Leighton, 1890 Maryhill Museum of Art, Goldenale.

"Circe ofreciendo la copa a Ulises" John William Watrhouse, 1891 Oldham Arte Gallery. La maga hechicera, hija de Helios y de Persé, sedente levanta una copa con veneno, desafiante ante Ulises, que se asoma ante el espejo.

"La bola de cristal" John William Waterhouse, 1902 Colección Pérez Simón México.

Hasta el 5 de junio El Museo Thyssen‐Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, Sala de las Alhajas, ofrecen al público Heroínas, un recorrido por la representación de la mujer como protagonista de roles activos y la crisis de la identidad de género en el arte occidental.

Heroínas es una Galería de Mujeres Fuertes.

La muestra explora los escenarios físicos y psíquicos y las vocaciones de las heroínas. Siguen un orden temático, en la misma línea que Lágrimas de Eros y La Sombra.

Aspectos que llaman la atención en la exposición:

1) El papel de la mujer en la historia del arte occidental.

Si pensamos que el 95% de los desnudos que apreciamos en los museos son femeninos fueron realizados por hombres, y sólo el 5% de las obras del arte occidental, han sido ejecutadas por pintoras, es indiscutible que la mujer como creadora ha estado excluida del arte y de la historia del arte.

2) La exposición Heroínas busca modelos no habituales, hasta ahora la imagen de la mujer en el arte era la maternidad, en el arte religioso la imágen de la Virgen María, la mujer que espera paciente y la mujer como deseo erótico.

3) Heroínas significa Protagonistas, se han buscado modelos de la épica actual, se busca la mujer como sujeto activo de la acción pintada.

4) Se buscan y estudian mujeres activas, independientes y desafiantes. Son mujeres especiales, más allá de la belleza y de la gracia.

5) Heroínas es una "Ciudad de mujeres", la muestra presta especial atención a la pintura del siglo XIX , a la Pintura Victoriana y al Arte Prerrafaelita, también ofrece una revisión del siglo XX y la sugerente fotografía contemporánea de artistas como Marina Abramavic y Julia Fullerton - Batten.

En la primera sede, en el Museo Thyssen - Bornemisza, domina el poder físico de las Heroínas y la historia de dos grandes mitos: Penélope, la tejedora de la soledad, encarna la paciencia y la paz, y el mito de Ifigenia, la nostalgia, el lamento, la melancolía que ofrece la inmortalidad a cambio del amor.

El primer capítulo de la heroína es la Soledad, "Habitación de hotel", 1931 de Edward Hopper. Campesinas, segadoras, "Amanecer" Jules Breton, 1896, la "Aguadora" de Goya, 1810 del Szépmüvészeti Múzeum de Budapest. Cariátides sugerentes que soportan el peso de la tierra y la familia con su cabeza. Ménades y Bacantes. Atletas que rechazan la ayuda de los dioses par vencer las pruebas, maravilloso ejemplo en la carrera prenupcial de "Atalanta e Hipómenes", 1618 - 1619 de Guido Reni. Museo di Capodimonte, Nápoles.
Vírgenes acorazadas, resonancias de la doncella Juana de Arco.
Las historias de Vírgenes guerreras continúan en la Segunda Sede en la Sala de las Alhajas, frente a las Descalzas Reales en el arrabal de San Martín.

En el espacio racionalista de Arbós y Tremanti, arquitecto de este edificio de la arquitectura del hierro, domina el poder mental y espiritual de las Heroínas.

Mártires, Magas Hechiceras, Místicas y Lectoras, Pintoras autorretratistas. La muestra ofrece una selección exquisita de Pintores Prerrafaelitas, como John William Waterhouse.

En el apartado de Magas, poseedoras del conocimiento, destaca la Medea de la pintora Evelyn de Morgan, 1889 de la Colección William Arte Galery, Birkenhead (Inglaterra), en ella no vemos la trágica Medea de Eurípides, traicionada terrible y vengativa, sino la sabia maga y sacerdotisa, conocedora de las hierbas y phármacos, hija de Eetes Rey de la Cólquide, nieta del Sol, porta en su mano un vial de veneno para dar muerte a Glauca, la princesa prometida de Jasón. Junto a Medea, cuatro magníficas obras de John William Waterhouse (1849 - 1917), pintor prerrafaelita que hizo de la magia, de las melancólicas leyendas artúricas la línea central de su obra. Amigo de Frederic Leighton, Burne Jones, de Rosetti y de Alma Tadema.

Waterhouse ilustra el poema del Baron Tennyson, "La Dama de Shalott" 1832.

Elena es la Dama de Shalott, que fue encerrada en una torre donde tejía noche y día. Un susurro le anunció que le aguardaba una horrible maldición si miraba en dirección a Camelo, aunque desconocía en qué consistía la maldición, seguía tejiendo sin parar. Nadie la conocía, ya que vivía encerrada, algunos campesinos creían oírla cantar por las mañanas, al amanecer, y se referían a ella como a un hada. Su contacto con el mundo era a través de un espejo, que reflejaba la ventana, que le mostraba Camelot. En las telas que tejía se reflejaba lo que ella veía a través de ese espejo, como las aventuras de los Caballeros de la Mesa Redonda.

Un día, a través del espejo, Elena vio a Lancelot y se enamoró de él. Dejó de coser y, sin poder evitarlo, miró hacia Camelot. En ese momento, el espejo se quebró, las telas salieron volando por la ventana y la maldición cayó sobre ella. Bajó de la torre y cogió una barca.

Los últimos versos de Tennyson que se coresponden con esta escena son:

"Escucharon una tuna lastimera, implorante,

tanto en alta voz como en voz baja,

hasta que su sangre se fue helando lentamente

y sus ojos se oscurecieron por completo,

vueltos hacia las torres de Camelot.

Y es que antes de que fuera llevada por la corriente

hacia la primera casa junto a la orilla,

murió cantando su canción

la Dama de Shalott.''

"Leyendo" Gerhard Richter, 1994 San Francisco Museum of Modern Art

En el capítulo de Lectoras, se escucha el pasar de las páginas, la lectura es la intimidad familiar, es el ámbito doméstico. La Lectura proporciona a las Heroínas Lectoras una burbuja en la que vivir otras historias, otras vidas. Como decía Virginia Woolf "Una habitación propia", "La mujer será libre para escribir, cuando tenga habitación propia" 1929. Aparecen obras tan significativas como "La lectora" Charles Guillaume Steuben, 1829 Musée des Beaux-Arts Nantes, "Retrato de Helena Kay" de Winslow Homer, "Victoria Dubourg" de Fantin - Latour, "La Lectora" de Matisse, "Leyendo" de Gerhard Richter.

En la sala dedicada a las Místicas, ocupa un espacio fundamental, la obra de Marina Abramoviv, rinde un Homenaje en 2009, a la más ilustre mística levitante, Santa Teresa de Jesús. + Info sobre la artista Marina Abramovic "Homenaje a Santa Teresa en la cocina" - RTVE.es http://t.co/GgtT3zC , en http://twitter.com/#!/enClavedeArte
Muy interesante la combinación de obra antigua con fotografía contemporánea, modernidad de Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen y comisario de la muestra. Ya lo disfrutamos así en Lágrimas de Eros y en la Sombra.

En esta misma sala, podemos ver también la reciente creación de la fotógrafa de origen alemán Julia Fullerton - Batten, nacida en Bremen en 1970. En la entrevista concedida a PhotoEspaña 2011 http://bit.ly/mzUQ68 , nos habla de su obra The ‘Teenage Stories’, ‘School Play’ y ‘In Between’. "Quiero crear una serie que haga a la gente pensar". Adolescentes que gravitan en escenas creadas con lujo y sofisticación.

Ha sido una grata sorpresa y una enorme satisfacción, ver este proyecto de Julia Fullerton - Batten colgado en Heroínas.

Para profundizar en la obra de esta maravillosa artista "La habilidad de perderse en los sueños", es interesante visitar su trabajo en http://www.juliafullerton-batten.com/

Finalmente en Mujeres pintoras, galería superior de la Alhajas, se aprecian los autorretratos de pintoras desde el alto Renacimiento, como Sofonisba Anguissola hasta el siglo XX Frida Khalo.

Desde 2008 no habíamos vuelto a ver en Madrid, el autorretrato de Sofonisba Anguissola de Lancut, Polonia. Ante la soledad de un espejo, el autorretrato es la técnica más compleja de la pintura, exige conocerse muy bien así mismo, innovar o mimetizar, el autorretrato es la extraña combinación de la actividad creadora y la pasividad como modelo.

Muy interesantes los retratos de Elisabeth -Louise Lebrun y Angelica Kauffmann, de los Uffizi, dos mujeres de personalidades tan distintas, y a la vez tan complementarias, ambas se conocieron por fin en su estancia en Roma, en 1790.

También fascinante la obra de Marie Bashkirtseft, "En el estudio", 1881. Nos permite estudiar el ambiente y la atmósfera de las damas, que aprendían a dibujar en la Académie Julian, aún existente hoy en París. Hasta 1896 las mujeres no podían estudiar oficialmente Bellas Artes, tampoco se les permitía pintar desnudo al natural. Maravillosa la luz nórdica de la pintora de Helsinki, Elin Danielson - Gambogi, autorretrato de 1900, Berthe Morisot, Gabriele Münter, y Charley Toorop. La exposición termina con el perturbador autorretratro con collar de espinas y colibrí de Frida Kahlo, 1940.

Gracias al Museo Thyssen y a la Fundación Caja Madrid, por estas horas que he pasado preparando la exposición, y por el placer de sentirme escuchada por mis alumnos.

Catarsis multiplicadora, invención de identidades místicas, condición espiritual de las heroínas, son sensaciones que hemos vivido en estos días.

Muchas gracias a todos y a todas, sobre todo a las mujeres que ya no se identifican con Penélope, sino que como dice el catálogo de la exposición, quieren ser Ulises.

El Esplendor del Románico en la Fundación Mapfre

2011-04-29T12:38:00.022+02:00

Frontal del altar de Esquius, segundo cuarto del siglo XII. Detalle de los Apóstoles marco superior izquierdo del Frontal, acompañan la imagen del Pantocrátor, todo Poderoso Dios Padre Omnipotente. Procede posiblemente de la Iglesia de Santa María del Castillo de Besora, comarca de Osona (Barcelona). La obra perteneció a Antoni de Barnola, ingresó en el Museo Nacional de Arte de Cataluña MNAC en el año 1958.

Dovela de Santa María de Ripoll, segundo tercio del siglo XII. Talla en piedra procedente del antiguo Monasterio de Santa María de Ripoll (Ripollès, Gerona). La pieza fue encontrada en un lugar no determinado de la Abadía, por el arquitecto Antoni Coll i Fort, podría haber formado parte de alguna portada interior del monasterio de Ripoll. Donación al museo en 1935. MNAC
Frontal de altar de la Seo de Urgel o Frontal de los Apóstoles. Segundo cuarto del Siglo XII, Pintura al temple y restos de hoja metálica corlada sobre tabla. Procede de una Iglesia indeterminada del obispado de Urgel. Adquirido al anticuario Celestí Dupont en 1905. MNAC

Cristo en Majestat Batlló, detalle mediados Siglo XII. Talla en madera de ciprés entelada y policromada al temple. Procedencia probable de una iglesia de la Garrotxha (Gerona). Museo Nacional de Arte de Cataluna MNAC. Donación de Enric Batlló a la Diputación de Barcelona, en depósito 1914.

El Cristo en Majestat representa la Victoria de Cristo sobre la muerte, es una de la imágenes más bellas del Románico Catalán, inerte, sin expresión, no muestra sufrimiento, la iconografía procede de la Escuela de Pisa, encontramos imágenes similares en la Catedral de Lucca, en la Toscana italiana. Regia, solemne, rígida, viste túnica rica oriental, se puede leer una incripción en la cruz: JHS Nazarenus Rex Iudeorum en el anverso, brazo superior de la cruz.

Majestat Batlló mediados siglo XIII

Frontal de altar de los Árcángeles, segundo cuarto del siglo XIII. Pintura al temple, relieves en estuco y restos de hoja metálica corlada sobre tabla. Procedencia catalana. Adquisición de la Colección Plandiura, 1932. MNAC

Pinturas de Boí. Lapidación de San Esteban, ca.1100. Fresco traspasado a lienzo, técnica de "Strappo". Procede de la Iglesia parroquial de San Juan de Boí (Alta Ribagorza, Lérida). Adquisición de la Junta de Museos en la campaña de 1919 - 1923. MNAC

Pinturas de Arlanza. Grifo ca. 1210. Fresco traspasado a lienzo. Procede de la Torre del Tesoro del antiguo monasterio de San Pedro de Arlanza (Burgos) MNAC

Capitel del Hospital de San Nicolás ca. 1200 - 1210. Talla en mármol. El conjunto de los capiteles de la exposición procede del antiguo Hospital de San Nicolás de Barcelona. Fondo del Museo Provincial de Antigüedades de Barcelona, 1879 MNAC

Frontal de altar de Cardet. Segunda mitad del siglo XIII, temple en relieve de estuco y restos de hoja metálica corlada sobre tabla. Procede de la Iglesia parroquial de Santa María de Cardet (Alta Ribagorza, Lérida). Adquisición de la Colección Plandiura, 1932. MNAC

Arquetas relicarios, báculos episcopales y Copón. Conjunto de orfebrería románica del MNAC, Taller esmalte de Limoges, ca. 1200 - 1210.

En la imagen se aprecia, El Báculo de Mondoñedo en cobre repujado, calado, cincelado y dorado, con aplicación de esmalte champlevé y perlas de vidrio. El Báculo pudo pertenecer al obispo Pelayo de Cebeira (1199 - 1218), procede de la iglesia de Santa María do Campo (Ribadeo, Lugo). Hacia 1855 fue trasladado a la Catedral de Mondoñedo, en 1913 fue vendido a Lluís Plandiura, para sufragar obras en la catedral. Hoy se encuentra en el MNAC.

La Arqueta relicario de los Santos Inocentes, esmalte de Limoges. Cobre grabado y dorado, con aplicación de esmalte champlevé y cabezas en relieve, sobre alma de madera. Procedencia desconocida, Legado de Santiago Espona, 1958. MNAC.

Por último, El Copón de la Cerdaña, Limoges ca. 1195 - 1200. Cobre embutido, repujado, cincelado y dorado, con aplicación champlevé. Procede de una Iglesia indeterminada de la Cerdaña (Gerona). Adquisición en 1818. MNAC

Baldaquino de Tost ca. 1220. Temple, relieves en estuco y resto de hoja metálica. Procede de la Iglesia parroquial de San Martín de Tost (Alto Úrgel, Lérida) MNAC.

Hasta el 15 de Mayo, podemos disfrutar de una cuidada selección de 58 obras de arte, procedentes del Museo Nacional de Arte de Cataluna (MNAC), en esta muestra están representadas todas las técnicas y todos los temas del Románico.

La exposición se encuentra dividida en cinco secciones:

1) El Color en la Arquitectura.

2) La Escultura arquitectónica.

3) Un espacio para la Narración.

4) El Poder de las Imágenes.

5) El tesoro de la Iglesia.

Destaca en la exposición la excelente puesta en escena de la muestra, elegante museografía, luz ténue alabastrina, esfuerzo tecnológico importante de la Fundación Mapfre.

¡¡ Enhorabuena !! Preciosa exposición

+ Info visita virtual a la muestra http://www.exposicionesmapfrearte.com/romanico/visita_virtual/visita_virtual.html Sala de Exposiciones de Los Recoletos, Paseo de Recoletos número 23. Madrid

Arte Barroco III. Escultura Características, Temática, Técnicas, Recuperación de los Gremios Artesanales en el Siglo XVII

2011-04-27T15:22:00.012+02:00

Basílica de San Pedro
Vista del interior El Baldaquino, diseñado y construido por Gianlorenzo Bernini, cubre la tumba del Apóstol San Pedro, recordando las palabras de Jesucristo

"Tú eres Pedro y sobre esta piedra edificaré mi Iglesia".

Detalle del Baldaquino San Pedro Bernini

Rapto de Proserpina Bernini. Galería Borghese.

El David. Bernini Galería Borghese http://www.galleriaborghese.it/

Detalle de la escultura El elefante, Arte barroco de Gian Lorenzo Bernini, Piazza della Minerva.

Escultura Barroca Características

1)Temática Religiosa – Imaginería del Concilio de Trento, obras piadosas y Temática Mitológica – Histórica Alegórica. Retrato.
2)Materiales: Variedad y riqueza Mármol, bronce, alabastro, madera policromada (España). Combinación de materiales (Bernini).
3)La escultura omnipresente en la arquitectura (Capillas Iglesias, plazas, fuentes..) Relación formal de las BBAA. Disputa entre la escultura y la pintura. El desencuentro comenzó con Alberti “Eternidad frente a fragilidad…”
4)Se intensifica la sensibilidad del creyente, fomentando los pasos barrocos (“al paso”) de la pasión de Cristo. “Paso Procesional” (del latín passus, paso - sufrimiento).
5)La escultura busca sentir a los santos y mártires como personas vivas y reales, que sean ejemplos a seguir a través de las imágenes, que sean próximas a su realidad cotidiana (Leer texto fotocopia Trento)
6)Se multiplica la demanda de retablos e imágenes de culto.
7)Tendencia a representar al ser humano con total objetividad, naturalismo frente al idealismo, rozando a veces la “vulgaridad”. Deseo de realidad, imágenes vestideras (Barroco en España).
8)Composición: Esquemas libres de geometría, composición asimétrica frente al equilibrio clásico del Renacimiento.
9)Líneas abiertas Movimiento, inestabilidad frente a la calma, amplitud de ropajes - Proliferación de pliegues.

10) El claroscuro (italiano, chiaroscuro) es una técnica artística (en pintura grabado, y escultura) consistente en el uso de contrastes fuertes entre los volúmenes iluminados y la sombra.
En escultura apenas es perceptible, si hay relieve hay claroscuro.
11) Técnica del Escorzo: cuerpo en posición oblicua o
perpendicular a nuestro nivel visual.
El efecto de escorzo existe en
todos los cuerpos con volumen.
12) Predominio de diagonales, cuerpos sesgados, oblicuos, helicoidal, ondulante, esquema CONTRAPOSTO o SERPENTINATO . Italianismo, que significa la oposición armónica de las partes del cuerpo humano.
13) La Luz es fundamental, crea efectos de claroscuro, amplia el volumen.
14) Barroco = Capricho de la naturaleza, extravagancia de un pensamiento. Arte de la Fantasía, gozar estético, creación de efectos agua, luz. Retablo Barroco es el protagonista: Expresión cielo abierto, Gloria, Visiones, Apoteosis, Visiones y
Transverberaciones.
15) Recuperación del Gremio, el Taller Crisol
del arte, jerarquía Aprendiz, oficial y
maestro, perdido en el Renacimiento.

RT Lectura recomendada: “El artista en
la sociedad española del Siglo XVII”
Autor: J.J. Martín González.
Ensayos Cátedra Madrid 1984, leer capítulo 1
Aprendizaje, el taller y contratación de obras.

Arte Barroco II. Bernini y Borrromini

2011-04-27T14:42:00.013+02:00

Fachada de San Andrea del Quirinal Roma. Bernini. Sede del Noviciado de la Compañía de Jesús

Detalle del interior de San Andrea del Quirinal. Roma Bernini.

Transverberación de Santa Teresa de Jesús. La obra del escultor y pintor Gian Lorenzo Bernini. Fue realizada entre 1647 y 1651, por encargo del cardenal Cornaro, para ser colocada donde iría su tumba, en la iglesia de Santa María de la Victoria (Santa Maria della Vittoria), en Roma, donde actualmente se encuentra, en la llamada Capilla Cornaro. Esta considerada una de las obras maestras de la escultura del alto barroco. Bernini expresa con acierto el intenso dolor físico en la expresión facial que según la santa, se unía a un estado de alegría divina.

El "David" es una estatua realizada por Gian Lorenzo Bernini en 1623. Tiene tamaño real y está ejecutada con mármol. Pasó a formar parte de la colección de su principal mecenas, el Cardenal Scipione Borghese, y actualmente se expone en la Galleria Borghese.

http://www.galleriaborghese.it/

"El rapto de Proserpina" 1621 Bernini, Galería Borghese.

La posición, un contraposto retorcido, es una reminiscencia del Manierismo, y permite una observación simultánea del rapto (según se mira desde la izquierda) con Plutón tratando de mantener a Proserpina sujeta; de la llegada al Hades (mirando de frente, parece llevar en brazos a su víctima); y de la petición de Proserpina a su madre de regresar durante seis meses a la Tierra (si contemplamos desde la derecha, con las lágrimas de la mujer, el viento sobre su pelo y el Can Cerbero ladrando).

Arquitectura y Escultura del Alto Barroco Romano (1625 – finales siglo)

Obras y artistas más importantes

Gianlorenzo Bernini (1598 – 1680)
Arquitectura de Bernini
· Plaza de San Pedro.
· Iglesia de Sant'Andrea en el Quirinal.
· Capilla del Marqués Raymondi en San Pietro in Montorio, Roma.
· Colegiata de Ariccia.
· Iglesia de San Tomás de Villanova (Ariccia).
· Palacio Montecitorio.
· Palacio Chigi Odescalchi.
· Scala Regia del Vaticano.
· Baldaquino de San Pedro (1624) – en la Basílica de San Pedro.
· Sepulcro de Alejandro VI.
· Cátedra de San Pedro.
· Elefante Obeliscoforo (1667-1669) -

. Plaza de Santa Maria sopra Minerva, Roma.
· Capilla Chigi en Santa Maria del Popolo.
· Capilla Cornaro.
· Altar del Santísimo Sacramento.
· Capilla Raimondi.
· Fuente de los Cuatro Ríos (1648-1651) Plaza Navona, Roma.
· Fuente de la Barcaccia.
· Fuente del Tritón.

Escultura y localización de las esculturas de Bernini:
· San Sebastián (h. 1617) - Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid (depósito de la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza).
· Eneas, Anquises y Ascanio (1618-1619) – Galería Borghese, Roma.
· Rapto de Proserpina (1621-1622) – Galería Borghese, Roma.
· Apolo y Dafne (1622-1625) – Galería Borghese, Roma.
· David (1623-1624) – Galería Borghese, Roma.
· San Longino (1631-1638) – Basílica de San Pedro.
· Busto de Scipione Borghese (1632) – Galería Borghese, Roma.
· Busto de Costanza Bonarelli (h. 1635) – Museo Nacional del Bargello, Florencia.
· Busto del Cardenal Richelieu (1640-1641) – Museo del Louvre.

. La Verdad (1645-1652) – Galería Borghese, Roma.
· Transverberación de Santa Teresa (1647-1652) capilla Cornaro, Santa Maria della Vittoria, Roma.
· Daniel y el león (1650) – Santa Maria del Popolo, Roma
· Busto di Francesco I d'Este (1650-1651) – Galería Estense, Módena.
· Constantino (1654-1670), Palacios Pontificios, Ciudad del Vaticano.
· Busto de Luis XIV (1665) – Museo Nacional de Versalles. Francia.
· Luis XIV a Caballo (1669-1670) – Galería Borghese, Roma.
· Éxtasis de la beata Ludovica Albertoni(1671-1674) en la Capilla Altieri-Albertoni, San Francesco a Ripa, Roma.

Otros escultores barrocos
- Alessandro Algardi (1598 – 1654).
- François Duquesnoy (1597 – 1643).

- Escultores italianos fuera de Roma: Pietro Tacca –Felipe IV Madrid.

Francesco Borromini (1599 – 1667). Obras más importantes:
o San Carlo alle Quattro Fontane.
o Sant'Agnese en Agone.
o Sant' Ivo alla Sapienza.
o Oratorio de San Felipe Neri (Oratorio dei Fillipini).

Arte Barroco I. Arquitectura Características. Sentimiento vital del Barroco, "Theatrum mundi" El Teatro del mundo

2011-04-27T13:06:00.010+02:00

"El Arte Barroco en Roma. Bernini y Borromini. Arte religioso de la Contrarreforma"

Característica principal de la arquitectura barroca fue la utilización de composiciones basadas en líneas curvas, elipses y espirales, así como figuras policéntricas complejas compuestas de motivos que se intersecaban unos con otros. La arquitectura se valió de la pintura, la escultura y los estucados para crear conjuntos artísticos teatrales.

Fachada y planta Iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane Roma,

diseñada por Francesco Borromini en 1637.

Características generales del Arte Barroco

•1) La búsqueda del movimiento real, por el hecho de que se construyan edificaciones con paredes ondulada.
•2) Intento de sugerir el infinito: Perspectiva, ilusión que crea el espacio.
•3) La importancia de la luz y de sus efectos.
•4) El gusto por la teatralidad, por lo escenográfico y fastuoso.
•5) La tendencia a mezclar las disciplinas artísticas.

Contexto Histórico

El término “Barroco” como concepto de estilo y de época. El sentimiento vital del Barroco.
•“Theatrum mundi”, el gran teatro del mundo. Las Bellas Artes en el Barroco:

•Las obras de Calderón plantean los temas del Barroco:
•La interpretación ante Dios (la apariencia).
•Ser y parecer, ostentación y ascetismo…
•La Libertad y el destino en “la vida es sueño”.
•Los últimos versos de este monólogo son los que dan nombre a la obra:
•¿Qué es la vida?

Un frenesí.

¿Qué es la vida?

Una ilusión,

una sombra,

una ficción,

y el mayor bien es pequeño,

que toda la vida es sueño,

y los sueños, sueños son.

Características de la arquitectura
- La arquitectura barroca tuvo el objetivo de emocionar y llamar la atención del espectador.

- El uso de la línea curva, tanto en las estructuras de los edificios como en la decoración.
- Destaca el uso de las columnas salomónicas, que son las que están en espiral, y da una sensación de movilidad.
- La utilización de efectos luminosos en los edificios a través de movimientos concavos convexos.

- La abundancia de decoración y de adornos en las fachadas e interiores.
- Riqueza de materiales, especialmente en las Iglesias, para producir una sensación de lujo, ostentación.

- Una de las preocupaciones del Barroco son los grandes recintos públicos urbanos. Es frecuente que en las ciudades más importantes se lleven a cabo plazas mayores de enorme superficie y suntuosidad.

- Se dice que el estilo barroco más que un estilo de arquitectura es una forma de decoración arquitectural.

Urbanismo Sixto V
•1) Integrar en un único sistema de calles principales las diversas obras realizadas por sus predecesores, enlazando las iglesias más importantes y otros puntos clave de la ciudad.
•2) Crear "una ciudad estética” que supusiera la superación de la actual configuración de calles y espacios públicos. Strada Felice = Vía feliz, ruta oportuna…
•3) Suministro del agua para llevar el agua a los barrios altos de la ciudad, construye el Acqua Felice, incorporando parte de los antiguos acueductos Marcia y Claudia. El acueducto Felice supuso un recorrido de once kilómetros y un suministro de 18.000 m. cúbicos de agua por día.
•4) Unión de las siete iglesias de peregrinación de Roma, entre San Juan de Letrán, San Pedro en Vaticano, Santa María Maggiore, San Pablo extramuros y San Lorenzo extramuros, iglesias primitivas, y dos más que gozaron de veneración especial, San Sebastián y Santa Croce.

Tridente de la Piazza del Popolo

“Santa Maria di Montesanto” y “Santa Maria dei Miracoli”
•La Piazza se califica como "entrada" a la "Città Santa".
•Lugar de encuentro de tres calles: Corso, Babuino y Ripetta.
•En 1589 se añadía a un obelisco que convirtió a su espacio en un nudo urbano. En 1662 se inicia la construcción de dos iglesias semejantes en cuanto a su escala, trazadas por el arquitecto Carlo Rainaldi.
•Se levantan simétricas entre las tres calles radiales.

Concilio el dogma – Repercusiones en El Arte

•1) Definir el dogma de Fe. Justificación por las obras.
•2) Importancia 7 Sacramentos.
•3) Veneración Virgen María y a los santos.
•4) Arquitectura: El Gesú.
•5) Escultura: Imágenes piadosas.
•6) Pintura: Adoctrinar como norma.
•7) Recuperación de la Inmaculada Concepción.
•8) Arte de Propaganda de la Iglesia.
•9) Ostentación, lujo frente a la austeridad (Altar).
•10) Arte profundamente religioso (teatral).

LA ARQUITECTURA BARROCA EN ITALIA.

Características Generales:

Movimiento y curva.
Integración en el espacio urbano.
Condiciona la escultura y la pintura.
Búsqueda de efectos teatrales de la luz.
Combinación de espacios diferentes: plantas elípticas, circulares,….
Plazas como centro.

Empleo de materiales ricos.
Muros curvos: juegos de perspectiva.
Columnas con movimiento (salomónicas, cariátides,).
Arcos de formas variadas y frontones partidos y curvos.
Diferentes tipos de cúpula.
Profusión de elementos decorativos

Loci Iacobi

2011-02-08T09:42:00.000+01:00

Doodle conmemorativo de el nacimiento de Julio Verne

En este día conmemorativo de el nacimiento de Julio Verne y tras el revuelo en el mundo de el arte, por el paso dado entorno a las visitas virtuales a museos dado por Google con su Google Art Project, os queremos presentar un proyecto europeo que no tiene nada que envidiar a el de los chicos de Mountain View.

Loci Iacobi es un Camino de Santiago Virtual, un proyecto europeo de "virtualización". Uno de sus elementos estrella es el "Libro de Piedra", presentado a finales de el pasado mes de enero. Se ha llegado a escribir que con este proyecto el Camino de Santiago "dispone de su particular Second Life".

Arte y Tecnologías se dan la mano para, cómodamente desde casa y eso sí, con un buen ancho de conexión a internet, disfrutar hasta el mínimo detalle de obras de arte y monumentos. Desde luego Julio Verne sabía que esto ocurriría ¿o no?

Thyssen-Bornemisza Concierto en Mi Jardín

2011-01-30T18:52:00.012+01:00

Concierto: En mi jardín Del 6 al 13 de febrero de 2011

Durante la última semana de la exposición Jardines impresionistas, el Museo Thyssen ha organizado el concierto titulado "En mi jardín", un espectáculo musical en el que la actriz Carlota Gaviño dará vida a las ideas y sentimientos expresados por la escritora australiana Elizabeth von Armin en su libro "Elisabeth y su jardín" (1898), mientras que la mezzosoprano Gudrún Ólafsdóttir, acompañada al piano por Alexis Delgado, interpretará piezas relacionadas con el tema de la exposición: el Jardín, obras de diversos compositores contemporáneos al Impresionismo, como Débussy, Ravel, Chausson o Boulanger.

Descargar programa en http://bit.ly/gyAvVq

Visita Virtual a la Colección Permanente del Museo Thyssen-Bornemisza

Siguiendo este enlace http://bit.ly/eohwJA

el público tendrá acceso a un recorrido virtual por la Historia del Arte, desde el siglo XIII hasta las postrimerías del siglo XX. Se pueden contemplar casi mil obras expuestas, visitando por orden cronológico las etapas y escuelas en la Historia de la Pintura del arte occidental, desde el Duocento italiano, el clasicismo en el Renacimiento, el Manierismo, el Barroco, el Rococó, el Romanticismo y el arte de los siglos XIX y XX hasta llegar al Pop Art. Una oportunidad única para preparar una visita inolvidable sin salir de casa.

Rubens "El espectáculo de la Vida" en 360º

2011-01-14T11:50:00.013+01:00

Pedro Pablo Rubens "El Nacimiento de la Vía Láctea" h. 1636 óleo sobre lienzo.

Heracles nacido del amor de Zeus y la ninfa Alcmena, fue colocado en el seno de la diosa Hera mientras ella dormía, para que mamara de la leche divina de una auténtica diosa.

La esposa y hermana de Zeus, al despertar y darse cuenta, ofendida lo separó bruscamente. La leche derramada formó la Vía Láctea, el camino de las estrellas que conduce al Olimpo.

Serie para el diseño de los Tapices de las Descalzas Reales de Madrid, "El triunfo de la Iglesia sobre la furia, la discordia y el odio" (detalle) Pedro Pablo Rubens, 1626. Encargo de la archiduquesa de los Países Bajos, Isabel Clara Eugenia para el Convento de las Descalzas

Pedro Pablo Rubens "Las tres Gracias" h. 1630 - 1635, óleo sobre tabla. Museo del Prado

Pedro Pablo Rubens "El rapto de Europa" óleo sobre tabla. Decoración de la Torre de la Parada, h. 1636 Museo Nacional del Prado

Pedro Pablo Rubens Serie del Apostolado"San Pablo" óleo sobre tabla

Pedro Pablo Rubens "Lucha de San Jorge y el dragón" detalle óleo sobre lienzo h. 1606

El Museo Nacional del Prado exhibe hasta el día 23 de enero la colección de Rubens (Siegen 1577 – Amberes 1640), dividida en dos grandes salas, como si se tratara de un gabinete real o de una instalación contemporánea, podremos disfrutar de 90 obras de Rubens en un especial montaje que permite una mirada renovada sobre el artista flamenco.

En una sucesión cronológica, los cuadros de Rubens y su taller que se conservan en el Prado han sido colgados uno junto al otro, de forma que recuerda la continuidad de la obra en los antiguos gabinetes, invitando al visitante a sumergirse en el universo del pintor del que se reivindica su talento y su fuerza.

El estilo de Rubens se caracteriza por los contrastes de color, de gran riqueza cromática y los juegos de luces y sombras. Sus composiciones están llenas de dinamismo, sensualidad y sensibilidad emocional.

Para facilitar el estudio de las obras, el Prado presenta en su página web un video interactivo bajo el título Rubens 360°, esta fantástica iniciativa permite recorrer la exposición del pintor de Amberes, con imágenes en alta resolución.

Rubens, Pintor y Diplomático

Datos Biográficos

Pedro Pablo Rubens (1577–1640) fue el pintor más admirado de su época en Europa. Pintor Barroco de Escuela Barroca, pintor, dibujante, diseñador y embajador, no tuvo rivales en el Arte de la Pintura.

Nacido en 1577 en la ciudad de Siegen, al sur de Alemania, Rubens inicia su formación artística muy pronto, en 1589 al mismo tiempo que estudiaba latín, alemán, español y francés. Durante su adolescencia, en 1590 entra a servir como paje de la condesa de Ligne-Arenberg, adquiriendo los principios básicos de un buen cortesano.
En 1591 ingresa en el taller del pintor Tobias Verhaecht, especialista en paisajes. Continúa su formación en el taller del pintor Adam van Noortas, gracias a las cuales comenzó a realizar los primeros retratos de su carrera.

En 1600 Rubens viajó a Italia, donde trabajará al servicio del duque de Mantua, Vincenzo Gonzaga. Permanece en Italia ocho años. Allí estudia el arte de la Antigüedad y a los maestros del Renacimiento, y viaja a Roma, Florencia, Venecia, Génova y otras ciudades como Venecia donde obtuvo el cargo de pintor de corte, empleo que le permitió conocer las obras de los grandes artistas italianos de la época.

De esta manera el joven retratista de la corte comenzó su carrera profesional gracias a la cual recorrió varios países de Europa al servicio de la nobleza más distinguida.

El 5 de marzo de 1603 viajó a España como diplomático, Rubens dominaba varios idiomas, fue elegido como diplomático en diferentes cortes europeas, en el caso de España, visita la corte de Valladolid trabajando al servicio del rey Felipe III y su valido, el Duque de Lerma.

Durante su estancia en Madrid recibió el encargo de la realización de varias pinturas sobre bustos de apóstoles, se conoce a esa serie como "El Apostolado", actualmente conservados en el Museo del Prado, podemos disfrutar de estas obras en la exposición monográfica actual.

Entre las obras realizadas en esta época, destaca el "Retrato ecuestre del Duque de Lerma", de la que también se conservan varios dibujos preparatorios. Esta obra muestra un gran equilibrio y vigor, el personaje parece contemplar al espectador, y el pintor realizó unos escorzos del caballo muy bien ejecutados.

En 1609 trabaja como pintor de la corte de los archiduques Alberto e Isabel Clara Eugenia en Bruselas, y para el patriciado de Amberes, ciudad donde reside y donde establece su estudio.
En este mismo año, realiza "La Adoración de los Magos" hoy en el Museo del Prado, para el Ayuntamiento de Amberes, el primero de muchos grandes encargos que recibirá de las principales instituciones de la ciudad. Contrae matrimonio con Isabella Brant.

En 1621 María de Médicis le encarga el ciclo de pinturas para su palacio de Luxemburgo en París. Hacia 1622, retoma su actividad como diplomático al servicio de la Monarquía Española.

En 1625 la archiduquesa Isabel Clara Eugenia le encarga el diseño de la Serie de tapices sobre la Eucaristía para el convento de las Descalzas Reales de Madrid.
En 1626 se produce el fallecimiento de su esposa Isabella Brant.

Entre 1628 y 1629 desempeña la labor de diplomático para informar al rey sobre el estado de las negociaciones de un tratado de paz con Inglaterra. Se instala en el Alcázar de Madrid, donde entra en contacto con Velázquez.
E 1628 copia numerosas pinturas de Tiziano de la Colección Real. Retrata a Felipe IV a caballo, cuadro hoy perdido que sustituye, en el salón más importante del Alcázar, a otro retrato anterior de Velázquez.

El 29 abril de 1629, abandona Madrid con destino a Inglaterra, es nombrado caballero por el rey Carlos I de Inglaterra. El 6 de diciembre contrae matrimonio en Amberes con Helena Fourment.

De nuevo en 1636 vuelve a trabajar para Corte española, comenzando los diseños para el pabellón de caza cercano a Madrid conocido como la Torre de la Parada, por encargo del monarca Felipe IV.

La fama de Rubens se extendió a todas las cortes europeas y recibió tantos encargos que tuvo que crear en su casa un gran taller, en el que él sólo realizaba el boceto inicial y los toques finales, mientras que sus aprendices se encargaban de las fases intermedias.

Fueron discípulos suyos, Jacob Jordaens, Gaspar de Crayer, Theodor van Thulden, Cornelis de Vos, y el conocido pintor Antoon van Dyck .

Finalmente, falleció el 30 de Mayo de 1640 en su casa de Amberes, a punto de cumplir los 63 años, sus restos descansan en la Capilla de Nuestra Señora, en la Iglesia de Santiago en Amberes.

Entre 1640 y 1645, Felipe IV adquiere de los herederos de Rubens cuadros que habían quedado en la colección del pintor tras su muerte, entre ellos "San Jorge y el dragón", "Las tres Gracias", y otros que forman parte de la colección del Museo del Prado y que se pueden ver en esta exposición hasta el 23 de Enero.

Jardínes Impresionistas

2011-01-14T10:22:00.013+01:00

Carles Courthey Curran “Flores de Loto” (1888) Colección Daniel J. Terra Chicago

Joaquín Sorolla y Bastida "La Alberca" Alcázar de Sevilla (1910) Museo Sorolla

Claude Monet “La Casa del artista en Argenteuil” (1873) Galería Nacional de Washighton

Hasta el 13 de Febrero, podemos disfrutar de los “Jardines Impresionistas” en el Museo Thyssen - Bornemisza en el Paseo del Prado y en la Fundación Caja Madrid. Sala de las Alhajas. Plaza de San Martín, 1 frente al Monasterio de las Descalzas Reales.

A finales del Siglo XIX el Impresionismo convirtió el Jardín en el tema esencial de la Pintura. La sombra proyectada por las hojas de los árboles o las variaciones del color de las flores a lo largo del día, son el tipo de detalles que trata de plasmar la nueva generación de artistas impresionistas.

A mediados del siglo XIX, la introducción y el cruce de cientos de plantas y especies de flores exóticas procedentes de Asia, África y América, así como la apertura al público de los parques reales, estimularon en Francia y otros países europeos un gran movimiento hortícola.

Diseñar y cultivar jardines se convirtió en una pasión a la que no fueron ajenos los pintores impresionistas, como Monet y Caillebotte.

En las salas del Museo Thyssen - Bornemisza, la muestra comienza con una sección dedicada a los precursores del jardín impresionista. La "Pintura de flores" del romanticismo de Delacroix, Bazille o Renoir, ocupan un espacio importante los pintores de la escuela de Barbizon, pintura al aire libre y exploración del jardín como paisaje. Artistas como Millet, Corot y Daubigny serían precedentes inmediatos de la pintura impresionista francesa.

El Jardín también es un lugar de encuentro social, grandes espacios verdes abiertos al público recreados por los pintores de finales de siglo.

Otras secciones de la exposición son el Jardín Privado, el Jardín decorativo y el Jardín productivo - Huerto, en donde se destaca la figua del campesino. Pissarro, Cézanne, Gauguin o Van Gogh, están también aquí representados.

En el espacio de la Sala de las Alhajas de la Fundación Caja Madrid, podemos estudiar del Impresionismo a las Nuevas Vanguardias, se plantea el tema del jardín en la obra tardía de los impresionistas franceses, con lienzos de Monet, Pissarro o Caillebotte y en la nueva generación de pintores postimpresionistas como Van Gogh, Klimt, Vuillard, Bonnard y Toulouse-Lautrec.

En la segunda altura de la exposición, la atención se desplaza hacia la pintura naturalista europea y americana del cambio de siglo. Artistas alemanes, escandinavos, británicos o estadounidenses se dejaron influir por la búsqueda de la luz y el aire libre, características del impresionismo.

Un espacio a parte dentro del Jardín, lo ocupan las obras de pintores españoles como Sorolla, Regoyos, Pla, Meifrèn o Anglada-Camarasa.

Las últimas salas dedicadas al fauvismo, el cubismo y el expresionismo alemán, con obras de Cézanne, Munch, Nolde, Dufy, Braque, Malévich y Ernst.

Visitar el microsite de la exposición

http://bit.ly/gyt1Rv

EL "Niño Jesús" en Palacio. Colección procedente de las Descalzas Reales. Belenes y Misterios Barrocos en Madrid

2010-12-31T13:55:00.024+01:00

"Sagrada Familia del Pajarito" Bartolomé Esteban Murillo h. 1650
Museo Nacional del Prado
Murillo destaca en esta obra la humilde condición de los moradores de este hogar en Nazaret.
Es otra forma de ver Belenes en Madrid, contemplar los Nacimientos en el Museo del Prado.

El "Niño Jesús" en el Palacio Real de Madrid.

Las obras que se exhiben en Palacio, en la Sala de los Alabarderos, proceden de la Colección del Monasterio de las Descalzas Reales de Madrid.

Niño Jesús dormido, Escuela Española finales del Siglo XVI, madera tallada y Policromada.

Hasta el 9 de enero de 2011, podemos disfrutar de esta obra en la magnífica Exposición "El Niño Jesús" en el Palacio Real de Madrid. Sala de los Alabarderos. Pertenece a la Colección del Monasterio de las Descalzas Reales de Madrid.

Nos recuerda a la estética de los retratos infantiles de la Corte de Felipe II, viste vaquero con mangas tubulares y abrochado con alamares. Indumentaria común en los infantes hasta que cumplían siete años. Aparece sentado en un sillón frailero, mueble muy presente en la pintura española, resaltaba la dignidad del retratado. En su mano sujeta la esfera, símbolo de la universalidad de la redención.

El Niño Jesús dormido. Detalle de la escultura.

El Caballero de la Estrella y el Heraldo que anuncia la llegada de los Reyes Magos.

Belén Barroco Quiteño Siglo XVII, reminiscencia de Escuela Sevillana. Madera policromada y estofada con técnica del pulimento. Convento del Corpus Christi de las Jerónimas "Vulgo las Carboneras" en la Plaza del Conde de Miranda en Madrid.

Misterio y Cabalgata de los Reyes.
Belén de alto valor artístico con figuras barrocas quiteñas Siglo XVII. Convento de las "Carboneras" en Madrid.

Rey Mago del Misterio Monumental de San Ginés. Calle Bordadores y Arenal en Madrid.

Misterio Barroco de la Real Iglesia de San Ginés.

Figuras monumentales vestideras de tamaño académico.

Belén Napolitano del Museo Municipal de Madrid y la Cantata Dei Pastori año 2005 en el Palacio de Abrantes de Madrid, Instituto Italiano de Cultura.

Guía didáctica de Belenes Históricos y populares de Madrid.

Imagen de Belén Napolitano.

En enClave de Arte hemos tenido un final de Año de lujo, el placer de visitar una exposición única "El Niño JESÚS" en el Palacio Real de Madrid. Colección procedente de las Descalzas Reales de Madrid, y además el placer de explicarlo en el silencio de la Sala de los Alabarderos, la Sala de la Guardia Real.

Bajo la Bóveda de la "Apoteósis de Eneas" pintada por el Tiépolo en 1766, se respira aire monacal, en siete pequeños apartados se disfruta de Imágenes de Clausura.

Secciones de la Exposición:

1) El Niño Jesús y la Corte.

2) El Niño Jesús y la Navidad. Dos tipologías: El Pastorcillo y los Niños de Cuna.

3) El Niño Jesús en la vida cotidiana. Dos tipologías: El Esposo y el Maestrito.

4) Recreación de un Oratorio doméstico.

5) Ajuares de las religiosas. "Ora et Labora".

6) El Niño Jesús y la Pasión.

7) El Niño Triunfante. Dos tipologías: El Niño Resucitado y El Niño Jesús del Sagrado Corazón.

En los monasterios femeninos de Clausura era frecuente la presencia de imágenes del Niño Jesús, en las dotes de las religiosas de origen noble, en las Descalzas Reales, destacaron ilustres personajes como la nieta de Maximiliano II de Austria y Doña María, Sor Ana Dorotea, la infanta Margarita, la princesa de Módena y Sor Margarita de la Cruz. En esta extensa colección de las Descalzas Reales, se conservan ochenta imágenes del Niño Jesús, de un valor artístico incalculable. Pequeñas esculturas cuidadas y mimadas en las Capillas del Monasterio de las Clarisas Franciscanas.

El primer apartado de esta exposición está dedicado a El Niño Jesús y la Corte. La imagen del Niño Jesús estuvo muy presente en la vida de los infantes y de los reyes, en los oratorios privados. En esta sección se puede apreciar al Niño Jesús vestido como Gobernante, la primera obra es el Niño Jesús de la Madre Fundadora (imagen representado en detalle, al comienzo de este artículo).

Junto a este imagen, podemos apreciar un magnífico óleo de Alonso Sánchez Coello, el "Retrato de los infantes don Diego y don Felipe" (1579), los infantes visten vaquero y adorno de alamares, es adorable porque visten igual que el Niño Jesús dormido. Esta obra procede de la Sala conocida como el Candilón, es la sala del Convento de las Descalzas, en la que se velaba el cuerpo de las religiosa, situada entre el Salón de Reyes y la Casita de la infanta Margarita.

Otras imágenes de este apartado son El Niño Jesús vestido a la moda de la corte de los Austrias, escuela castellana del XVII, en una pequeña vitrina, se pueden apreciar objetos muy curiosos, como un Grabado de Johan Klauber, del segundo tercio del XVIII, representado al Niño Jesús como emperador, y un grabado del Niño Jesús Peregrino de 1797, también aparecen los pequeños collares y pulseras de coral del Niño Jesús, manufactura de finales XVIII y principios XIX, así como un orbe terraquerum en bronce del siglo XVI.

En el segundo apartado de la exposición, el Niño Jesús se convierte en el verdadero protagonista de la Navidad, imágenes cargadas de Humanidad, representan la Encarnación de Dios hecho Hombre en la Tierra. Todas las obras de esta sección son magníficas, sobre todo si pensamos que no es hasta comienzos del siglo XVI, cuando aparece El Niño Jesús exento, sin su Madre, la Virgen María.

Según la tradición, en Nochebuena tenía lugar la Procesión del Niño Jesús de la Madre, imagen que era trasladada desde la celda de la abadesa del monasterio hasta el coro, en Nochevieja, la Procesión del Santo y Alma, y finalmente el día de Año Nuevo, tenía lugar la Procesión de la advocación del Santo Enmanuel. En esta última, encontramos dos tipologías en la exposición Los Niños de Cuna y el Niño Jesús Pastorcillo, de escuela española del XVIII.

En esta sección, podemos disfrutar también de una maravilloso Misterio de alabastro del Siglo XVIII, y de ángeles vestideros realizados en cartón y madera.

El tercer apartado está dedicado al Niño Jesús en la vida cotidiana. Podemos observar la imagen del Niño Jesús "Esposo" entregando el anillo a la novicia para contraer matrimonio el Niño Jesús Maestrito, presidiendo la Regla de la Orden. Junto a estas imágenes, en una vitrina un rosario de madera y nácar procedente de Jerusalén, del siglo XIX. En la pared, un valioso crucifijo de madera y marfil de escuela italiana, hacia 1600.

El cuarto y quinto apartado están dedicado a la reconstrucción estética de un oratorio doméstico en un mueble expositor, podemos ver objetos como relicarios, portapaz, procedentes también del convento. El oratorio de culto devocional privado era muy habitual en los Conventos y Casas Palacigas del Siglo XVII.

Entre los Ajuares de las religiosas, destacan los vestiditos, prendas, pequeños sombreros y zapatos elaborados con mimo y soltura por las propias religiosas para vestir al Niño Jesús, también destacan delicados muebles como un sillón rococó de 1760, una camita de pabellón o baldaquino de escuela portuguesa de 1650 y un canapé o diván de 1830. En un subapartado del mundo doméstico se aprecian los Niños "Disfrazados", como el Niño Jesús San Isidro, de escuela andaluza, el Niño Jesús sacerdote de escuela española y un curioso Niño Jesús Franciscano de escuela italiana, las tres imágenes son del siglo XVIII.

Para terminar la exposición, la imagen quizá más amarga y más triste del Niño Jesús, el Niño Jesús de la Pasión, dormido en meditación sobre una calavera y una cruz, y el Niño Jesús Resucitado una vez superada la Pasión. Concluye la visita con la advocación del Niño Jesús del Sagrado Corazón, escuela castellana del siglo XVII.

Una vez terminado el recorrido y antes de abandonar las salas del Palacio, no dejen de contemplar el Salón de las Columnas, elevando la mirada al fresco de la bóveda, podemos ver el "Nacimiento del Sol", pintado por Corrado Guiaquinto a finales del XVIII. Al fondo del Salón se aprecia una copia académica del XIX del grupo escultórico Carlos V venciendo la Herejía creado por Leone Leoni, en 1553, original que podemos ver en el Museo Nacional del Prado, Puerta Goya Alta.

Belenes y Misterios en Madrid

Vienen ya los Reyes Magos...

Cuando llega la Navidad, Madrid cobra vida y se convierte en un museo vivo de Belenes Histórico - Artísticos y Belenes populares. Podemos ver infinidad de modelos, en la guía didáctica en este artículo hemos incluido una relación de los más importantes.

Entre los más significativos, merecen especial atención dos Belenes: El Belén de las "Carboneras" y el Misterio de San Ginés.

El primero es el Belén del Convento Corpus Christi de las Monjas Jerónimas “Vulgo Carboneras”ubicado en la madrileña Plaza del Conde de Miranda, en el interior del templo barroco, en la parte baja del coro, podemos disfrutar de una joya, el Misterio y Cabalgata de Reyes. Belén de alto valor artístico con figuras barrocas quiteñas, reminiscencia de escuela sevillana. El conjunto realizado en madera policromada y estofada con la técnica del pulimento.

En el centro de la composición, destaca El Misterio, a la derecha dos personajes monacales, característicos del Belén de los Austrias, el Jinete que porta la estrella de los reyes, también llamado el Caballero de la Estrella y junto a él un Heraldo que toca la trompeta anunciando la llegada del Mesías.

A la izquierda, la Cabalgata de los Reyes Magos, ambas iconografías desaparecerán en el XVIII y ya no se recuperarán jamás. Cuando llega a España el Belén de origen napolitano, en la época de Carlos III, ya no se escenificará nunca este Misterio tan maravilloso.

El segundo Belén, lo podemos ver muy cerca, desde la plaza del Conde de Miranda, subimos de vuelta por la calle del Codo, llegamos a la Plaza de la Villa, antigua Plaza de San Salvador, subimos Mayor y cruzamos Bordadores, para llegar a un fabuloso Misterio, el Misterio en la Real Iglesia de San Ginés, en la calle Arenal esquina Bordadores, delante del Retablo de la Virgen de la Valvanera, podemos disfrutar de un valioso Misterio Monumental con Figuras vestideras, de tamaño académico de Antonio José Martínez Rodríguez (realizado por Cayetano Ramírez y Bernardo Toribio).

En el inicio de este artículo, aparecen algunas fotografías de estos Misterios, para que puedan disfrutar de ellos.

Aprovechen estos días que quedan para la llegada de los Reyes Magos, para visitar estos Belenes en familia, son días para soñar y reflexionar.

Nosotros en http://twitter.com/enClavedeArte ya hemos pedido nuestro deseo delante del Caballero de la Estrella, se lo hemos pedido a las Carboneras.

+ info sobre Belenes

http://www.esmadrid.com/navidad/madrid/belenes

Pintura española del Siglo XVI. Pintores y obras más representativas. El Greco, Pintor excepcional

2010-12-13T12:34:00.011+01:00

"El soplón" El Greco (1570) Museo Nacional de Capodimonte Nápoles

Detalle de "La Crucifixión" Juan de Flandes h. 1510 Museo Nacional del Prado

Detalle de "Felipe II", obra atribuida a Sofonisba Anguissola Museo Nacional del Prado

Portada novela de Carmen Boullosa, detalle del Autorretrato de Sofonisba Anguissola (1554) Museo Histórico de Viena.

Las tres escuelas más importantes son Aragón – Valencia, Castilla y Andalucía.

Primer tercio del siglo XVI:

- A Valencia llega, a fines del siglo XV, la influencia del Quattrocento italiano, por su proximidad y la presencia de pintores italianos. Fernando Yañez de la Almedina (+ h. 1536) el estilo de Leonardo, su obra más significativa “Santa Catalina de Alejandría”.

Museo Nacional del Prado, h. 1510. Nuevas Salas de Pintura del Prado.
- En Castilla la obra de Pedro de Berruguete (+ 1503) refleja la doble influencia flamenca (detallismo, realismo) e italiana (preocupación por la luz) tras su estancia en Urbino, realiza el Retablo de Santo Tomás, de Ávila.

- En Palencia, destaca Juan de Flandes (+1519), activo en Castilla entre 1509 – 1518, al servicio de la Reina Católica, realizó su obra maestra en el Retablo Mayor de la Catedral de Palencia. A partir de 2005 el Museo Nacional del Prado incorpora a su colección adquirida por dación la Crucifixión de Juan de Flandes.

- En Andalucía Alejo Fernández (+ h. 1545), autor de la conocida Virgen de los Navegantes Sevilla, Archivo de Indias.

Segundo tercio del siglo XVI:
- En Valencia el estilo sentimental de Juan de Juanes o Vicente Macip (+ 1579) funde el sfumato de Leonardo con el color y dulzura de Rafael. La Última Cena es su gran obra.
- En Toledo, nacido en Mascaraque destaca el pintor de retablos Juan Correa de Vivar (+1556), pintor de figuras elegantes, destaca por el Retablo de Estación – Retablo de la Anunciación del Prado, procedente del Monasterio de los Jerónimos de Guisando (Ávila),

- En Andalucía Pedro Machuca (+ 1550), arquitecto, formado en la Italia de León X,

podemos apreciar su conocido Descendimiento del Prado, con luz nocturna, es claramente una interesante obra manierista.
- En Extremadura Luis de Morales (1510-1586), "el Divino", pintor de temas piadosos, misticismo, Virgen con el Niño del Museo del Prado, la Piedad, Virgen de la Quinta Angustia, obras de este pintor muy valoradas en la Pintura de los Reinos, Nueva España. http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/pintura-de-los-reinos/

Finales del siglo XVI:
- Al servicio de monarca Felipe II, gran conocedor y admirador del arte italiano, trabajan numerosos artistas para decorar el Monasterio de El Escorial. Son los pintores italianos, Tibaldi, y Zúccaro, Retablo Mayor de la Basílica de El Escorial. El español Juan Fernando Navarrete el Mudo (1526-1579) presenta su obra “El Bautismo”, en 1567, obra hoy expuesta en el Prado, es el autor de los retablos capillas de la Real Basílica del monasterio.
- En Madrid el más importante de los retratistas de corte al servicio de Felipe II es Alonso Sánchez Coello (1531- 1588). Combina el virtuosismo flamenco de su maestro Antonio Moro con la riqueza decorativa de los venecianos y el interés psicológico por los retratados, El príncipe Don Carlos, Isabel Clara Eugenia, en el Prado. Su discípulo Juan Pantoja de la Cruz (1553-1608) es muy detallista en vestidos y joyas (Margarita de Austria, Prado).

Por último, una pintora muy revalorizada en la actualidad, la italiana Sofonisba Anguissola, nacida en Cremona en 1532, vivió 93 años, un total de 50 cuadros han sido identificados hoy como obra de esta pintora, dama de la corte y profesora de dibujo de la reina doña Isabel de Velaois. Muy recomendable y amena la novela La virgen y el violín, de Carmen Boullosa, Editorial Siruela, Madrid, 2008.

Doménikos Theotokopoulos "El Greco" (1541-1614) firma como el GRIEGO Δομήνικος Θεοτοκόπουλος

El pintor más importante del siglo XVI en España, funde en su pintura dos corrrientes, la maniera greco bizantina, formación que adquiere en Candía como pintor de iconos bizantinos, y la italiana, en Venecia aprendió el empleo de la gamas frías, los colores cálidos tan característicos de su pintura, como los carmines, rosas, naranjas, rojo "Expolio", en su viaje a Roma a partir de 1567, tiempo de estudio y preparación de la maniera italiana, del manierismo.

Visto por un contemporáneo, el padre fray José de Sigüenza en 1600 en El Escorial , habló así de él "De un Dominico El Greco, que ahora vive y hace cosas excelentes enToledo, quedó aquí en el Escorial un cuadro llamado San Maurizio y sus soldados, que lo hizo para el altar de todos los santos..." Segunda parte de la Historia de la orden de San Jerónimo, Madrid 1600. Maravillosa aportación "De la Singularidad del Greco vista por un contemporáneo".

Peculiaridades y excentricidades de El Greco

Hombre de buena educación, espíritu inquieto, pintor de altas aspiraciones, tanto sociales como profesionales, casó con una dama de origen morisco, Doña Jerónima de las Cuevas, viviron en un palacio gótico mudéjar en el antiguo Toledo, perteneciente al Marqués de Villena, místico astigmático herético dogmático, vivió siempre por encima de sus posibilidades, es así como le vieron sus contemporáneos, así nos lo cuenta el pintor Vicente Carducho, que dijo de él en sus célebres tratado Diálogos de la pintura: " Era extraordinario en todo, y tan extravagante en sus pinturas como en sus costumbres".

El tratadista Jusupe Martínez, en sus Discursos sobre el nobilísimo arte de la Pintura, decía de El Greco... "Ganó muchos ducados, pero los despilfarró en una vida ostentosa, muchos criados y músicos asalariados mientras comía...."

La muerte de Navarrete el mudo provocó la demanda de pintores en El Escorial, Felipe II eligió sin éxito a El Greco para pintar San Maurizio y la Legión Tebana, lamentablemente la obra fue rechazada por no ajustarse a los planteamientos clasicistas que demanda el rey.

No contento con su repentina marcha del Monasterio, del amparo de su majestad el rey Felipe II, El Greco fue un pintor reincidente, reincidente en usos y costumbres en el respetable arte de la pintura. Cerró el camino en la Corte, fija su residencia definitiva en Toledo, y cayó de nuevo en la tentación de su fuerza creadora.

En 1579, recibe el encargo del Cabildo de la Catedral de Toledo, para realizar su célebre Expolio, hoy en la Sacristía de la Catedral de Toledo. El Greco no escuchó las ideas trentistas del deán de Toledo, El Greco se inspiró en el Texto de las Meditaciones de San Buenaventura, por eso pintó a la Virgen María, a María Cleofás y María Magdalena. De nuevo demasiado moderno, de nuevo reincidente sin causa, nadie se fijó en el rojo intenso Expolio, nadie se fijó en el reflejo del rojo de la túnica de Cristo en la armadura del caballero, demasiado intelectual.

El 14 de septiembre de 1579, llegó el primer pleito, entregó el cuadro El Expolio, y reclamó el pago, como el deán de Toledo le entregó 400 reales a cuenta, le reclamaron 172, se declaró extranjero sin bienes, insolvente e insolente, pero ducho en el manejo de los pinceles, cromatismo veneciano, habilidad pasmosa en la creación y brillo del acero toledano, encajó perfectamente entre los hidalgos toledanos.

Los caballeros toledanos, la hidalguía culta de la ciudad, atraída por el enfoque intelectual de su pintura, le hace numerosos encargos. Goza de gran popularidad y puede desarrollar libremente su pensamiento y estética. En 1586, pinta su obra maestra El entierro del Conde de Orgaz, para la Iglesia de Santo Tomé en Toledo.

Principales rasgos y características de su pintura:

El estilo del Greco es muy personal e intelectual, El Greco es un pintor manierista de naturaleza anticlásica

1.- El Greco se convierte en un manierista radical, por sus composiciones y escorzos, por lo subjetivo de sus visiones, por la absoluta libertad compositiva.

2.- Ausencia de perspectivas clásicas. Isocefalia , simbolismo e iconografía bizantinas.

3.- Ruptura con la escuela tradicional academicista del dibujo, aplica el color en pinceladas anchas y libres, con retoques. Colores brillantes, irisados, cálidos (amarillo, carmesí, morado) que irán evolucionando hacia una gama fría (verdes, azules, grises), pero muy expresiva.

4.- Luces artificiales y fuertes contrastes lumínicos.

5.- Representa varias escenas en un mismo cuadro, con varios centros de atención (diopsia); suele haber dos sectores: el terrenal y el espiritual.- Sacrifica anatomía y proporciones en beneficio de expresividad. Figuras alargadas, estilizadas, "serpentinatas", ondulantes como llamas. Escorzos atrevidos.

6.- Misticismo ortodoxo y expresionismo dramático.

7.- Sus temas predilectos son:

a) Religiosos, siguiendo las ideas de la Contrarreforma, como los citados y el Bautismo de Cristo, La Resurrección, Adoración de los Pastores. Santos místicos, San Andrés y San Francisco.

En el Museo del Prado, destaca una de sus obras maestras, el políptico o Retablo del Colegio de la Encarnación, realizado entre 1596 y 1599 para Doña María de Aragón (dama de la reina Doña Ana de Austria, hija del caballerizo Mayor don Álvaro de Córdoba).

b) Retratos: Demuestra ser un gran retratista, supo resaltar las cualidades espirituales del personaje a través de gestos, manos y mirada. Caballero de la mano en el pecho, h. 1580 Museo Nacional del Prado.

c) Paisajes: De su etapa final, muy subjetivos, con figuras deformadas en colores gris plata y rojo llameante: Vista de Toledo, Laocoonte y sus hijos.

Hoy en día tenemos la oportunidad de contemplar su Visión personal de Toledo, en una instalación temporal en la sala 9, del Edificio Villanueva hasta el 27 de Febrero de 2011.

http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/instalacion-temporal-vista-y-plano-de-toledo-de-el-greco/

Alejandro Magno. Encuentro con Oriente

2010-12-06T16:00:00.007+01:00

ALEJANDRO MAGNO. ENCUENTRO CON ORIENTE

Exposición 3 Diciembre - 3 Mayo 2011 Centro de Arte Canal Madrid.

Alejandro Magno (356 - 323 a.C.), personaje histórico que mayor admiración ha despertado a lo largo de la historia, ocupará el Centro de Arte Canal en una muestra que recupera su figura para el gran público. Más de 300 piezas históricas, vídeos y otros recursos museísticos componen esta exposición sobre el macedonio.

Entre las piezas destacadas de la Exposición del Canal de Isabel II, se encuentran retratos de Alejandro, conservados en copias romanas o en magníficas monedas, como el espléndido medallón de oro del Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa; piezas de Pella, ciudad donde estaba el palacio real de Macedonia; o relieves en ladrillos esmaltados de Babilonia, procedentes del Museo de Berlín, nunca hasta ahora vistos en España.
La exposición, realizada en cooperación con la Fundación Curt - Engelhorn para los Museos Reiss - Engelhorn y el Instituto Arqueológico Alemán, Departamento Eurasia, cuenta con más de 330 piezas espectaculares provenientes de 40 museos como los de Atenas, Basilea, Berlín, Bruselas, Dresde, Copenhague, Lisboa, Londres, Moscú, Munich, Nápoles, París, Roma, Sofía, Tesalónica, Stuttgart y Viena, entre otros.

También se han incorporado los últimos hallazgos de las más recónditas regiones de Asia, como los objetos del Museo Nacional de Tayikistán e, incluso, de zonas en situación tan delicada como las cedidas por el Museo Nacional de Kabul, en Afganistán, lo que da idea de la proyección de este gran proyecto del Canal de Isabel II.
La muestra original ha sido enriquecida con la incorporación de piezas procedentes de Grecia y con la colaboración prestigiosas instituciones culturales de España como el Museo del Prado, el Museo Arqueológico Nacional, el Museo Arqueológico de Sevilla, la Real Academia de la Historia o la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
Todos estos tesoros se van a exponer junto a un conjunto de esculturas, bronces, armas de su ejército, monedas de los distintos países, cerámicas, etc.

Objetos que permiten ofrecer al visitante de Arte Canal esta historia de diversas culturas en un solo recorrido, un paseo… un viaje en el tiempo por recónditos lugares del planeta.El Canal de Isabel II ha construido un pequeño cine en la explanada de Arte Canal, con 140 butacas que, exteriormente, se asemeja a las murallas de Babilonia que Alejandro Magno cruzó con su ejército. En él se proyectará la película en tres dimensiones. Con ello se pretende contextualizar y reseñar la importancia de Alejandro Magno y que el visitante se adentre en la historia.

Talleres gratuitos para niños
Desde el 3 de diciembre y hasta el 3 de mayo, el Centro de Exposiciones Arte Canal acogerá esta muestra de carácter internacional en la que, además, se han organizado varias actividades y talleres para niños. El horario será de lunes a domingo de 10:00 a 21:00 horas, todos los días, salvo el 24 y 31 de diciembre, que abrirá hasta las 15:00 horas. Y los días 25 de diciembre y 6 de enero, que permanecerá cerrada al público.
Los visitantes podrán disfrutar de la exposición conjuntamente o por separado tanto de la proyección audiovisual como de la exposición. Así, en el primero de los casos, el precio será de 6 euros para adultos y 4 para mayores de 65 años, estudiantes y familias numerosas, mientras que en el segundo será de 3 euros para adultos y 2 para el resto. Los menores de 6 años, desempleados acreditados y minusválidos tendrán acceso gratuito y los grupos de estudiantes pagarán un euro por entrada.

Biblioteca Artis. Tesoros de la Biblioteca del Prado

2010-11-21T21:31:00.005+01:00

Albrecht Dürer (1471-1528). h. 1532 primera edición latina de "Instrucción para la medida"

La exposición Bibliotheca Artis: Tesoros de la biblioteca del Museo del Prado, exhibe por primera vez al público las piezas más sobresalientes de sus magníficos fondos.
Hasta el 30 de enero de 2011, la muestra incluye 40 libros y manuscritos fechados entre 1500 y 1750, así como un conjunto de ocho cuadros del Museo (Tiziano, El Greco, Velázquez, etc.) que revelarán diversas correspondencias entre el fondo bibliográfico y la colección de pinturas.
Instalada en la actualidad en el Casón del Buen Retiro, esta biblioteca guarda un importante fondo antiguo, incrementado notablemente en los últimos años gracias a la adquisición de varias bibliotecas privadas. Esta continua ampliación de sus fondos culminó con la apertura en marzo de 2009 de su nueva sede en el Casón del Buen Retiro. Su sala de lectura (antiguo Salón de Embajadores del Palacio del Buen Retiro) se sitúa bajo la bóveda en la que el artista napolitano Luca Giordano (1634-1705) representó la Apoteosis de la Monarquía Española y donde se exhiben otras obras suyas.
Tres apartados
La exposición se articulará en tres apartados. El primero, Bibliotheca artis, muestra los hitos básicos de la bibliografía artística europea desde los tratados más importantes del Renacimiento (Alberti, Leonardo, Durero) hasta las obras fundamentales del Siglo de Oro español (Pacheco, Carducho, García Hidalgo, Palomino).
El segundo, Bibliotheca architecturae, se dedica a los tratados de arquitectura concebidos como una tipología definida dentro del libro de arte y reúne desde ediciones tempranas de Vitruvio hasta los grandes tratados del Renacimiento italiano (Palladio, Serlio, Vignola) y europeo (Delorme, Dieteterlin). Se incluirían, además, algunos libros de fiestas públicas (entradas reales, canonizaciones...) concebidos como insustituible testimonio de arquitecturas efímeras desaparecidas.
Por último, el apartado Bibliotheca imaginis se centra en el papel de los libros como instrumento de trabajo y fuente de inspiración de los artistas. Desde los repertorios de retratos a las cartillas de dibujo, los libros de emblemas barrocos o los álbumes de reproducciones de obras de arte.El conjunto demostrará la importancia de las ilustraciones de los libros en la construcción del imaginario visual europeo de la Edad Moderna.

En los últimos años el Museo ha realizado una importante inversión en la adquisición de nuevos fondos. Las compras más notables corresponden a dos importantes bibliotecas privadas, la de José María Cervelló (Cádiz, 1947), compuesta por unos 10.000 volúmenes, entre los que destaca una extraordinaria colección de tratados antiguos de arte y arquitectura, y la de la familia Daza-Madrazo, formada por unos 1.000 libros procedentes en buena parte de la magnífica biblioteca de José de Madrazo (1781-1859), pintor de Fernando VII y director del Museo del Prado desde 1838 hasta 1851.

Con motivo de la exposición Bibliotheca artis se ha realizado un catálogo, primera publicación sobre los fondos de la Biblioteca del Museo, de 103 páginas, 82 ilustraciones y tres textos introductorios: “El fondo antiguo de la Biblioteca del Museo del Prado: la formación de una colección”, de Javier Docampo, jefe del Área de Biblioteca, Archivo y Documentación del Museo y comisario de la muestra.

El Cielo de Salamanca

2010-11-09T19:02:00.004+01:00

EL CIELO DE SALAMANCA Fernando Gallego (1486) constelaciones y planetas según las enseñanzas del profesor judío Abraham Zacut.

En el Cielo de Salamanca son representadas las constelaciones de los signos del zodiaco de la segunda parte del año solar, Leo, Virgo, Libra, Escorpio y Sagitario.

Las constelaciones de Serpentario, Centauro, Hidra y Hércules y el resto de las representaciones son de estrellas y de los vientos con tez de hombre.

Alrededor de la pintura una inscripción del Libro de los Salmos de la Biblia, en latín: “Cuando contemplo los cielos obra de tus manos, la luna y las estrellas que tú has establecido”.
Bóveda de la Antigua Biblioteca de la Universidad de Salamanca (400 m2 pintura mural)
Con final feliz, fueron recuperadas dos sinopias el 18 de mayo de 2010, sustraídas en 1950, cuando se desmontó la bóveda para ser restaurada. Hoy se exhibe la cubierta completa en el Museo de la Universidad de Salamanca, en la Sala del Patio de Escuelas.

Fernando Gallego (1440 – 1507), fue un pintor castellano nacido en Salamanca, representante de la Escuela Hispano-Flamenca, posiblemente realizó un viaje a Flandes, conociendo allí las enseñanzas de Rogier Van der Weyden, Robert Camping y Johannes Van Eyck. Otra hipótesis apunta la posibilidad de su aprendizaje a través de grabados y estampas antiguas de Flandes.
En el Museo del Prado se pueden apreciar dos de sus grandes obras: La Piedad (h. 1465) y Cristo Bendiciendo (h.1494), en las nuevas salas de Pintura española.

Giovanna Tornabuoni vuelve a la Sala del Quattrocento

2010-10-12T14:44:00.009+02:00

Retrato de Giovanna degli Albizzi Tornabuoni

Domenico GHIRLANDAIO 1489 - 1490. Temple sobre tabla 77 x49 cm

Museo Thyssen - Bornemisza Madrid.

Sobre el dintel de la puerta del taller de Domenico Ghirlandaio rezaba una leyenda "La guía más perfecta es la naturaleza, dibuja algo todos los días".
Ghirlandaio (Florencia, 1449 - 1494) fue el maestro de Miguel Ángel Buonarroti, enseñó al genio toscano todos los secretos de la trastienda de un taller, de un taller del Renacimiento.

Según Vasari, Ghirlandaio, que se había iniciado en las artes como orfebre, «con la costumbre de dibujar continuamente, adquirió gran agilidad, destreza y soltura, que muchos dicen que mientras que era lento como joyero, al retratar a los campesinos o a cualquier persona que pasara por el taller, les sacaba inmediatamente el parecido». Y el crítico italiano remata su comentario al decir que «así lo prueban, en efecto, innumerables retratos suyos donde se advierte una extraordinaria fidelidad».

La imagen de Giovanna degli Albizzi Tornabuoni es una de las más sugestivas y atractivas de la colección del Museo Thyssen-Bornemisza. El retrato, de una gran belleza, se enmarca con un fondo donde se coloca una hornacina con varios objetos alusivos a sus delicados gustos y a su carácter y a su espíritu.

La joya, con un dragón a la que se añaden dos perlas y un rubí, que hace juego con el colgante del cordón de seda que adorna su pecho, constituye una alusión a su vida pública. A este broche se contraponen el libro de oraciones y una sarta de bolas de coral que se ha identificado como un rosario, objetos ambos destinados a resaltar la piedad y la vida interior de la joven.

En la manga de la giornea de Giovanna aparece la inicial del mecenas que encargó la obra, una "L" estilizada bordada a mano, el tema de esta obra es la belleza femenina, es una pintura firme, pero sensible, con un gran esfuerzo en la concentración, en el retrato efigie de Giovanna.

La modelo es retratada por Ghirlandaio en estricto perfil, en reposo, brazos en paralelo con el marco arquitectónico y el marco del cuadro. El brazo vertical paralelo al marco del alfeizar.

Junto a los atributos de Giovanna, aparece en un cartellino, un fragmento que dice: «¡Ojalá pudiera el arte reproducir el carácter y el espíritu! En toda la tierra se encontraría un cuadro más hermoso».

Giovanna, nacida del 18 de diciembre de 1468, era la octava hija de Maso di Luca degli Albizzi y de Caterina Soderini. Recibió el tipo de educación que se consideraba propio de una joven de su categoría social. El acontecimiento más importante de su vida fue su matrimonio con Lorenzo Tornabuoni (1468-1497), heredero de una influyente familia vinculada a los Médicis. La boda se celebró en septiembre de 1486 con una plétora de festejos y durante tres días la hermosa Giovanna tuvo todo el protagonismo. El 11 de octubre de 1487 nació Giovannino, primer hijo de la joven pareja pero, desgraciadamente, Giovanna murió al año siguiente, cuando contaba diecinueve años de edad, de resultas de su segundo embarazo. La enterraron en la iglesia de Santa Maria Novella el 7 de octubre de 1488.Giovanna pervivió para la posteridad gracias a Domenico Ghirlandaio, a quien hacia 1489 le encargaron que realizara un retrato póstumo destinado a ser colocado en un lugar de honor en el Palazzo Tornabuoni.

El retrato de Giovanna ha sido la piedra angular, de un discurso museográfico que descubre los valores del arte del siglo XV. La obra fue el punto de partida de los tres aspectos de la exposición: El retrato del Renacimiento, una espléndida revisión del arte de la medallística, que rivalizó en su tiempo con el arte del retrato, las joyas de Giovanna y las bodas de las grandes familias florentinas y por último, la vida espiritual y devocional en relación con el libro de Horas que aparece en la tabla.

En la última sala de la exposición tuvimos la suerte de disfrutar del estudio técnico de la obra, los investigadores y restauradores de la obra, ofrecieron un análisis de la tabla y de los materiales utilizados, la reflectografía infrarroja reveló la presencia del dibujo bajo el pigmento, información sobre la pincelada y el estado de conservación de la obra.

El domingo 10 del 10 de 2010, erguida, elegante y distinguida regresó Giovanna a sus aposentos, a las Salas de pintura del Arte del Quattrocento.

La exposición"Ghirlandaio y el Renacimiento en Florencia" lamentablemente terminó, pero la tecnología nos permite seguir investigando.

Visita el Microsite Interactivo_ Restauración de Giovanna Tornabuoni, si desean más información, sigan el siguiente enlace:

http://www.museothyssen.org/microsites/ghirlandaio/index.html#/retrato-de-giovanna-tornabuoni

Pasión por Renoir. La colección del Sterling and Francine Clark Art Institute 19 de octubre - 6 de febrero de 2011

2010-10-06T12:14:00.006+02:00

Autorretrato de Renoir

c. 1875

Adquirido en 1939 por Sterling and Francine Clark

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

Uno de los más célebres pintores del Impresionismo, trabajó durante su vida con una absorbente pasión por la pintura que le llevó a alcanzar un gran prestigio y popularidad entre sus contemporáneos. El excelente conjunto de 31 obras del artista, las mejores entre las reunidas por el coleccionista norteamericano Robert Sterling Clark (1877-1956), fundador del Sterling & Francine Clark Art Institute (Williamstown), se mostrará en el Prado, con el patrocinio de la Fundación BBVA, en la que será la primera exposición monográfica dedicada a Renoir en España.

Exposición coorganizada entre el Museo Nacional del Prado y el Sterling and Francine Clark Art Institute (Williamstown, Massachusetts)

Las Aves en el Museo del Prado

2010-10-01T02:12:00.002+02:00

2010-09-28T08:56:00.002+02:00

Carare reúne a agencias de patrimonio, museos arqueológicos e instituciones de investigación especializadas en archivos digitales de toda Europa para establecer un servicio de los contenidos digitales de monumentos arqueológicos únicos de Europa y sitios históricos en conexión con Europeana. Su objetivo es agregar el contenido 3D y Realidad Virtual a Europeana.

Puedes encontrar más información sobre Carare en su web y en el blog sobre formación 3D.

ArteMadrid abre sus puertas con 46 Galerías

2010-09-16T15:08:00.005+02:00

46 galerías de arte de Madrid abrirán hoy sus puertas hasta la noche para celebrar la inauguración de la nueva temporada artística de ArteMadrid, una iniciativa que se mantendrá hasta el próximo sábado 19 de Septiembre.

El programa se iniciará hoy con la apertura, hasta las 22.00 horas, de las 46 galerías integrantes de ArteMadrid, y el viernes los actos se trasladarán hasta el Museo Reina Sofía, donde tendrá lugar una mesa redonda sobre coleccionismo en la que participarán Harald Falckengerg , Luis Augusto Teixeira y Alfonso Pons.

El objetivo de ArteMadrid es, según la organización, reivindicar su "aportación" al mundo del arte y al coleccionismo y, sobre todo, mostrar las "múltiples posibilidades" de la creación artística.

En la programación del inicio de temporada no faltan los grandes nombres. Sol Lewitt abrirá el curso en Juana de Aiz-puru con Wall Drawings, la pintura de Juan Navarro Baldeweg colgará de las paredes de la galería Marlborough, mientras Jordi Teixidor, uno de los grandes de la abstracción española, mostrará su nueva obra en Nieves Fernández. Helga de Alvear cuenta con la portuguesa Helena Almeida, mientras Elvira González ha pensado en su clientela de amantes del minimalismo y posminimalismo y ha elegido al artista coreano-japonés Lee Ufan. Guillermo de Osma aportará vientos del siglo XX con el surrealista Victor Brauner.

El evento, que se celebra por quinto año consecutivo conjuntamente con Art Barcelona, se consolida así como un escaparate del arte de ayer y hoy, con especial protagonismo de las últimas tendencias y abierto a todos los públicos.

+ Info programa y plano de situación en http://www.artemadrid.com/

2010-09-08T18:58:00.003+02:00

Este próximo sábado llega otra noche mágica para pasarla "en blanco".Son "21 actividades para transformar la ciudad bajo la dirección de Basurama y con el lema ¡Hagan juego! como punto de partida". En esta quinta edición “El artista no es el protagonista. El protagonista es el público” por lo que se ha buscado a "el madrileño del año".

También se está reciclando para regalar la alfombra azul de la Gran Vía, con motivo de su centenario.

Y se han buscado infiltrados para acciones secretas, dirigidos por el colectivo colombiano Producciones Invisibles.

Los objetivos comunes de todas las ciudades que organizan Noches Blancasen Europa son: gratuidad, vanguardia, ciudadanía y sostenibilidad.

¿Te lo vas a perder?

Arte y Movilidad Sostenible

2010-09-02T07:59:00.062+02:00

Hoy podemos leer que Ars Electronica busca el arte sostenible.

Arte Sostenible es tambiénuna asociación sin ánimo de lucro creada en 2008 por un colectivo de profesionales del ámbito del arte y la cultura concienciados con la degradación ambiental y social de nuestro entorno. Proyectos que reflejan en su web durante 2010.

El próximo 11 de septiembre se reciclará y regalará la alfombra de la Gran Vía durante La Noche en Blanco.

En Madrid, se han celebrado otras iniciativas sobre la biodiversidad en el Arte, en la cual se ha propuesto "pasear el arte en procesión", utilizando también bicicletas. No olvidemos que este es el año internacional de la diversidad biológica.

Y es que si proponemos a la par un arte y una movilidad sostenible, encontraremos unos vehículos en unas calles mas coloridas e imaginativas. Sin duda, en un futuro, el asfalto será reciclado y se teñirá de "verde".

Camper bike by Kevin Cyr

Noche de Museos en México

2010-08-15T13:43:00.000+02:00

El próximo 25 de agosto se celebra una nueva edición de la Noche de Museos en México, con más de veinte recintos abiertos de 19:00 a 22:00 hrs. Si estás en México D.F. no te lo puedes perder.

Paralelamente el bar del Centro Cultural de España, el Restaurante el Mayor, el Restaurante Chesterton y la cafetería del Museo Mexicano del Diseño abrirán sus puertas ofreciendo sus servicios al público usuario.

Más información en el blog http://nochedemuseos.blogspot.com/

Arte electrónico y digital

2010-07-28T19:11:00.000+02:00

Ayer mismo se publicaba la noticia sobre el primer concurso de Propuesta de Innovación: ¿Qué podríamos hacer con un ordenador que no se haya hecho ya? del Grado en Arte electrónico y Digital de la Universidad Europea de Madrid. Puedes presentar tus ideas hasta el 3 de septiembre. Éste grado es el primero aprobado en España y sigue los criterios de Bolonia.

Hace una semana, también se inauguró en Carabanchel la primera biblioteca pública que presta libros electrónicos. El nuevo centro facilita el acceso a la cultura, al ocio, a la información y la formación permanente para cualquier persona con algún tipo de discapacidad.

Como hace poco me comentaba un amigo "están cambiando muchas cosas últimamente" y no dudé en recordar todo lo que está por venir ante la aplicación de tecnologías innovadoras en nuestras vidas.

Histórico de Visitas y Exposiciones del Curso 2009 - 2010 enClave de Arte

2010-06-10T12:07:00.005+02:00

En enClave de Arte

Ofrecemos un programa de actividades organizadas, visitas a los principales museos de Madrid y a las exposiciones temporales, informamos puntualmente de los eventos más destacados de interés artístico y cultural que se celebran regularmente en Madrid.

Durante el presente Curso 2009 - 2010, hemos visitado con nuestros alumnos de los Cursos de Historia del Arte, las siguientes exposiciones.

OCTUBRE 2009: Obras Maestras de La Colección Thyssen-Bornemisza. Paisaje norteamericano del Siglo XIX. Museo Thyssen-Bornemisza. Entrada en el blog: http://enclavedearteblog.blogspot.com/2009/10/obras-maestras-de-la-coleccion-carmen.html
http://enclavedearteblog.blogspot.com/2009/11/paisaje-norteamericano-del-siglo-xix.html

NOVIEMBRE 2009: Juan Bautista Maíno en el Museo Nacional del Prado. Entrada en el blog: http://bit.ly/aU9J4K

DICIEMBRE 2009: Letras con Solera. Historia, diseño y tecnología Imprenta Real. Fuentes de la tipografía española. Sala de Exposiciones de Calcografía Nacional de la Real Academia Española. http://enclavedearteblog.blogspot.com/2009/12/letras-con-solera-en-calcografia.html

Lágrimas de Eros finales de diciembre. Exposición temporal en el Museo Thyssen y en la Fundación Caja Madrid Sala de las Alhajas, Plaza de San Martín. http://enclavedearteblog.blogspot.com/2009/11/lagrimas-de-eros.html

ENERO 2010: La Pax Hispánica y La Tregua de Los Doce Años (1609-1621) en la Fundación Carlos de Amberes. http://enclavedearteblog.blogspot.com/2010_01_01_archive.html

FEBRERO 2010: Holandeses en el Prado. Museo Nacional del Prado. Enlace en el blog: http://enclavedearteblog.blogspot.com/2010/03/holandeses-en-el-prado-catalogo.html

MARZO 2010: Tesoros de las Culturas del Mundo. Centro de Exposiciones Arte Canal en Madrid. http://enclavedearteblog.blogspot.com/2010/03/tesoros-de-las-culturas-del-mundo.html

ABRIL 2010: El Arte del poder. La Real Armería y el Retrato de Corte en las salas A y B de la ampliación del Museo del Museo Nacional del Prado. http://enclavedearteblog.blogspot.com/2010_04_01_archive.html

MAYO 2010: Monet y la Abstracción. Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid. http://enclavedearteblog.blogspot.com/2010/05/monet-y-la-abstraccion-en-fundacion.html

JUNIO 2010: Curso de Pintura del Renacimiento en el Museo Nacional del Prado.
8 de Junio: Rafael de Sanzio y Pintores Manieristas del Siglo XVI.
15 de Junio: Pintura Veneciana del XVI, Tiziano, Tintoretto y Veronés. Visita a la exposición
Los amores de Mercurio y Herse. Una tapicería rica de Willem
Pannemaker. Museo Nacional de Prado. http://enclavedearteblog.blogspot.com/2010/06/los-amores-de-mercurio-y-herse-una.html

22 de Junio: Fin de Curso en el Real Sitio de San Lorenzo de El Escorial. http://www.patrimonionacional.es/Home/Palacios-Reales/Real-Sitio-de-San-Lorenzo-del-Escorial.aspx

Agradecemos a tod@s nuestros alumnos, la participación en nuestros Cursos y Visitas. Gracias por vuestro entusiasmo y entrega, gracias a todos por elegir este proyecto que nos llena de vida, y de ilusión, el próximo curso será aún mejor.

Síguenos en http://twitter.com/enClavedeArte Hasta pronto

Los amores de Mercurio y Herse. Una Tapicería rica de Willem de Pannemaker

2010-06-10T10:36:00.007+02:00

El Museo Nacional del Prado, expone por primera vez la historia de "Los amores de Mercurio y Herse. Una tapicería rica de Willem de Pannemaker", que podrá visitarse desde el 1 de junio hasta el 26 de septiembre, es la primera de este tipo que organiza el museo madrileño, y reúne una colección de ocho grandes tapices mitológicos realizada a principios del siglo XVI y que llevaba dispersa desde principios del siglo XX.

"Cuando estudiamos los inventarios de la época comprobamos que (los tapices) eran las piezas más valiosas de toda la colección artística, con excepción de alguna joya. Eran la manera de representar el poder, el ornato", explicó el lunes durante la presentación de la exposición Leticia Azcue, jefa de Conservación de Escultura y Artes Decorativas del Prado.

Los tapices reunidos en esta exposición transcriben en hilos de oro y seda los versos de Ovidio sobre los amores del dios Mercurio, hijo y mensajero de Júpiter, con Herse, hija del rey de Ática.
Azcue subrayó lo "costosísimo" que era realizar una serie como la expuesta ahora en Madrid, al ser necesaria la participación de un gran pintor para realizar el boceto, pasarlo posteriormente a cartones en tamaño natural, y contratar a unos ocho tejedores o "liceros" que trasladaran el dibujo a la urdimbre.
En completarse el trabajo, de unos 200 m2 en total, podrían tardarse aproximadamente 4 años, según los cálculos realizados por los responsables de la exposición.
Todo eso sin contar los materiales necesarios para realizarlos, en este caso lana, seda teñida con colorantes naturales y sobre todo hilo metálico de plata dorada, del que se utilizaron unos 160 kilos para este trabajo, que perteneció originalmente al Duque de Lerma, valido de Felipe III.
El Prado tenía desde hace décadas dos de los tapices de la serie, y después de año y medio de preparación, ha conseguido reunirlos todos gracias al préstamo realizado por los actuales propietarios del resto de las obras: la Casa de Alba; la Fundación Casa Ducal de Medinaceli; la duquesa de Cardona y el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.
Pannemaker, activo desde 1535 hasta 1581, está considerado el gran tapicero del Renacimiento flamenco y proveedor de cortes como la de Carlos I y Felipe II.

Juan de la Cerda, IV Duque de Medinaceli y Gobernador de los Países Bajos entre 1571 y 1573, adquirió una serie de ocho tapices de grandes dimensiones inspirados en el episodio de los amores del dios Mercurio, hijo y mensajero de Júpiter, con Herse, hija del rey del Ática, tejidos por el célebre tapicero bruselés Willem de Pannemaker siguiendo grabados de Gian Jacopo Caraglio. La historia de los amores de Mercurio y Herse es una de las doscientas cuarenta y seis recogidas en el vasto poema dividido en quince libros que conocemos como la

"Metamorfosis de Ovidio".

Representada en ocho escenas, enmarcadas por esplendorosas cenefas, la venida de Mercurio a la tierra, su encuentro con las hijas de Cécrope, la seducción de Herse y la metamorfosis de Aglauro, como castigo por sus celos y envidia.

1. Mercurio enamorado de Herse.

2. Paseo de Mercurio y Herse.
3. Mercurio detenido por Aglauro.

4. Cécrope da la bienvenida a Mercurio.

5. Aglauro corrompida por la envidia.

6. Baile en el palacio de Cécrope.

7. Cámara nupcial de Herse.

8. Metamorfosis de Aglauro y partida de Mercurio.

Esta es la única tapicería tejida con hilos metálicos. Pannemaker incorporó abundantes hilos de plata dorada, para realzar el relieve y el esplendor de los ocho tapices. El alto coste que alcanzó el conjunto permite calificarlo como auténtica joya, en su doble condición de obra de arte y alhaja, símbolo de poder y riqueza.

Leonardo Da Vinci (1452 - 1519) Etapas, Ciencia y Principales obras de Arte

2010-05-17T22:03:00.004+02:00

•1ª etapa: 1469 -Florencia, Formación en el taller de Verrochio.
- El Bautismo de Cristo h. 1475. Galería Uffizi, Florencia.
- La Anunciación h. 1472 – 75. Galería Uffizi, Florencia.
- Madona Benois h. 1479. Museo del Ermitage, San Petersburgo.
- Ginebra de Vinci h. 1474-76. Galería Nacional de Arte (Washington)
- La Virgen del Clavel h. 1475- 79. Alte Pinakothek, München.

•2ª etapa: 1482 -1500 Milán, corte de Ludovico Sforza.
- Envía carta que se conserva en el Códice Atlántico: transcurso de la productiva vida de Leonardo, desde 1478 hasta 1518.
- 1490 Tratado de Pintura.
- Trabajos de ingeniería militar y civil.
- Tratado de anatomía, geometría y física.
- San Jerónimo h. 1480. Museos Vaticanos
- La Adoración de los Magos h. 1471. Uffizi Florencia.
- La Dama del Armiño h. 1490. Museo Czartoryski en Cracovia.
- La Virgen de las Rocas h. 1484. 4 versiones (National Gallery, Louvre, Iglesia de Affori en Milán y Pinacoteca de Milán).
- El Hombre de Vitruvio h. 1487. Galería de la Academia de Venecia.
- Retrato de una dama “La Bella Ferroniere” h. 1494. Louvre.
- La Última Cena h. 1495- 97. Convento Sta. Mª Gracias. Milán.

•3ª etapa: 1499-1504 Peregrinaje: Venecia, Florencia.
- Venecia: 1499 – 1500 nombrado ingeniero militar junto a César Borgia.
- Florencia: Santa Ana, la Virgen y el Niño hacia 1500. Louvre y la
Batalla de Anghiari 1503, fresco no conservado, Palacio Vecchio (Florencia)

•4ª etapa: 1504 – 1515 Milán, Roma - Florencia.
- La Gioconda hacia 1503- 1506. Museo Louvre.
- Códice sobre el vuelo de los pájaros en Florencia, 1505 Turín.
- En Roma, Serie de los Diluvios en respuesta al Diluvio de la Bóveda de Miguel Ángel, hacia 1513.
- Declive de su producción artística y aumento de su producción científica: Flujo sanguíneo, crisis cardiaca, feto en el vientre, embriones.

•5ª etapa: 1515 – últimos años en Francia, rey Francisco I.
El 19 de diciembre, estuvo presente en la reunión entre Francisco I y el papa León X que se celebró en Bolonia. Francisco I le encargó a Leonardo un león mecánico que pudiera andar y con el detalle de que el pecho se abriera para mostrar la flor de lis. Fue alojado en el castillo de Clos-Lucé, en Amboise. Leonardo fue el «primer pintor, primer ingeniero y primer arquitecto del rey»

Murió el 2 de mayo de 1519, en Palacio de Clos-Luce en Amboise. ¿Qué más se puede decir? Su genio divino y su mano divina le merecieron expirar sobre el pecho de un rey.

Giorgio Vasari, 1550 “Las Vidas”.

“Monet y la Abstracción” en Fundación Caja Madrid y en el Museo Thyssen

2010-05-14T12:19:00.002+02:00

Hasta el 30 de Mayo, El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid presentan esta exposición que supone un recorrido por la obra del gran pintor impresionista francés, planteado desde una perspectiva diferente y hasta ahora nunca vista en el contexto de una exposición temporal de esta envergadura: la de su relación con el desarrollo de la abstracción en la segunda mitad del siglo XX.

Desde sus etéreos paisajes londinenses hasta las monumentales representaciones de su jardín de Giverny, donde pasó los últimos cuarenta años de su vida, la muestra analiza cómo la permanente obsesión de Claude Monet por captar la instantaneidad le llevó a desdibujar la representación pictórica y le condujo prácticamente a las puertas de la abstracción; y cómo, a mediados del siglo pasado, la joven generación de pintores abstractos americanos y europeos redescubre su arte y lo sitúa definitivamente en el lugar fundamental que hoy en día ocupa en la historia del arte.
Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning, Sam Francis, Joan Mitchell, Adolph Gottlieb, André Masson, Philip Guston o Gerhard Richter, entre otros, fueron algunos de estos jóvenes artistas que volvieron la vista hacia Monet. Su obra podrá contemplarse ahora, a lo largo de todo el recorrido de la exposición, en un interesante diálogo con la del maestro impresionista.

En total, más de un centenar de obras se han logrado reunir para este nuevo proyecto conjunto del Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, que ha contado también en esta ocasión con la imprescindible colaboración del Musée Marmottan Monet de París, donde se presentará la muestra en el verano de 2010, tras su paso por Madrid. El museo parisino ha cedido para la ocasión una magnífica selección del importante legado del pintor francés que conserva en sus fondos. Destacan igualmente los préstamos de numerosos museos y colecciones particulares de todo el mundo, principalmente de Europa y Estados Unidos.
El redescubrimiento de un maestro Monet fue sin duda el más representativo y prolífico de los impresionistas franceses, pero fue también el más independiente e innovador. La obsesión por captar la instantaneidad, su preocupación por cuestiones como la percepción de la naturaleza, o la necesidad de expresar su experiencia personal por medios meramente pictóricos, llevaron a Monet a desdibujar la representación pictórica convirtiéndola en una atmósfera prácticamente abstracta. Su muerte, en diciembre de 1926, pasó prácticamente desapercibida en el ambiente artístico contemporáneo; sus Grandes Decorations de la serie Nenúfares, donadas al Estado francés por el propio pintor en 1918 e inauguradas en 1927, un año después de su fallecimiento, permanecieron durante décadas olvidadas en el Musée de l’Orangerie de París.

En la primera sede, en el Museo Thyssen, podemos ver los apartados de Brumas y Variaciones, Efectos de luz, Reflejos y transparencias, Contrastes de formas, Pincelada y gestos. En la Sala de las Alhajas de Caja Madrid, El Jardín de Giverny y la Estela de Monet.

Todos los apartados de la exposición, evocan poética y abstracción, una oportunidad irrepetible para acercarnos un poquito más a este gran maestro.

El Arte del Poder. La Real Armería y el Retrato de Corte

2010-04-30T19:32:00.010+02:00

Armadura del Siglo XVI

Hasta el 23 de Mayo se podrá visitar en el Museo del Prado la exposición “El arte del poder. La Real Armería y el retrato de corte” en las salas A y B de la ampliación del Museo, por primera vez se reunirá piezas de la Real Armería junto a los retratos de corte que posee el Museo del Prado. La muestra permaneció expuesta en la National Gallery of Art of Washington desde el 28 junio a 29 noviembre 2009. El Prado pone en escena las piezas de la Real Armería de Madrid cotejando las obras con los retratos de corte entre los siglos XVI y XVIII.
Considerada como una de las más importantes del mundo en su género, la alta calidad de sus fondos, procedentes de los mejores talleres del renacimiento alemán, italiano y flamenco, se explica por el dominio territorial de la corona española durante el siglo XVI e inicios del XVII sobre una parte importante del territorio europeo. La colección fue una decisión del rey de España Felipe II -continuada por sus sucesores-, a partir de la armería de su padre, Carlos V y de las de sus antepasados.
Dentro del mundo ideológico de la Edad Media y del Renacimiento, las armas adquieren pronto un carácter simbólico, que refleja todo un sistema de normas y actitudes del poder militar de la nobleza y del mundo caballeresco de la época, así como la mentalidad y las principales actividades de la vida cortesana europea entre los siglos XV y XIX.

En el Renacimiento y Barroco, los caballeros europeos gustaban ser representados con armadura, como forma de identificación con unos ideales y costumbres que los diferenciaban del resto. Algunas de ellas, como las de parada o las que utilizaban para las justas y los torneos tenían una decoración característica, y reflejaban la moda del momento.
Hasta principios del siglo XVII, las armaduras que aparecen en los retratos pertenecían a miembros de la casa real y estaban relacionadas con acontecimientos de su vida, tanto públicos como privados. A partir del XVII, el abanico se amplía, otros personajes entran en escena y las armaduras sirven para representar otros temas, entre los que se encuentran los de orden mitológico o histórico. Tiziano, Rubens, Velázquez, Van Dyck, Sánchez Coello, Pantoja de la Cruz o Gaspar de Crayer, entre otros, son los pintores que llevan a cabo los retratos de la época.
La exposición busca la confrontación directa entre los fondos de la Real Armería, con los retratos y otros cuadros de diversa temática en los que aparecen representados. Comienza con una introducción a la historia de la Real Armería; para seguir con los antecedentes de la aparición en España del retrato de corte en armadura y los cambios que supuso la llegada a España de los Habsburgo, sobre todo en lo referente a las usos caballerescos. Seguidamente, se presentan diversos fondos de la Real Armería junto con algunos tapices, que muestran al público la importancia simbólica de las armas de lujo, transmitiendo la imagen del poder que se encuentra en la propia razón de ser de estas armaduras. Es cuando este tipo de retrato se consolida y difunde. En el siglo XVII continúan los modelos y se producen cambios a partir del segundo cuarto de siglo. Termina la muestra con el análisis del término del influjo, a finales del siglo XVIII, de la Real Armería sobre este género pictórico y su desaparición.

Álvaro Soler del Campo, conservador jefe de la Real Armería , ha querido dar un enfoque absolutamente moderno a la exposición. Para él esta selección de trajes de guerra, es una colección de alta costura a la que sólo tenían acceso los más poderosos.
Su evolución fue paralela al retrato de Corte y los mandatarios pasaron a la posteridad con unas armaduras en las que junto al bronce, la madera o el cuero, no se ahorraba en metales preciosos. Los motivos decorativos eran acordes a la pompa de los grandes de la corte y se inspiraban en los dioses imperiales romanos.

Armas de lujo
La exposición cuenta cómo las armerías se crearon para albergar las armas de lujo de la monarquía y de la nobleza. Desde finales del siglo XV y durante el XVI, esas armas alcanzaron su mayor consideración ya que eran obras exclusivas de arte que daban a conocer al mundo el poderío del propietario.
Pero fue con el emperador Carlos V con el que creó una armería única en todo el mundo por su calidad.

El espacio más deslumbrante es el dedicado Carlos V, a caballo en Mühlberg, de Tiziano,junto a la impresionante armadura ecuestre del emperador, realizada por Desiderius Helmschmid, uno de los armeros más importantes del siglo XVI. La sala se completa con el gigantesco tapiz titulado Las revista de las tropas en Barcelona, segundo paño de la serie La conquista de Túnez encargada por Carlos V. El recorrido sigue con salas es las que retratos de la monarquía realizados por Rubens, Tiziano o Velázquez se miden a las armaduras hechas la familia Helmschmid y Wolfgang Grosschedel.

La segunda de las secciones plantea el cambio de actitud de Felipe II hacia la imagen armada proyectada hasta entonces. El gusto del rey se inclinará por la imagen clásica a la romana de connotaciones heroicas o por el vestido de corte excepto en las composiciones relacionadas con la batalla de Lepanto. Estos conceptos se ilustran con los Juegos de parada de Felipe II, una armadura de parada en paralelo a la escultura de Leone Leoni y la Celada de Alí Bajá, trofeo de la batalla de Lepanto junto a la obra de Tiziano encargada con motivo de esta victoria.

La tercera sección, bajo el título La Real Armería en la pintura de corte del siglo XVII, muestra las diferentes fases por las que transcurre la relación entre los fondos de la colección de La Real Armería y el retrato cortesano.

Para finalizar, el recorrido aborda la llegada de Felipe V, monarca que aunó el gusto francés del retrato armado y la tradición española de los Austrias.

Andrea Palladio Los Cuatro Libros de la Arquitectura

2010-04-18T19:27:00.005+02:00

Alzado y Planta de la Villa Rotonda (Vicenza) de Andrea Palladio

Villa Capra, conocida también como Villa la Rotonda, es un palacio campestre de planta central diseñado por Andrea Palladio y construido a partir del año 1566 en las afueras de la ciudad de Vicenza en Italia.

Se trata de un nuevo tipo de edificio pensado con criterios de simplicidad y simetría absolutos.
En esta villa, Palladio puso en práctica la concepción de la villa clásica como construcción de planta centralizada. El cuerpo del edificio es un cubo dentro del que se inscribe una sala circular, rotonda, alrededor de la cual se agrupan las diferentes estancias cuadrangulares. En cada una de las caras del cubo sobresale un pórtico acolumnado, de orden jónico y con un amplio frontón, que da a la planta figura de cruz griega.
Amplias escalinatas, delimitadas por muros laterales, conducen a los pórticos que sobresalen del cubo. Un estrecho pasillo abovedado conduce, desde cada una de las cámaras, al espacio central de planta circular, cuyo diámetro equivale a la anchura del pórtico.
El centro de la sala lo marca la figura de una cabeza de león incrustada en el suelo, en medio de una circunferencia con radios rojos y blancos. Esta sala central se encuentra cubierta con una magnífica cúpula de media naranja.
Tanto la disposición de la planta como la vista exterior son totalmente simétricas y muestran una concordancia perfecta, las cuatro fachadas son iguales, tienen exactamente las mismas proporciones y recuerdan a los templos de la Antigüedad clásica con una escalinata y un peristilo jónico.
Palladio mezcla diferentes elementos clásicos creando un nuevo tipo de edificio. Ante la existencia en la Roma clásica de palacios y iglesias, el arquitecto adapta las normas antiguas a las nuevas estructura, lo que le lleva a crear formas muy personales, monumentales, elegantes y sobrias.
Su villa emula la grandiosidad de la arquitectura antigua, está colocada sobre un montículo. De esta forma Palladio le da majestuosidad y la dota de una elegancia de formas que explica su influencia posterior.

"Giangiorgio Trissino, poeta, filósofo, matemático y amante de la arquitectura, humanista, construyó en el año 1537 una casa cerca de Vicenza, Italia.
Entre los obreros se encontraba un "tajapiera", cantero-ladrillero muy hábil, ya no muy joven, Andrea di Pietro (casi 30 años) que atrajo poderosamente la atención de Trissino por sus cualidades y deseos de aprender, convirtiéndose en su maestro y mecenas . Al ver que el antiguo cantero absorbía rápidamente y con atención sus enseñanzas, le puso de sobrenombre "Palladio" ( de Palas Atenea= Diosa de la sabiduría).
Trissino dedicó toda su vida a promocionar y difundir el saber entre hombres con aptitudes, cualquiera que fuera su condición social. Había fundado una academia en Vicenza dedicada a las "letras clásicas, música y matemáticas" y posteriormente otra, la "trissina" en donde prestigiosos profesores impartían el conocimiento clásico. En ella Andrea recibe parte de sus enseñanzas y traba relaciones con los que serán sus nuevos clientes.
En numerosas ocasiones acompaña a su benefactor en viajes de estudio, visitando Pádua, Verona, Venecia, Mantua y Roma, donde estudia edificios de arquitectos famosos , conociendo a Bramante, Sangallo, Peruzzi, Guilio Romano y otros. Descubre las obras de Miguel Ángel y Rafael.Tambien analiza y mide restos arqueológicos, redescubriendo los principios geométricos y de diseño romano y griego.
A la muerte de Trissino encuentra otro director cultural en el Cardenal Daniele Barbaro, quien le impulsa a dejar por escrito su obra. Con él vuelve a Roma, esta vez bajo un punto de vista riguroso del conocimiento de la antiguedad, dibujando y analizando elementos, plantas, perfiles, alzados, y desarrollando un excelente sistema de representación gráfica que hace claras y sencillas sus explicaciones. Barbaro le permite colaborar con él en la edición comentada de Vitrubio en la que trabajaba desde 1548, que es publicada en 1556 con los dibujos de Palladio.
Es el primer arquitecto que domina dos técnicas paralelas la proyectual y la constructiva.
Al conocer la obra desde abajo, domina todas las fases constructivas, desde el diseño a la finalización del edificio, pasando por la participación de los diferentes oficios que intervienen (canteros, albañiles,carpinteros...)
100 años antes, Alberti había provocado un abismo entre proyecto y ejecución que será la base de toda la teoría constructiva renacentista y posterior (El arquitecto está en un plano separado, encargado del diseño, mientras que el maestro de obras se encarga de la ejecución.)
Palladio en cambio considera que ambos procesos están íntimamente ligados, ya que por su propia experiencia práctica le dice que el diseño no es ajeno a los problemas técnicos y las múltiples circunstancias que suceden durante la aplicación práctica, incluyendo la propia capacidad del operario.
No basta un solo plano, sino acompañarlo con decenas de dibujos y apuntes que detallen el como cada elemento se engarza con el resto de la obra.
Los obreros no pueden equivocarse porque todo se les dá medido y especificado de antemano, incluyendo los problemas que va a encontrar (resisténcia, técnica adecuada, funcionalidad...)
En este método de control total del proyecto y de los oficios se encuentra una de las claves del éxito de Palladio, el rigor y funcionalidad le permite llegar al máximo ajuste económico de las mismas, a la vez que al apurar las posibilidades técnicas lleva a una mejora estética, funcional y económica.
Los proyectos se van sucediendo llegando el 1549 a ser elegido por el Consejo de Vicenza para la reconstrucción de la basílica de la " Ragione", imponiendose ante las propuestas de los más prestigiosos maestros italianos ( Serlio, Sansovino, Spaventa, Sanmicheli, Guilio Romano...)
En 1556 aparece como cofundador de la Academia Olímpica Vicentina. Viaja a Piamonte y Provenza reclamado por Emmanuelle de Saboya y Felipe II le pide sus diseños para el Escorial, que ofrecerá a través de la academia de Florencia, de la que tambien forma parte.
En 1570 obtiene el título que más deseaba: el de arquitecto de la Serenisima República de Venecia, que coincide con la publicación de sus "Cuatro libros de Arquitectura".
( Resúmen del prólogo de Javier Rivera de "Los 4 libros de arquitectura".)

Los Cuatro Libros de Arquitectura de Palladio, contienen los proyectos del arquitecto, tanto en la teoría como en la práctica, la pureza y la simplicidad de la arquitectura clásica y está ilustrado con los propios dibujos de Andrea Palladio.
Está organizada en cuatro partes desiguales llamadas «libros», cada uno paginado por separado. Los libros incluyen:

- Numerosas ilustraciones obtenidas a partir de grabados en madera.
- Una portada, que es también la cabecera de los libros II, III y IV;
- Tablas de arquitectura que representan los edificios y los detalles de los diseños, secciones y alzadas en número de 216.
- Las letras de adorno o capitales al principio del capítulo.
- Una cuarta de cobertura.
- Cada libro está organizado de la misma manera: la portada, el prólogo para el lector y el desarrollo del tema. No hay prólogo al libro II, el autor lo advirtió al lector en el prólogo al libro I.

Influencia de Palladio en la Arquitectura
Hasta mediados del siglo XVIII, la arquitectura inglesa estuvo bajo la influencia total del llamado palladianismo. Los propietarios burgueses y nobles, que habían adquirido una nueva conciencia de su propia importancia después de la implantación de la monarquía constitucional, fueron los primeros en Europa en abandonar el lenguaje formal barroco para construir sus residencias, y los primeros en buscar un ideal de creación más discreto y moderado, pero que no dejara de ser digno y solemne.
Lo encontraron en la arquitectura de Palladio, cuyas construcciones se caracterizaban por su sencillez y equilibrio, basado en la aplicación de una estricta simetría y un sistema lógico de proporciones. En el siglo XVII un importante arquitecto inglés, Jones, había tomado ya sus obras como modelo, de modo que el palladianismo pasó a ser considerado un estilo inglés por excelencia, contrapuesto al recargado estilo barroco que predominaba en los países católicos y absolutistas del resto de Europa. En consecuencia, los arquitectos y propietarios ingleses elevaron el estilo arquitectónico de Palladio a la categoría de ideal, de norma de la que uno no podía desviarse. En esta concepción yacía la idea de que la belleza era algo absoluto, basado en leyes objetivas y de aplicación universal.
Así, en parte por la labor de lord Burlington -el mayor coleccionista de sus dibujos e introductor de su legado en Inglaterra- en la primera mitad del siglo XVIII Inglaterra se llenó de construcciones palladianas, formadas por cuerpos cúbicos claramente definidos y según un estricto sistema de proporciones, con una decoración exterior muy austera y fachadas acentuadas por un gran pórtico al estilo de un templo antiguo, es decir, edificado sobre un zócalo de obra rústica.
A mediados del siglo XVIII se vivió un segundo auge en la construcción de villas que originó la aparición, ante las puertas de Londres, de casas de campo de dimensiones más reducidas, propiedad de la burguesía adinerada, como la de Wrotham Park, construida en 1754 por Isaac Ware. El centro de esta casa lo forma el cubo de una villa palladiana, con cinco hileras de ventanas y un pórtico jónico tetrástilo con frontón irregular. Posteriormente, esta tradición sería transmitida a las colonias de Norteamérica, donde la incipiente burguesía levantaría sus villas conforme a estos principios.

Tesoros de las Culturas del Mundo

2010-03-25T09:54:00.010+01:00

Alto Relieve Neoasirio, 710-705 a.C. Khorsabad, norte de Irak (Museo Británico)

La exposición "Tesoros de las Culturas del Mundo" se exhibe hasta el 10 de Mayo en el Centro de Exposiciones Arte Canal en Madrid, la muestra cuenta con 280 piezas únicas, de todos los continentes, de todas las épocas, desde objetos de la Edad de Piedra y esculturas clásicas de tamaño natural hasta lujosas joyas obtenidas en las excavaciones de la antigua Mesopotamia, dibujos del Renacimiento y objetos contemporáneos de Irán, Japón y otros países. Las obras expuestas proceden delprestigioso Museo Británico (Londres).

La exposición está estructurada en 7 ámbitos.

Los 6 primeros (África, Oriente Medio, Europa, Asia, Oceanía y las Américas) responden a un criterio geográfico de distribución de las piezas y abarcan periodos muy amplios de la historia
de la humanidad. El último ámbito, el mundo moderno, como su nombre indica, engloba piezas de cronología más reciente (1900-2006) que provienen de múltiples localizaciones geográficas.
La distribución de las piezas en cada uno de los 6 primeros ámbitos responde a la realidad histórico-geográfica de las diferentes culturas que los han hecho posibles. En algunos casos, la creación de subámbitos responde también a la necesidad de ampliar algunas temáticas específicas de cada cultura.

La exposición permite disfrutar obras como el Ataúd de Djeho (Egipto Superior), una réplica de la Piedra de Rosetta, la Piedra del hombre-pájaro (Rapanui, Isla de Pascua), una estatua de Buda (Antigua Gandhara, Pakistán) o varias piezas del famoso Ajedrez de la Isla de Lewis (Escocia, Edad Media). El Museo de América de Madrid, en este caso, aportará objetos como la Caja Yerbera, en forma de concha, del siglo XVIII. Procede de Bolivia.

Proponemos un Breve recorrido por los ámbitos de la exposición

ÁFRICA
El ámbito dedicado al continente africano abarca tres grandes temas: el origen de la humanidad, la civilización egipcia y los reinos de África.

La obra más antigua de esta exposición se exhibe en esta sala, dos ejemplares de Hachas Bifaces, datadas hace 1,6 millones de años, Edad de Piedra, proceden de la Garganta de Olduvai (Tanzania), materiales, lava y cuarzo, habilidad, destreza, belleza, son los útiles líticos más antiguos de la humanidad.

En la sección de Egipto, destaca un Ataúd interno antropomórfico de madera de Djeho (Panápolis), Egipto Superior, Época ptolemaica, 305-30 a.C.
Madera, pan de oro, detalle pintado sobre yeso. El féretro interior de Djeho es un ejemplo clásico de un ataúd antropomórfico para una momia creado para un hombre de alto rango. Las cualidades divinas alcanzadas por el difunto en la otra vida se hacen patentes a través de la aplicación de pan de oro en la cara y por la coloración azul de la peluca. Una vez más disfrutamos de los Temas eternos, la muerte y la vida, la creencia en la vida de ultratumba, el motor del arte Egipcio.

En la misma sala, Bellísimas las Hojas 11 - 88, del Libro de los Muertos, Hepethor custodia la puerta, La sacerdotisa de Deir El Bahari, reclama su esperado juicio, el acceso hacia el Juicio de Osiris, y la muerte se presente así como el más dulce de todos los venenos, sólo es un paso más hacia la verdadera vida, la eterna. Sortilegio, adivinación, el camino de Kaa. Egipto, herencia universal y patrimonional. Aún nos queda mucho por saber.

En esta sala, se puede disfrutar de una maravillosa réplica de conocida Piedra de Rosetta, seamos más románticos que Champollion, y soñemos que con que es la auténtica, la glíptica original escrita en jeroglífico, demótico y griego, se encuentra en el British. Sólo abandonó una vez el museo, viajó a la Exposición de París en 1972, para celebrar el aniversario del desciframiento.

ORIENTE MEDIO
En este ámbito se pueden encontrar objetos relacionados con las grandes civilizaciones que se sucedieron en Oriente Medio. Un apartado importante está dedicado a la Escritura cuneiforme que, desde aproximadamente el 3500 a.C., fue utilizada por muchas de las lenguas habladas por los habitantes de esta zona. La glíptica, el arte de grabar o tallar las piedras finas, conoció su esplendor no sólo a través de los jeroglíficos en el Antiguo Egipto, sino en la escritura sumeria, 3.300 años a.C., dejaron atrás la remota Prehistoria, para entrar con firmeza en la Historia escrita, en la Antigüedad. También destaca en la sala, la importancia del legado de Bizancio y la posterior influencia que ejerció el islam sobre este territorio.
Obras destacadas en la sala: Guardián divino Nimrud (antigua Kalhu), norte de Irak Neoasirio, 811-783 a.C. Piedra caliza.

EUROPA
Destacan en este ámbito las obras de la civilización grecorromana y la importancia de la cristianización del territorio europeo durante la Edad Media. El periodo del Renacimiento y la Ilustración también tiene su espacio reservado en este ámbito. Destacan en la sala El Tesoro de Morvah, procedente de Cornualles, Inglaterra, son brazaletes de oro, edad del Bronce. Resulta difícil seleccionar, o destacar algunas piezas, todo lo que vemos en esta exposición es muy interesante, un recuerdo muy especial merece sin duda,

La Cerámica Griega, hecha con destreza, decorada con precision, muy valorada en la Antigua Grecia, ha sobrevivido gracias a la arqueología, destaca en la vitrina, una copa ateniense, un Kylix ático de figuras rojas, bellísimo, del 490 a.C., el Kylix griego divierte al alegre bebedor, una vez vaciado el vaso, junto a esta pieza, un Lekythos de lecho blanco, dos mujeres llevando ofrendas a una tumba, 460-450 a. C. En la misma vitrina, destaca un oinochoe de figuras negras, Heracles y el jabalí de Erimanto, 520 a.C.

El apartado de Europa resulta extenso, intenso, desde los orígenes, Antigüedad, Edad Media, es imposible abarcarlo todo, al final de esta sala resulta muy apetecible un tesoro, se trata de Cinco piezas de ajedrez, el Tesoro de Lewis, encontradas en la isla de Lewis, Hébridas Exteriores, Escocia. Probablemente hechas en Noruega, aprox. 1150-1200 d.C. de Marfil de morsa. El tesoro se ha hecho famoso principalmente porque contiene setenta y ocho piezas de ajedrez exquisitamente talladas, el único y más importante descubrimiento de
objetos del siglo XII hechos puramente con finalidades recreativas. Once de las piezas se exhiben en el Museo Nacional de Escocia, en Edimburgo.
El rey, la reina y el alfil están sentados en tronos con diseños intrincados que decoran los respaldos. Cada uno es diferente, y recurren a un repertorio de formas foliadas, grotescas, entrelazados geométricos y motivos arquitectónicos.
El rey lleva una barba y el pelo largo rizado en trenzas, está sentado con la espada sobre sus rodillas en una actitud que expresa que está preparado para la acción; la reina descansa la barbilla sobre la mano en un gesto que sugiere contemplación o pena y el alfil levanta su báculo a sus labios en un acto de piedad. El alfil fue una adición posterior al juego del ajedrez y refleja la importancia creciente de la Iglesia en la jerarquía del estado. El caballo y la torre, que adopta la forma de un miembro de la infantería o guardián y no la de la torre de castillo actual, están preparados para la batalla.

ASIA
En este ámbito destacan las obras de dos de las culturas milenarias del planeta: China y Japón. También hay ejemplos de la cultura coreana y de la amplia variedad de civilizaciones que han ido surgiendo en el sur del continente asiático, muy influenciadas por doctrinas religiosas como el
hinduismo, el budismo y el jansaismo.

En la vitrina de China, destaca la porcelana azul y blanca, piezas de exportación, Dinastía Ming, Período Yongle, 1403- 1424 d.C. Un aguamanil alveolado con tapa, Dinastía Quing, finales del siglo XVII. Otoño e Invierno del monje budista Kuncan año 1666 d.C. y la Maqueta de Atalaya de la Muralla China, del siglo II. En el espacio Japonés, destaca un magnífico Biombo de Morikawa Sobun, de 1890, y un curioso dragón articulado, del siglo XIX.

En el apartado de India, un relieve con el primer sermón de Buda, un pequeño stupa, procedente del antigo Gandara (Pakistán), siglo II d.C.

OCEANÍA
Este ámbito expone una selección de obras de los archipiélagos de Micronesia, Melanesia y Polinesia en el Océano Pacífico, así como de la masa continental de Australia. Para los polinesios, el mundo fue creado cuando los dioses separaron la Tierra del Cielo, por ese motivo, aparece en la colección la Figura con dos Cabezas, un cuerpo, cabeza cielo, cabeza tierra, realizada en madera, finales del XVII, principios del S. XIX. Muy interesante es la obra HombrePÁJARO, procedente de Rapanui (Isla de Pascua). El Charrán sombrío protege con recelo su nido, por eso fue frecuente hasta 1860, que las tribus de la Isla de Pascua, convocaran a los líderes para superar la prueba, consistente en descender a un peligroso acantilado y recoger un huevo del nido, el ganador se convertía en Hombre-Pájaro.

LAS AMÉRICAS
Este ámbito muestra algunas obras de las civilizaciones que se desarrollaron
en América, tanto en el sur como en el norte del continente. Parte de las salas comparten el espacio con el préstamo del Museo Nacional de América (Madrid). Destaca piezas procedentes de Canadá, un abrigo de piel de Cribú y una cunita-maqueta de recién nacido del siglo XVII.

La Cerámica Moche, del norte de Perú, 100-800 d.C. y un maravilloso Pectoral de oro fundido perteneciente a un jefe o sacerdote procedente de Colombia, Popayán, 1100-1500 d.C. de Tumbaga de oro y plata.

EL MUNDO MODERNO

La creación de colecciones de objetos modernos y contemporáneos es una actividad vital para el Museo Británico. El arte de los siglos XX y XXI documenta la experiencia humana en un mundo cada vez más complejo e interconectado.
Algunas de las obras que se muestran en esta sección se relacionan de manera descarada e innovadora con cuestiones políticas y sociales de la actualidad, mientras que otras representan tradiciones artísticas que han sobrevivido durante milenios. La difusión y el intercambio de ideas más allá de las fronteras nacionales es un aspecto clave de la vida en el
siglo XXI, y esta interacción entre prácticas artísticas y culturales distintas se hace evidente en buena parte de las obras que conforman esta sección.

La obras reunidadas en esta exposición son únicas por su valor histórico, cultural y sobre todo porque permiten reflexionar sobre el objeto, las piezas nos hablan de costumbres, de adorno, de imagen, de ritos y leyendas, de herencia cultural y patrimonial, una oportunidad única para conocer estos TESOROS hasta el 10 de mayo, tesoros procedentes del Museo Británico.

Rafael de Sanzio (1483 - 1520)

2010-03-14T12:33:00.005+01:00

Sala de la Signatura (1508-1511)

La Estancia del Sello Escuela de Atenas

El más joven de los tres maestros del Cincuecento, RAFAEL DE SANZIO, el pintor de Urbino, equilibrado, sereno, con buen juicio, sólo vivió 37 años.
Rafael fue el pintor del siglo XVI, que mejor supo interpretar el ideal de belleza y el gusto por el Clasicismo. Pensaba que la belleza debía ser encontrada en la naturaleza y en los sentimientos. Pintor de pintura afable, sensible, coleccionar obra de Rafael era sinónimo de buen gusto, estuvo rodeado siempre de altos dignatarios de la corte, en el círculo de eruditos del Papa Julio II.Además del lenguaje comprensible, sereno y armónico, Rafael tenía gran atractivo físico, su carácter cordial, la fervorosa devoción que provocaban sus obras y su prematura muerte a los 37 años, lo convirtieron a los ojos de sus contemporáneos en un semidiós.

1) Etapas de la pintura de Rafael de Sanzio.
Su carrera se divide en cuatro períodos, descritos así por Giorgio Vasari:
sus primeros años en Perugia junto a Perugino (1494-1500),
la segunda etapa en Umbría (1500-1504), el periodo posterior de cuatro años en Florencia (1504-1508), donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando en el Palacio del Vaticano. Breve historia de las etapas de la pintura de Rafael.

*En PERUGIA adquiere las tonalidades claras, las posturas elegantes y los paisajes idílicos, en contacto con el maestro Perugino.

*En la etapa de URBINO profundiza en los estudios de perspectiva, que, desde la estancia de Piero della Francesca en la corte ducal, habían sido una preocupación constante en los medios artísticos.

* En la ETAPA FLORENTINA de 1504 a 1508, la obra de Rafael se caracteriza por asimilar la composición piramidal y el sfumato leonardesco, elementos con los que realizará una nueva tipología religiosa, que pasará a la historia del Arte con el genérico nombre de "Madonne", y que le reportan un éxito fulminante.

*En ROMA (1508 hasta su muerte en 1520)

La vida de Rafael cambia cuando es llamado por el Papa Julio II, para confiarle la decoración al fresco de cuatro habitaciones o estancias que han pasado a la Historia del Arte con el nombre de ESTANCIAS VATICANAS:-1508 Primera Stanza “de la Signatura”: Disputa del Sacramento, Escuela de Atenas y el Parnaso.-1511 Segunda Stanza "de Heliodoro“: Misa de Bolsena, Liberación de San Pedro.-1514 Tercera Stanza "del Incendio del Borgo" y “Sueño de Constantino".

2) Aportaciones de Rafael a la Historia de la Pintura:

- Creación del modelo de la Viegen con el Niño, la Madonna.

- Perfección en el dibujo.

- Claridad en la composición: Triangular-Piramidal.

- Perfecciona la Naturaleza, en los primeros años el paisaje ocupa gran parte del cuadro, a medida que la pintura de Rafael va madurando, el paisaje aparece apenas insinuado, en el fondo, el retrato se convierte en protagonista único de la composición.

- Crea en su obra un espacio envolvente que comunica a las figuras entre sí y con el espectador.

- Influencia Leonardesca, “Sfumatto” (evaporar).

- Preocupación por el espacio, geometría, perspectiva, el legado del arquitecto Bramante y la pintura de su maestro, el Perugino.

- Retratista de éxito, elegante, comunicación entre el retratado y el espectador.

3) Breve Biografía de Rafael de Sanzio:

Nació en Urbino el 6 de abril de 1483, su primera formación la adquirió de su padre, el pintor y poeta Giovanni Santi, el ambiente en el que creció Rafael, favoreció su formación, su infancia transcurrió en la Corte del Príncipe Federico de Montefeltro, el duque de Urbino, recordamos la obra de Piero della Francesca, con el retrato del Duque de Urbino, y su esposa Battista Sforza, 1466 en la Galería de los Uffizi, en Florencia.

En 1499 se trasladó a Perugia, en Umbría, y se convirtió en pupilo y ayudante del pintor Perugino (Città della Pieve, 1450-1523) . Rafael realizó durante este período obras en un estilo muy próximo al de su maestro, hasta el punto de que han existido dudas respecto a algunas atribuciones.
Entre las obras de Rafael realizadas en Perugia destacan dos grandes composiciones, Los desposorios de la Virgen (1504, Galería Brera, Milán, obra pintada ya en Florencia) y la tabla del Retablo de Città di Castello, en la que representa la Crucifixión con dos ángeles, la Virgen y los santos Jerónimo, Magdalena y Juan Evangelista (1503, National Gallery, Londres).

En 1504 Rafael se trasladó a Florencia, donde estudió la obra de reconocidos pintores contemporáneos suyos como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Fra Bartolommeo, de los que aprendió sus métodos de plasmación de luces y sombras, sus estudios anatómicos y actitudes dramáticas. En esta época Rafael realizó un cambio estilístico desde la composición geométrica y el énfasis en la perspectiva hacia una manera más natural y suave de pintar. Su evolución durante el periodo florentino puede seguirse a través de sus numerosas madonnas.
El primer ejemplo es la Madonna del Granduca (1504-1505, Palacio Pitti, Florencia). Ejemplos posteriores muestran la influencia de Leonardo en la expresión de serenidad y en los esquemas compositivos triangulares y equilibrados, como es el caso de La bella jardinera (1507-1508, Museo del Louvre, París) y La Virgen del jilguero (1505, Galería de los Uffizi, Florencia). La última de las vírgenes florentinas, La Madonna del baldaquino (1508, Palacio Pitti, Florencia), forma parte de un retablo y se asemeja estilísticamente a la obra de Fra Bartolommeo.
Los encargos más importantes que Rafael recibió durante su estancia en Florencia procedían de Umbría. Su composición más original en este periodo es El Entierro de Cristo (1507, Galería Borghese, Roma). Forma parte de un retablo y muestra la fuerte influencia de Miguel Ángel en la disposición y actitudes de los cuerpos y en el tratamiento anatómico de los mismos.
En 1508 Rafael se trasladó a Roma, requerido por el papa Julio II, quien le encarga la decoración mural de las Stanzas (habitaciones, estancias) en el Palacio del Vaticano.
La primera de ellas, la Stanza della Signatura (1509-1511) muestra una cubierta con las alegorías de la teología, la filosofía, la poesía y la justicia, respondiendo a un programa iconográfico elaborado e intelectualizado. En la pared, bajo la teología, se sitúa la Disputa, que representa la discusión del dogma de la Trinidad. La famosa Escuela de Atenas, situada debajo de la Filosofía, representa un espacio arquitectónico abierto donde Platón, Aristóteles y otros filósofos antiguos discuten y argumentan. Bajo la poesía se halla el célebre Parnaso, en el que el dios Apolo aparece rodeado por las musas y los grandes poetas. Por último, bajo la justicia, Gregorio IX y Justiniano mostrando sus códigos.
La segunda estancia, la Stanza d´Heliodoro (1512-1514), pintada por Rafael y sus discípulos, contiene escenas que representan el triunfo de la Roma católica sobre sus enemigos. Tras la muerte del papa Julio II en 1513 y el ascenso de León X aumentan la influencia y las responsabilidades de Rafael. Se le nombra Maestro Mayor de la Basílica de San Pedro en 1514, y un año después se le pone al frente de la dirección de todas las excavaciones arqueológicas en Roma y alrededores. Debido a sus numerosas actividades, sólo consiguió pintar parte de la tercera estancia del Palacio del Vaticano, la Stanza del Incendio del Borgo (1514-1517). El resto es obra de sus ayudantes. De igual forma, para la cuarta cámara, la Sala Constantina, él simplemente realizó los diseños.

Durante este periodo también diseñó diez tapices con los actos de los apóstoles destinados a la Capilla Sixtina. Esos cartones o dibujos se encuentran en la actualidad en el Museo Victoria y Alberto de Londres. Rafael también proyectó la arquitectura y decoración de la Capilla Chigi en la iglesia de Santa María del Popolo y la decoración de la Villa Farnesina, que incluye el Triunfo de Galatea (c. 1513).
Además de estas obras, ejecutó cierto número de pinturas de caballete, entre las que destacan el retrato de Julio II (1511-1512), series de vírgenes, como la Madonna Sixtina (c. 1514, Gemäldegalerie, Dresde), otras pinturas religiosas como La Transfiguración (1517-1520, Vaticano), completada tras su muerte por el más notable de sus discípulos, Giulio Romano.
El 6 de abril de 1520 falleció Rafael en Roma, a los 37 años, sin poder disfrutar del éxito que había obtenido. En su pintura integra las influencias de los mejores maestros de su tiempo, resultando de ello un estilo personal que ha marcado a numerosas generaciones de artistas.

Si quieres conocer las Stanzacias del Vaticano, puedes acceder a la visita virtual de las Salas, siguiendo este enlace, de la web ofical de los Museos del Vaticano.

http://mv.vatican.va/4_ES/pages/SDR/SDR_03_SalaSegn.html

Etiquetas: historia del arte, Italia Siglo XVI, Julio II, Madonna, Pintura del Cincuecento Italiano, Rafael de Sanzio, Roma, Stanzas del Vaticano

Miguel Delibes descansa ya a la sombra de un ciprés alargado

2010-03-13T13:09:00.004+01:00

Portada de la obra de Miguel Delibes, El Hereje, su última gran obra, homenaje a Valladolid, publicada en 1998, recibiendo el Premio Nacional de Narrativa como reconocimiento. El hereje es ante todo una indagación en las relaciones humanas en toda su complejidad; un canto apasionado a la tolerancia y la libertad de conciencia. Es también la historia de unos hombres y mujeres de carne y hueso en lucha consigo mismos y con el mundo que les tocó vivir; una novela inolvidable sobre las pasiones humanas y los resortes que las mueven.

La obra de arte que aparece en la portada es un detalle de El recién nacido de Georges de la Tour, 1645, Museo de Rennes.
Miguel Delibes nacido en Valladolid en 1920, ha sido uno de los grandes narradores de la literatura española, catedrático de Derecho Mercantil, fue también director del diario "El Norte de Castilla", empezó trabajando como caricaturista, para convertirse en columnista, redactor.
Su obra literaria abarca toda la segunda mitad del siglo XX. Miguel Delibes siempre escribió como él era, su literatura era un reflejo fiel de su persona. Ha dado siempre una dimensión ética a su narrativa, conjugándola magistralmente con la estética literaria.
De su amplia producción narativa, destacan obras como La sombra del ciprés es alargada (1947), novela existencial,con esta obra empieza a despuntar en el panorama literario. En 1950 se inició una nueva etapa en la carrera literaria del escritor, publicó El camino, su tercera novela, en la que narra el proceso que sufre un niño en el descubrimiento de la vida y de la experiencia ante la amenaza de dejar el campo y marchar a la ciudad, obra que constituye su consagración definitiva en la narrativa española de la Posguerra.
Los años 1960 representan el apogeo literario de Delibes como escritor, en 1962, Delibes publicó Las ratas, uno de sus grandes libros, historia construida a partir de una sucesión de anécdotas autobiográficas en las que se evoca el ambiente rural de un pueblo castellano desaparecido, con el que ganó el Premio de la Crítica.
En los años siguientes, pasó seis meses de 1964 en Estados Unidos como profesor visitante del Departamento de Lenguas y Literaturas Extranjeras de la Universidad de Maryland. Tras su regreso, publicó Cinco horas con Mario, considerada su obra maestra, donde una mujer vela el cadáver de su marido durante toda una noche mientras realiza un monólogo plagado de recuerdos hacia su esposo.
El 1 de febrero de 1973, Miguel Delibes fue elegido miembro de la Real Academia Española, ocupando el sillón "e", vacante por la muerte de Julio Guillén. Ese mismo año, en diciembre, fue también elegido miembro de la Hispanic Society of America. Antes de terminar el año, publicó El príncipe destronado, su undécima novela. El 22 de noviembre de 1974 falleció su esposa, Ángeles de Castro, a los 50 años de edad, algo que marcó profundamente al escritor para el resto de su vida. Con los recuerdos de su esposa, escribió la obra Señora de rojo sobre fondo gris, una clara evocación de la figura Ángeles.
Muchas de sus obras, han sido llevadas a la cinematografía, entre ellas destacan El príncipe destronado, adaptada con el título de La guerra de papá, Antoni Mercero en 1977 y Los santos inocentes, dirigida por Mario Camus en 1984, Premio en Cannes incluido a Francisco Rabal y Alfredo Landa.
Hoy es 13 de Marzo de 2010, y hace apenas un día y medio que ha fallecido. Delibes ya no recibirá nunca el Nobel, nos queda el consuelo de lo más grande, el placer de seguir leyendo sus libros.

Holandeses en el Prado. Catálogo Razonado

2010-03-01T15:11:00.006+01:00

El Museo Nacional del Prado ha organizado la exposición Holandeses en el Prado con motivo de la publicación del primer catálogo de la colección de pintura holandesa del siglo XVII.
Reúne un amplio conjunto de las obras de esta colección prácticamente desconocida, ya que desde mediados de la década de 1940 apenas está representada en las salas del Museo.
El Catálogo Razonado publicado por el Museo del PRADO, responde a un trabajo minucioso, un largo trabajo de investigación, en donde cada obra es objeto de un pormenorizado estudio tratando los siguientes aspectos:

1º) Título de la obra, autor, los siguientes términos son empleados para describir la relación de una obra con su autor:
* Atribuido a -la obra se considera del artista mencionado, aunque no hay evidencia documental que lo ratifique-
* Taller de -cuando la obra ha sido realizada por un posible ayudante del taller del artista y bajo la supervisión de este maestro-
* Círculo de -obra ejecutada por un pintor desconocido, muy cercano al artista mencionado, pero no necesariamente discípulo de éste colaborador en su taller-
* Seguidor de -obra de un seguidor, coetáneo o posterior, del pintor-
* Copia según -copia total o parcial de un original del pintor, que puede ser contemporánea o posterior. Otros aspectos son la técnica utilizada y las medidas de la obra.
2º) Marcas e Inscripciones, en el anverso y reverso, aportan mucha información a la obra.
3º) Estado de conservación en la superficie pictórica: repintes antiguos, barnices, corladuras en el soporte, historia de las restauraciones de la obra.
4º) Historia de la obra en las sucesivas Colecciones, tanto de Patrimonio, Museos y en otras Instituciones.
5º) Inventarios, Catalogación y Documentación disponible (Gabinete de Documentación Técnica del Museo).
6º) Bibliografía y Exposiciones en las que ha participado.
7º) Estudio Estilístico, Iconográfico e Iconológico de la obra de arte.
8º) Publicación fotográfica de la obra, Reflectografía infrarroja, estampas.

Por pintura holandesa se entiende la producida en las llamadas Provincias Unidas del Norte desde que, tras la firma de la Unión de Utrecht en 1579, se constituyeran en nación independiente, mientras que las Provincias Unidas del Sur (Flandes) permanecieron bajo dominio español. La exposición se organiza en 3 secciones:

- Cuadros holandeses que proceden de las colecciones de Felipe IV y de Carlos II.

-Cuadros holandeses de la colección de los Borbones, y

- Nuevas adquisiciones: legados, donaciones, daciones y compras.

Muchas de estas obras han sido restauradas a fin de elaborar el catálogo. Gracias a esto, hoy es posible apreciar las sutilezas cromáticas, los efectos lumínicos o la precisión del dibujo en muchas de ellas. Coincidiendo con esta exposición y como complemento a la misma, el Museo expuso en una sala anexa "La compañía del capitán Reijnier Reael y el teniente Cornelis Michielsz Blaeuw", de Franz Hals y Pieter Codde, procedente del Rijksmuseum de Amsterdam. Pudimos disfrutar de esta pintura , hasta el día 28 de Febrero, en el Prado como parte del programa ‘La obra invitada’.

En la exposición se muestra una selección de los cuadros holandeses reunidas por los sucesivos monarcas de la Casa de Borbón. Abarca todos los géneros de la escuela: paisaje invernal, marinas, escenas de género, cacerías, bodegones, batallas y pinturas de historia. A éste último pertenece el cuadro de Rembrandt "Judit en el banquete de Holofernes" (antes conocido como “Artemisa”), adquirido por Carlos III. Anteriormente se creyó que la obra recreaba la historia de la reina Artemisa de Caria quien por amor a su esposo muerto, Mausolo, se dispone a beber sus cenizas en una copa nautilus. También se pensó que podría tratarse de la princesa cartaginesa Sofonisba, hermana de Asdrúbal Giscón, quien para evitar la humillación de ser paseada como prisionera en un triunfo romano bebió un veneno que le envió Masinisa. De ahí que hasta su reciente identificación, fuesen dos los títulos posibles para la obra: "Artemisa recibiendo las cenizas de Mausolo" y "Sofonisba recibiendo la copa de veneno".
La llegada de la nueva dinastía de los Borbones coincidió con el cambio de siglo y con un giro en el gusto artístico. Ambos apasionados por la pinturay coleccionistas, Felipe V e Isabel de Farnesio, introdujeron el interés por los cuadros de gabinete flamencos y holandeses. Por esto ingresó en las Colecciones Reales una gran cantidad de cuadros flamencos y, en menor tenor, holandeses, que sus sucesores incrementaron.En la exposición se muestra una selección de los cuadros holandeses reunidas por los sucesivos monarcas de la Casa de Borbón. Abarca todos los géneros propios de la escuela: marinas, paisaje invernal, escenas de género, bodegones, cacerías, batallas y pinturas de historia.
En la última sección se incluyen las obras holandesas que ingresaron en el Museo del Prado en el siglo XIX a través de legados y donaciones, y las que ya en el siglo XX lo hicieron además a través de daciones y de compra directa, lo que ha permitido cubrir algunas de las lagunas de la colección, como el bodegón y, sobre todo, el retrato.

Sorolla vuelve a Nueva York

2010-02-20T23:38:00.005+01:00

Valencia.- Los cuadros de Joaquín Sorolla, propiedad de la Hispanic Society of America, partieron hoy sábado 20 de Febrero desde el aeropuerto de Manises (Valencia) con destino a Nueva York para regresar a su ubicación habitual en la sede de la institución cultural americana.
El viaje de regreso se produce casi dos años y medio después de aquel que, el 30 de septiembre de 2007, transportó los 14 paneles de la serie Visión de España desde la capital neoyorquina hasta Valencia para su exposición por primera vez en España, gracias a la iniciativa de la Obra Social de Bancaja.

Las obras de Sorolla, pertenecientes a la colección de la Hispanic, viajan a bordo del Boeing 747 que Bancaja expuso por España a lo largo de más de dos años. En 25 cajas vuelan los 14 murales de Visión de España, los 12 bocetos de dicha serie que pintó Sorolla, y otras ocho obras entre las que se encuentra 'Sol de la tarde'.

La serie de 14 murales "monumentales" sobre las regiones españolas de Sorolla fue visitada por 2.034.784 personas a lo largo de las siete exposiciones que formaron parte del proyecto cultural de Bancaja. Esta cifra se alcanzó tras la itinerancia que arrancó en Valencia en noviembre de 2007 con la exposición 'Visión de España' y sus 452.826 visitas. Bancaja itineró, posteriormente, esta misma exposición al Museo de Bellas Artes de Sevilla, con 132.292 visitantes; el Centro de Arte Contempráneo de Málaga, que tuvo 161.220 visitas; el Museo de Bellas Artes de Bilbao, con 154.009 visitantes; y el Museo Nacional de Arte de Cataluña, con 252.376 visitantes.
A esta itinerancia le sucedió la exposición antológica dedicada a Joaquín Sorolla por el Museo del Prado, patrocinada por Bancaja, que reunió el pasado verano 102 obras del artista valenciano procedentes de colecciones y museos de todo el mundo. La antológica, con casi 460.000 visitantes, se convirtió en la exposición más visitada de la pinacoteca nacional en la última década.

Gracias al éxito rotundo que obtuvo en 1909 en Estados Unidos, el hispanista Sir Archer Huntington, le encomendó su gran trabajo Visión de España, para algunos su obra maestra, la idea reconocible de la España de principios del siglo XX. En estos catorce paneles que se exponen hoy en Prado, podemos apreciar el costumbrismo español, la historia, la vida, el color y el “jaleo” de las Regiones de España.

El descubrimiento de lo español estaba reservado a Sorolla, se aprecian en los paneles aspectos como El Pueblo, el Paisaje y los Monumentos, todas las obras tratadas con frescura, con trazos del natural, el deseo de cohesión artística convive con la improvisación. Desde que Sorolla firmó el contrato con Huntington, el 26 de noviembre de 1911, Sorolla se encargó de todo, durante los viajes que llevó a cabo por la Península, compraba los trajes regionales, compraba las postales, la cerámica, alquilaba las viviendas en donde pintaba a los personajes que aparecen en sus paneles, a los retratados que él mismo entrevistaba. Sorolla se enfrentó a la climatología, y a otros fenómenos adversos, con el deber de una entrega en un período máximo de cinco años,
finalmente tardó siete, llevó a cabo un proceso laborioso y complejo, tuvo que emplear un sistema de trabajo rápido y eficaz, potencialmente creador. Comenzó a recorrer el país en marzo de 1912, terminó en 1919.

Sorolla, un pintor sin etiquetas, un pintor distinto. Una biografía muy intensa, la exposición antológica del Prado fue museográficamente bella, de lo mejor que hemos visto en los últimos tiempos.

TIEMPO DE PACES

2010-01-31T22:43:00.008+01:00

LA PAX HISPÁNICA y LA TREGUA DE LOS DOCE AÑOS

Coincidiendo con el cuarto centenario de la firma de la Tregua de los doce años (1609-1621), en la Fundación Carlos de Amberes, hemos podido disfrutar de una gran exposición dedicada a la Paz Hispánica y la Tregua de los Doce Años. Este período en el contexto de las paces internacionales que marcan las primeras dos décadas del siglo XVII.

El 9 de abril de 1609 se firmó en Amberes la Tregua de los Doce Años (1609-1621) entre la Monarquía de Felipe III, los archiduques y la República holandesa, un significativo paréntesis en la Guerra de los Ochenta Años (1568-1648), proceso de separación de las Diecisiete Provincias de los Países Bajos entre las que se mantuvieron leales a la Casa de Austria y las que acabaron articulando su independencia en un régimen confederal y republicano.
La exposición planteó durante este tiempo, un programa didáctico orientado a promover los valores universales de la paz, la tolerancia y la concordia.
Según el comisario de la exposición, Bernardo García “la Pax Hispanica no hubiera sido posible sin la participación de otros soberanos, como Enrique IV de Francia, Jacobo I Estuardo, los archiduques Alberto e Isabel Clara Eugenia, o papas como Clemente VIII y Pablo V, y de ahí, la importancia de presentar la tregua en el contexto de la política europea".

I. LA REVUELTA DE LOS PAÍSES BAJOS (1559-1597)
Tras la abdicación de Carlos V y la Paz de Cateau-Cambrésis (1559), las Diecisiete Provincias quedan incorporadas a la nueva Monarquía Católica de Felipe II.

II. LA PAX HISPANICA EN EL CONTEXTO EUROPEO (1598-1617)
La paz con Francia era uno de los pilares básicos de la Pax Hispanica, y por ello los tratados de Vervins (1598) y Lyon (1601) se verán confirmados con los dobles matrimonios de 1615. La nueva estrategia de pacificación de los Países Bajos incluye la cesión de la soberanía de las Diecisiete Provincias y el Franco Condado como dote de la infanta Isabel.

III. LA TREGUA DE LOS DOCE AÑOS (1609-1621)
'La Tregua de los Doce Años' (1609-1621), supuso un paso decisivo para el desarrollo de un compromiso efectivo por la paz y la tolerancia en la cultura, el derecho internacional y la política europea. El conflicto cesará por fin con la Paz de Münster (1648), que reconoce formalmente la independencia holandesa.

Miguel Ángel Buonarroti "Genio y temperamento"

2010-01-14T10:59:00.009+01:00

El rapto de Ganímedes, dibujo de Miguel Ángel, realizado para Tommaso Cavalieri, conservado en el Castillo de Windsor.

Miguel Ángel, Primera parte: "El misterioso camino de la creatividad"

Escribir algo digno sobre la genialidad de Miguel Ángel, es un acto de responsabilidad, sobre el artista del Renacimiento está prácticamente todo contado, la historiografía es tan sabia que desde este artículo, no vamos a tratar nada nuevo.

Biografías sobre el artista toscano, existen millones en Internet, todos los manuales de Historia del Arte tienen la obligación moral de dedicar un espacio a Miguel Ángel.

Desde este blog en varios artículos, en enClave de Arte dedicaremos un espacio al temperamento, al carácter melancólico, a un genio de carácter difícil y dominante, pero que sin él, la historia de la escultura, se habría quedado viuda.

Miguel Ángel Buonarroti se presentó en el taller de Domenico Ghirlandaio en abril de 1488, a la edad de trece años, le acompañó su amigo Francesco Granacci, del fresquista de la Capilla Tournabuoni, en Santa María Novella (Florencia), aprendió todo lo indispensable en arte, diseño, composición.

En el estudio de Ghirlandaio, no se seguía un método ortodoxo de enseñanza, la filosofía básica estaba expresada en una placa colgada de la pared: "La guía más perfecta es la naturaleza. Continúa sin tregua dibujando algo todos los días".

Después de tres años en el taller, comenzó a frecuentar el Jardín de San Marco, en Florencia, pertenecía a la Familia Médici, enseguida despertó el interés en Lorenzo el Magnífico. Miguel Ángel fue acogido en el Palacio de la Vía Longa, allí conoció al círculo de humanistas y teóricos neoplatónicos como Poliziano, Marsilio Ficino y Pico della Mirandola.

Tras la muerte de Lorenzo el Magnífico, en 1492, Miguel Ángel huyó de Florencia a Venecia, después a Bolonia, instalándose en Roma en 1496. Allí inició una década de gran intensidad artística, La Pietá (1498), El David (1501), La Batalla de Cascina (1504).

En marzo de 1505 el Papa Julio II le encarga su tumba, un monumento funerario para gloria y prestigio del pontícife, el propio escultor entusiasmado con esta obra, permaneció en Carrara durante ocho meses para ocuparse personalmente de la elección y la dirección de la extracción de los mármoles necesarios. Miguel Ángel tenía pasión por la cantería, muy unido desde la infancia a la Cantera de Settignano, propiedad de la familia del artista, el mismo decía que la pasión por la piedra le venía de la leche que había mamado de su nodriza, la hija de picapedrero.

Artista enorme, longevo sólo le faltaron tres semanas para cumplir los noventa años, de fuerza titánica, corpulento, dominante, artista con mayúsculas.

Durante su vida su publicaron dos biografías, una importante y muy conocida, Las Vidas de Vasari (1550), y la de Ascanio Condivi (1553).

Como buen toscano, Miguel Ángel heredó el ambiente Güelfo (los Welfen de Baviera), aliados de la Iglesia, la clase media florentina. Siempre tuvo un gran sentido de la responsabilidad, desde que su hermano mayor tomó los hábitos en el Convento de San Marcuola, se sintió el elegido para cuidar y mimar a los suyos, tuvo un gran sentido del deber, tuvo deseo siempre de superarse socialmente, dignificarse como artista, no se casó, no tuvo familia.

Miguel Ángel fue un autodidacta, percibe y entiende el arte como el producto de una inspiración interior, como el "furor del alma", fue un ser solitario, de carácter difícil, aislado y enfrentado al mundo, en cierta ocasión escribía en sus cartas "No tengo amigos y no los quiero", él no se consideraba un maestro, no quería formar a discípulos, no tuvo ni quiso tener el don de la enseñanza. Como buen artista, era un ser abatido, depresivo, pero sin duda, creativo, soñador, melancólico.

En 1623 su sobrino nieto Leonardo publicó la obra poética de Miguel Ángel, el libro de los Sonetos, sus poemas contribuyen aún más a la producción de un artista tetradimensional, dominó la pintura sin considerarse pintor, la escultura, y la arquitectura. Como poeta no fue un escritor profesional, escribía en privado, para su íntimos, hasta 1833 no se reeditaron sus poemas.

Miguel Ángel pretendía en su obra poética interiorizar las teorías neoplatónicas del amor, haciendo grandes esfuerzos para conseguir un equilibrio emotivo que pocas veces consiguió. Dedicó parte de los poemas al joven Tommaso Cavalieri y a Vittoria Colonna, notable mujer del Renacimiento. Sería interesante recordar que el ambiente humanista de Florencia a finales del Siglo XV evocaba la Academia Platónica. Era frecuente en este ambiente, vincularse a un círculo social masculino en el cual la relación entre un hombre y un adolescente era considerada un sentimiento noble y honorable. Dentro de este contexto es donde se puede entender la psicología, el gusto y el arte de Miguel Ángel.

El artista creía que la belleza del hombre era superior a la de la mujer y, por lo tanto, el amor que sentía por Tommaso era una forma que tenía de rendirse ante la «belleza platónica». Nos gustaría leer el Soneto dedicado a Vittoria Colonna:

RIME 151: [NON HA L'OTTIMO ARTISTA ALCUN CONCETTO]
►Non ha l'ottimo artista alcun concetto

c'un marmo solo in sé non circonscriva

col suo superchio, e solo a quello arriva

la man che ubbidisce all'intelletto.

Il mal ch'io fuggo, e 'l ben ch'io mi prometto,

in te, donna leggiadra, altera e diva,

tal si nasconde; e perch'io più non viva,

contraria ho l'arte al disiato effetto.

Amor dunque non ha, né tua beltate

o durezza o fortuna o gran disdegno,

del mio mal colpa, o mio destino o sorte;

se dentro del tuo cor morte e pietate

porti in un tempo, e che 'l mio basso ingegno

non sappia, ardendo, trarne altro che morte.

Traducción del SONETO 151: [NO TIENE ÓPTIMO ARTISTA ALGÚN CONCEPTO]

►No tiene el gran artista ni un concepto
que el mármol en sí no circunscriba
en su exceso, mas solo a tal arriba
la mano que obedece al intelecto.
El mal que huyo y el bien que prometo,
en ti, señora hermosa, divina, altiva,
igual se esconde; y porque más no viva,
contrario tengo el arte al deseado efecto.
No tiene, pues, Amor ni tu belleza
o dureza o fortuna o gran desvío
la culpa de mi mal, destino o suerte;
si en tu corazón muerte y piedad
llevas al tiempo, el bajo ingenio mío
no sabe, ardiendo, sino sacar de ahí muerte.

Para conocer más sobre el carácter de Miguel Ángel, es imprescindible el libro de Wittkower,"Nacidos bajo el signo de Saturno". Genio y temperamento de los artistas desde la Antigüedad hasta la Revolución Francesa.

►Leer Cap. IV “Conducta excéntrica y nobles modales” (Pag. 76). En el siguiente artículo, haremos un recorrido por las obras más significativas de Miguel Ángel.

Lágrimas de Eros

2009-12-23T12:14:00.007+01:00

María Magdalena, 1876 Jules-Josep Lefebvre, Museo Hermitage, San Petersburg. Sala de las Alhajas, Fundación Caja Madrid.

El blog de enClavedearte termina el año 2009 con una aproximación a la exposición Lágrimas de Eros, presentada por El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid. En este capítulo, por la calidad de las obras y su exclusividad, hablaremos de las expuestas en el Museo Thyssen, este artículo tiene la intención de que el lector se acerque expresamente a la muestra, recordando que continúa la exposición en la Fundación Caja Madrid, en la segunda sede se muestran los capítulos de las Metamorfosis de Ovidio, en donde se narra entre otros mitos, el desenlace trágico de los amores entre Apolo y el príncipe espartano Jacinto, el mito de Endimión un joven pastor (o cazador) que dormía una noche en el monte Latmos, cuando la diosa de la Luna, Selene miró hacia la tierra y se enamoró de él, también se puede disfrutar de dos bellas suicidas Cleopatra, la petrificación marmórea, y Ofelia, la disolución en el agua.

Una interesante exposición dedicada a los tormentos de la pasión: el lado oscuro del deseo sexual. Hacen falta varias visitas para entender la muestra, en un solo día no resulta fácil digerir un tema tan complejo y tan sugerente a la vez.
El título de la exposición procede del último libro publicado en 1961 por Georges Bataille, Les Larmes d’Eros. El escritor indaga a fondo la íntima relación entre Eros y Tánatos, entre la pulsión sexual y el instinto de muerte. La identidad entre Eros y Tánatos sólo cobra sentido para Bataille en el contexto de la experiencia de lo sagrado.

La exposición que incluye 121 obras, entre pinturas, esculturas, fotografías y vídeos, está organizada temáticamente, cada sala dedicada a uno de los grandes mitos de Eros.
En la visita podemos ver una y otra vez ciertos motivos simbólicos, como las lágrimas, la ola y la espuma del mar, la cabellera, la serpiente, las ataduras de cuerda que dibujan la figura siempre igual y siempre cambiante de Eros. La forma sinuosa curva y el agua están presentes en todas las salas de la exposición.

En la Antesala del Nacimiento de Venus, destaca una fotografía, un close-up de Man Ray, Lágrimas (1932) procedente de la Galería Marion Meyer París, rostro maquillado, pestañas cargadas de máscara, las lágrimas son un recurso cosmético, cinco lágrimas de celuloide. Recuerda en cierto modo a las Dolorosas, lágrimas artificiales de cristal en la Escuela española, en esta pequeña antesala también son bonitas las cinco lágrimas de cristal de Kiki Smith, 1994, Caldic Collectie, Rotterdam. El arte como objeto hiperbólico ¿quién podría derramar lágrimas tan grandes?

En la Sala dedicada al NACIMIENTO DE VENUS, una versión de la Venus anadiómena de Emmanuel Amory Duval, Nacimiento de Venus (1862), Venus metamorfoseada, hija de la honda amarga, nacida en Pafos, en la Isla de Chipre, hija de Urano y de Gea, nada más idílico que el cielo y la tierra, Cronos castró a su padre Urano, esparciendo los genitales y lanzándolos al mar, de sus restos nació Aphros, de la espuma del mar, Duval se inspiró en la Venus de su maestro Ingres, obra del Museo Chantilly (París), Duval elimina los amorcillos y el recurso del espejo, recrea una bella escena, del caballo de Venus caen lágrimas amargas, gotas de agua marina. En la misma sala, a la derecha de Duval, otra maravillosa Venus, la Bañista de Adolphe Bouguereau (1870), en este caso parece que Venus se dispone a entrar en el baño, emparentada con la toillet francesa, en la postura de las manos acicalándose nos recuerda a la Venus anadiómena.

Abandonamos la curva dorada ondulada en vertical (el cabello sedoso de Venus anadiómena), para adentrarnos en la curva sinuosa horizontal serpenteante de la descarada serpiente, en la Sala dedicada a EVA Y LA SERPIENTE. La exégesis bíblica, tanto rabínica como patrística, atribuye y hace responsable a Eva del pecado, sería conveniente leer el capítulo 3 del Génesis para disfrutar, entender y valorar más esta sala, la exposición nos muestra a una Eva tentada y tentadora, …. Cuando Eva vio que el árbol era apetitoso, bello, deseable, útil para adquirir discernimiento, tomó de su fruto y comió, luego se lo dio a su marido, que estaba con ella, y él también comió” Gn 3: 6. En la sala Adán y Eva de Jan Gossaert (1508), en el cuadro la serpiente entrega el fruto prohibido a Eva, sigue la iconografía habitual de la Caída.
A finales del siglo XIX, los simbolistas se interesan por el erotismo y el mal, encarnados en la femme fatale, la serpiente emerge del cuerpo de Eva, desaparece la figura de Adán, ya no resulta imprescindible, ni siquiera para ser iconográficamente representado, un ejemplo en la exposición, es la Encantadora de serpientes de Henri Rousseau, expuesta por primera vez en el Salón de Otoño de 1907, una visión inolvidable del aduanero, Rousseau posee pocos obras, dedicaba mucho tiempo a sus pinturas, su obra presenta ese carácter tan naif que gusta y apetece tanto, ausencia de perspectiva, colores planos, detallista, exótico, Eva toca la flauta y se convierte en una encantadora de serpientes, las curvas de las serpientes se confunden con las ramas y las cañas, Eva nos recuerda a Orfeo, domina con la música el paisaje natural.

En la misma sala un relieve en madera de tilo, Soyez amoureuses et vous serez heureuses (enamoráos y seréis felices) de Gauguin, realizado hacia 1890, para su última morada en las Islas Marquesas. Junto al relieve de Gauguin, una famosa litografía de 1893 de Toulouse-Lautrec, la frágil y esbelta figura de Jane Avril, artista contorsionista conocida por el baile que ejecutaba dedicado a la danza de la serpiente.
La siguiente sala está dedicada a LAS ESFINGES Y SIRENAS, bellos y misteriosos seres híbridos, monstruos de origen mitológico, las esfinges y sirenas poseen cualidades como la voz musical, embaucadoras de cánticos con acertijos, sirenas náyades, nereidas o ninfas del agua salada, aparecen en la sala en forma de esculturas brutales, y provocadoras como el bronce Nature Study de la escultora Louise Bourgeois, en contraste con la esfinge desprovista de rasgos humanos, las sirenas más apacibles y amables de artistas como Burne Jones.
El desnudo y el mar se desarrollan en paralelo en la obra de Courbet, en la misma sala, podemos disfrutar de una de sus obras La Mujer en las olas (1868), Courbet pinta en primer término las olas, densos empastes en blanco, jugando con la espuma del mar.

La sala dedicada al MARTIRIO DE SAN SEBASTIÁN es bella, porque bella y poética es la imagen que conservamos del santo en la retina, cuando pensamos la iconografía del Renacimiento. San Sebastián perteneció a la guardia pretoriana del Imperio Romano, fue martirizado hacia el año 288
en época de Diocleciano, después de sobrevivir al martirio, fue cuidado por la noble Irene, este mensaje es ofrecido al visitante a través de fotografías contemporáneas muy interesantes. Destaca en la sala un San Sebastián de Bronzino (1525) del Museo Thyssen, el dibujo de Bronzino es eterno, las manos que pintan refuerzan la sensación de escultura, cotejamos en la sala una obra de Guido Reni del Prado con un San Sebastián de José de Ribera, procedente de San Martino (Nápoles).

ANDRÓMEDA ENCADENADA es otro de los mitos que ofrece la exposición, seguimos en el agua, curva humedad onírica presente en todas las salas, Andrómeda representa uno de los temas más repetidos en las Metamorfosis de Ovidio, el desafío a las diosas, y la consiguiente condena, Andrómeda, hija de los Reyes de Etiopía, presumía de belleza, de ser más bella que las ninfas oceánidas, fue condenada a permanecer encadenada a una roca amenazada siempre por el monstruo Ceteo. Por el aire volaba Perseo, que regresaba de dar muerte a la Gorgona, los dioses y semidioses siempre vienen de hacer algo, pasaba por ahí cuando… divisó a Andrómeda y acudió a liberarla, en la exposición destacan tres versiones de Andrómeda, las tres fundamentales para disfrutar del mito, al entrar en la sala, nos atrae como un imán la imagen de Gustave Doré, azul matizado en gris, la roca y el monstruo Ceteo. Doré (1869) nos anima a liberar a Andrómeda encadenada, a la derecha, la imagen de Perseo liberando a Andrómeda de Rubens(1640) nos sosiega, tranquiliza saber que Perseo desencadena finalmente a Andrómeda, junto a Rubens y distanciados en el tiempo por el abismo cronológico de doscientos años de pintura, El Caballero errante, de John Everett Millais (1870). Aunque carezca de fuente literaria precisa, la pintura prerrafaelita siempre es motivo para gozar en las colecciones de arte.

Llegamos al final de la exposición, la lectura de una cita literaria que aparece en el catálogo publicado con motivo de la exposición, nos ayuda a comprender el penúltimo silencio de las salas, EL BESO, el abrazo de los amantes. Cuando Perseo divisó desde el aire a la bella Andrómeda, según Ovidio gritó: “No son esas las cadenas que deberías llevar, sino aquellas que unen a los amantes ardientes”. En esta línea, enternece la obra de la visión que siempre nos muestra, la pintura tan atractiva de Edvard Munch, El vampiro (1893), intercambiados los papeles, disfrutamos de una escena compasiva de una joven pelirroja, que está siendo abrazada por el vampiro, destaca también una obra de Magritte (1928), Los amantes, la obra nos invita a revisar una vez más la biografía de Magritte, es necesario para compartir y comprender esta escena.

TRÁNSITOS es el nombre de la última sala, tres obras en video arte de Bill Viola, La Encarnación, Los amantes y Transformarse en luz (2005, 2008). Forman juntas un Tríptico de la vida, el agua, la muerte y el Renacimiento. Viola transforma la obra en un viaje alegórico por la vida, sumerge al visitante en el agua, la primera vez que entras en la sala, te impacta y deseas huir, la segunda vez te atrae, a partir de la tercera visita, ya no quieras salir, la obra ya te ha atrapado.
EnClave de Arte os desea todo lo mejor para el año 2010.

Letras con solera en Calcografía Nacional

2009-12-08T12:23:00.004+01:00

Historia, diseño y tecnología se encuentran en la exposición "Imprenta Real. Fuentes de la tipografía española", inaugurada el pasado viernes 4 de Diciembre en la Sala de Exposiciones de Calcografía Nacional de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y se podrá visitar hasta el 24 de enero.

Organizada por la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), la muestra cuenta con la colaboración de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y expone, en vitrinas-cajas, desde las herramientas que se utilizaban (los moldes y punzones) a manuscritos y libros antiguos impresos con la tipografía de la época, donde destacan, entre otros, ´El Quijote´ de 1780, libros de Tomás de Iriarte o Ramón de la Cruz o La Conjuración de Catilina de Cayo Salustio. También figuran fuentes digitales y libros interactivos digitales.

IBARRA REAL EN MICROSOFT

Imprenta Real. Fuentes de la tipografía española gira en torno al origen y evolución del diseño tipográfico nacional y consta de tres apartados. En primer lugar, se revisan los antecedentes caligráficos que llevan el visitante hasta el trabajo de Jerónimo Gil y el pendolista Francisco Javier de Santiago Palomares, los ´padres´ de la fuente Ibarra Real.Dicha fuente se creó para la considerada mejor edición del ´Quijote´, de 1780, y que está a punto de entrar en el catálogo tipográfico de Microsoft, siendo la primera de origen hispano en hacerlo. "Fue una edición hecha como contestación a la edición del ´Quijote´ en Inglaterra, puesto que antes no había ediciones tan buenas aquí", detalló el comisario.

La Ibarra Real es un tipo de letra entre las familias tipográficas que por su afamada trayectoria histórica merece la pena que identifique nuestra cultura en los nuevos soportes tecnológicos de comunicación e información de la era digital. Es una letra netamente española utilizada en una de las ediciones más sobresalientes y memorables de El ingenioso hidalgo Don Quixote de la Mancha, impreso por el obrador de la Imprenta Real, Joaquín de Ibarra. A él le debemos esta familia de tipos y este patrimonio tipográfico y cultural.

La Ibarra Real es una tipografía diseñada por Francisco Javier de Santiago Palomares y grabada por Jerónimo Antonio Gil. El impresor Joaquín Ibarra la seleccionó para la edición de El Quijote de 1780 encargada por la Real Academia Española. Dos siglos después, José María Ribagorda, tipógrafo y profesor de diseño, ha dirigido el proyecto de recuperación y digitalización de este tipo histórico con el apoyo institucional de la Calcografía Nacional.

Microsoft ha anunciado que en la próxima actualización de Windows, disponible antes de finalizar el año, incorporará la tipografía Ibarra Real a las fuentes que ofrece su sistema operativo. De entre las más de doscientas que ya presentan, algunas de ellas no están al nivel y tienen poco uso, mientras que otras tan famosas y utilizadas como la italiana Bodoni ni siquiera aparecen.

Juan Bautista de Maíno

2009-11-29T19:03:00.005+01:00

Francisco Pacheco y Jusepe Martínez mostraron gran admiración por Maíno (1581 - 1649), Anibal Caracci le describió en Roma como el maestro alcarreño, y Guido Reni le menciona como el "gran compañero".

Juan Bautista Maíno nació en Pastrana (Guadalajara) en 1581, hijo de un comerciante de telas de origen milanés y de madre lisboeta de origen noble, doña Ana de Figueredo trabajó al servicio de la duquesa de Pastrana, Ana de Mendoza y de la Cerda, Princesa de Éboli. Tenemos pocos datos de su juventud, pudo pasarla en Madrid, historiadores apuntan que pudo aprender con el Greco, aspecto aún no demostrable.

Después de pasar algún tiempo en Milán, llegó a Roma a comienzos de siglo XVII, permaneciendo hasta finales de 1610, fecha de la muerte de Caravaggio. Maíno experimentó en su pintura las novedades artísticas del momento en Italia: el naturalismo caravaggiesco y el clasicismo de la Escuela de Bolonia, la pintura de los Caracci. A su regreso a España recibe el encargo de Sor Ana de Morales, el Retablo del Convento de Concepcionistas Franciscanas en Pastrana, clausura bajo protección de la Princesa de Éboli.

En febrero de 1612 se encuentra en Toledo, realizando su gran obra: El Retablo Mayor para la Iglesia de San Pedro Mártir, trabajo de gran envergadura artística. Maíno supo respetar la orden de los dominicos, su ocupación en San Pedro Mártir, tuvo que fascinarle tanto que decidió permanecer en el convento, profesando desde el 27 de julio de 1613. Entre 1616 y 1618 fue nombrado profesor de dibujo del futuro rey Felipe IV. En 1619 acampañó a la Familia Real a Portugal, con motivo del juramento del rey como heredero al trono.

Vivió en la corte madrileña hasta su muerte en 1649, residiendo en la Casa Colegio del Convento de Atocha, cerca de la Plaza Mayor de Madrid. Maíno aún siendo religioso, no olvidó nunca el arte de la pintura, trabajando junto a otros artistas en la decoración del Salón de Reinos en el Palacio del Buen Retiro, realizó en 1635 una obra al margen de los convencionalismos del momento, la Recuperación de Bahía de Brasil, novedosa y grandiosa, lienzo colorista de pincelada densa, no se complace en el sufrimiento de los derrotados holandeses, supo pintar con vehemencia las nefastas consecuencias de la guerra.

En la exposición antológica que el Museo Nacional del Prado dedica a Juan Bautista Maíno, hasta el 17 de enero de 2010, hemos descubierto a un pintor que siempre ha estado "ahí", en el templo del arte, delante de nuestros ojos, en el Prado, y una vez más parece que nos hiciera falta una exposición monográfica, para "redescubrir" a otro de los grandes. Apenas se conocen 40 obras de Maíno, de ellas se pueden ver en la exposición 37, del Prado son 14 y las otras 23 proceden de lugares fantásticos como el Retablo de la Trinidad de las Concepcionistas Franciscanas de Pastrana, del Museo de Dresde (Alemania), Museo del Ermitage en San Petersburgo, y obra fundamental de colección privada.

La muestra también nos permite cotejar con más de 30 obras de otros maestros, que influyeron en Maíno como Caravaggio, Anibal Caracci, Guido Reni, Carlo Saraceni y Orazio Gentilleschi.

Juan Bautista Maíno trabajó en diferentes soportes y dimensiones, en la primera sala se pueden ver obras de pequeño formato, realizadas al óleo sobre cobre, son obras muy valoradas por su carácter delicado, miniado, entre ella destaca la Ascensión procedente de Dresde (Gemäldegalerie Alte Meister Staatliche Kunstsammlungen). En la misma sala, un maravilloso cuadro de Caravaggio, el Éxtasis de San Francisco (Hartford, Connecticut, Wadsworth Atheneum Museum of Art), realizado hacia 1596 para el Cardenal Francesco del Monte en Roma. Frente al manierismo de finales del XVI, Caravaggio pinta una obra serena, un paisaje crepuscular, pintura poética, naturalista, que influirá en las composiciones del fraile dominico.

Otra novedad de la exposición es la presentación de la obra cumbre de Maíno, el Retablo de San Pedro Mártir realizado en Toledo, en diferentes salas, como temas de pintura independientes. Las cuatro primeras telas forman parte de la sala dedicada a la Interpretación del Paisaje: San Juan Bautista, San Juan Evangelista, San Antonio Abad y Magdalena Penitente, composiciones alargadas características de la Escuela de Bolonia.

Según Jusepe Martínez, Maíno fue un excelente retratista, tuvo una gracia especial para el arte del retrato, "dulzura y belleza, aunque fuera feo el retratado", así nos lo muestra la sala de la exposición dedicada al Retrato, monumentales santos que flanqueaban el Calvario del Retablo de San Pedro Mártir, Santo Domingo de Guzmán, fundador de la orden dominica y Santa Catalina de Siena, de la Órden Tercera de Santo Domingo, si miramos a la derecha de Santa Catalina, nos encontraremos una maravillosa Sibila de Orazio Gentilleschi, podemos comparar con las figuras femeninas de Maíno.

En la siguiente sala podemos cotejar un Caballero desconocido de El Greco, de1603 y el Retrato de Caballero de Maíno hacia 1618, firmado en el centro del lienzo a la izquierda, su rostro delata salud, es una obra maestra, no vemos la espada, pero intuimos caballero por la presencia de pretina y talabarte.

En febrero de 1612 Maíno recibe el encargo más importante, El Retablo mayor de la iglesia de San Pedro Mártir en Toledo, quedaba demostrado el prestigio que había alcanzado un año después de su establecimiento en Toledo, en catorce meses pintó diez tablas, de diversos tamaños, por las dimensiones que presenta sería imposible verlo en las salas del museo de nuevo ensamblado, alcanzaría más de nueve metros de altura. La sala del Retablo confirma la grandeza que habíamos imaginado en las salas anteriores, nos creemos espectadores fieles del Siglo XVII, delante del Retablo la liturgia se transforma en color, captación luminosa y minuciosa, naturalista repleta de dignos personajes agasajando a la Sagrada Familia, el Retablo de las Cuatro Pascuas o de las Cuatro Fiestas Litúrgicas, los cuatro lienzos ocupaban las calles laterales dispuestas en dos pisos: de frente a la izquierda del Retablo, de arriba a abajo Pentecostés y La Adoración de los Pastores, a la derecha, La Resurrección y La Adoración de los Magos. En la misma sala, podemos comparar las obras de Maíno con La Adoración de los Magos de Velázquez y La Adoración de los Pastores de El Greco.

La penúltima sala está dedicada a la Representación de la Santidad, de frente como un imán, nos sentimos atraídos por el color seda carmesí del manto forrado, en terciopelo verde de Magdalena Penitente, de Colección particular, frente a la imagen que encarna la penitencia y el arrepentimiento, Maíno nos muestra una rica Magdalena, separándose del clasicismo trentista. La exposición termina con una sala que nos permite estudiar la relación que tuvo el dominico con Felipe IV, y el Salón de Reinos, en el Palacio del Buen Retiro de Madrid, Maíno pintó en 1635 La Recuperación de Bahía de Brasil, los derrotados holandeses ajenos a la alegoría y el triunfo militar de la corona española.

Con motivo de la exposición dedicada a Juan Bautista Maíno, el Museo del Prado nos ofrece un ciclo de conferencias y Cine: Miradas cinematográficas sobre la época de Maíno, la vida y obra de este artista español. http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/juan-bautista-maino1581-1649/actividades/

Lágrimas de Eros

2009-11-27T12:15:00.004+01:00

ANDROMEDA en las Lágrimas de Eros
Exposición temporal en el Museo Thyssen y en la Fundación Caja Madrid Sala de las Alhajas, Plaza de San Martín

Andrómeda es hija de Cefeo, rey de Etiopía, y de Cassiopea o Casíope. Su madre se jactó un día de ser más hermosa que todas las Nereidas, por lo que Posidón, ofendido, inundó el país y envió un monstruo. Consultado el oráculo de Ammón, anunció que la única solución era exponer a Andrómeda al monstruo, por lo que fue atada a una roca en la costa. En este instante llegó Perseo, que regresaba de matar a la Gorgona, enamorándose de ella. Acordó con Cefeo que, si mataba al monstruo, le concedería la mano de Andrómeda, y ambos realizaron su parte en el pacto. Se opuso sin embargo Fineo, tío y prometido de Andrómeda, y atacó con sus hombres a Perseo, el héroe les rechazó fácilmente, y dejando ver a sus enemigos la cabeza de la Gorgona, los convirtió en piedras.

Bajo el sugerente título de Lágrimas de Eros, el título del ensayo del francés Georges Bataille, la exposición tendrá como protagonista los tormentos de la pasión.
Un recorrido temático, en el que incluyen obras de José Ribera, Rubens, Gustave Courbet, Picasso, Saura, Dalí, Richard Avedon, Man Ray, Andy Warhol, Bill Viola o Henri Rousseau, y que se ha dividido en dos sedes. El propio Thyssen, nos desvelará los peligros mortales de la pasión erótica, la Fundación Caja Madrid, la erotización de la muerte.

Visitas programadas enClave de Arte a las dos sedes de la Exposición

* Grupo de mañana, martes 22 de Diciembre a las 10:00 h, en el Museo Thyssen Bornemisza, a continuación segunda parte de la visita a las 12:30 h, en la Fundación Caja Madrid, Sala de las Alhajas frente a las Descalzas Reales. Plaza de San Martín.

* Grupo de tarde, martes 22 de Diciembre a las 16:00 h, en el Museo Thyssen, continuando la visita a las 19:00 h, en la Fundación Caja Madrid.

+ información sobre la exposición en:

http://www.museothyssen.org/

http://www.fundacioncajamadrid.org/

Galería de imágenes, principales obras de la exposición, nos parece muy interesante la selección de obras que ha hecho elpais.com, os recomendamos seguir este enlace:

http://www.elpais.com/especial/museo-thyssen/exposiciones/lagrimas-de-eros/

Próximas Visitas enClave de Arte

2009-11-16T12:51:00.006+01:00

En enClave de Arte hemos creado un programa de visitas a exposiciones y museos, iniciamos el curso 2009 en octubre, con la Colección Permanente Carmen Thyssen - Bornemisza. Un recorrido por las exposiciones temporales más destacadas que se dan cita en los museos más importantes de Madrid. Si desea visitar las que hemos seleccionado, contacte con nosotros: madrid@enclavedearte.com

Hasta enero de 2010, enClave de Arte organiza las siguientes visitas de mayor actualidad en Madrid.

NOVIEMBRE EN EL PRADO

Juan Bautista Maíno (1581-1649) nos ofrece la oportunidad de explorar y conocer en profundidad la figura de Juan Bautista Maíno, artista al que hasta ahora no se había dedicado una exposición monográfica. La exposición está compuesta por 35 obras del pintor español y otras 31 pinturas de los autores que más influyeron en su formación, entre ellos Velázquez y Caravaggio. Visitas programadas a MAÍNO, entrada por la Puerta de Murillo frente al Botánico.
- Martes 24 Noviembre a las 12:30 h.
- Martes 24 Noviembre a las 16:00 h.
- Miércoles 25 Noviembre a las 12:30 h.
- Miércoles 25 Noviembre a las 15:30 h.

VISITAS EN DICIEMBRE
CALCOGRAFÍA NACIONAL en la REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO. Alcalá 13.
Una prestigiosa Institución dedicada a la conservación, promoción y difusión del Arte Gráfico. En Calcografía Nacional podremos recorrer las siguientes dependencias: Colección de láminas de grabado calcográfico, Talleres de estampación, Gabinete de estudios dedicado a la investigación y una sala Expositiva. Calcografía cuenta con Los ochenta cobres de los Caprichos, tras ser cedidos por Goya en 1803 al rey a cambio de una pensión a favor de su hijo, fueron depositados ese mismo año en la Real Calcografía. Las ochenta y dos láminas de los Desastres de la Guerra –cuatro de ellas grabadas al dorso de dos paisajes– y las dieciocho de los Disparates quedaron en la Quinta del Sordo tras la salida de Goya hacia Francia, siendo adquiridas en 1862.
Visitas programadas: Miércoles 9 de Diciembre a las 10:00 h y a las 15:30 h. Con esta visita recuperamos la clase del martes día 8 festivo, Inmaculada Concepción.

NAVIDAD en el MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA. LÁGRIMAS DE EROS
Una intensa exposición por el deseo y todos sus símbolos, las lágrimas, la ola y la espuma del mar, la cabellera o la serpientes, que el museo ha organizado de forma temática en las diferentes salas de su sede y de la Fundación Caja Madrid.
El recorrido de la muestra, con clásicos como Delacroix, Ingres o Rodin, nos lleva desde el romanticismo al simbolismo, y de éste al surrealismo y a los autores contemporáneos como Louise Burgeois, Robert Mapplethorpe, Nan Golding o el videoartista Bill Viola. El paseo por las salas del Thyssen y la Fundación Caja Madrid también propicia saltos atrás, flashbacks artísticos hacia el Renacimietno y el Barroco.
Visitas programadas a LÁGRIMAS DE EROS. Según el nº de participantes, hay reservadas cuatro visitas, con posibilidad de ver la segunda sede en Caja Madrid.
- Martes 22 de Diciembre, grupo de mañana, a las 10:00 h. y a las 11:30 h.
- Martes 22 de Diciembre, grupo de tarde, a las 16:00 h. y a las 17:30 h.

INAGURAMOS el segundo Trimestre en enero de 2010

en la FUNDACIÓN CARLOS DE AMBERES.

Visita a la Exposición "La Pax Hispánica y La Tregua de los Doce Años (1609-1621)". C/ Claudio Coello, 99.

Visitas programadas a la exposición:
- Martes 26 de Enero de 2010 a las 10:00 h. y a las 17:00 h.
- Miércoles 27 de Enero de 2010 a las 10:00 h. y a las 17:00 h.

Basílica de San Pedro en Roma

2009-11-08T10:56:00.005+01:00

Bajo los cimientos de la Basílica de San Pedro, se encuentra el pasado más remoto de la ciudad de Roma, en su estado actual es una creación del Renacimiento y del Barroco, pero tiene a sus espaldas una larga historia arquitectónica, iniciándose en el siglo I d.C. en la época romana.

Evolución de la planta desde el siglo I hasta el Barroco

- Primera etapa, preconstantiniana: La basílica actual es el resultado de una obra desarrollada durante varios siglos. En tiempos de los emperadores Calígula (37-41), Claudio (41-54) y Nerón (54-68), fue un gran circo que tenía en el centro una espina adornada con un obelisco traído de Heliópolis, en el 37 d.C. En los alrededores surgió un cementerio camposanto, donde se enterraban a los cristianos martirizados, entre ellos San Pedro, apóstol llegado de Palestina y crucificado en el año 64 d.C.

- Segunda etapa, constantiniana:

En el año 319, el emperador Constantino, tras haber permitido el culto a la religión cristiana con el famoso Edicto de Milan en el año 313, comenzó la construcción de una gran basílica de cinco naves, ricamente ornamentada con mosaicos, frescos y monumentos sepulcrales, un crucero y un ábside, en cuyo centro se colocó la tumba de San Pedro. Una escalinata y un pórtico a los pies, ante el que se detenían los no bautizados, completaban el conjunto arquitectónico. El edificio constantiniano se mantuvo en pie hasta el siglo XV. Mientras tanto, el circo romano de Nerón fue quedándose lamentablemente en ruinas, en parte porque muchas de sus piedras fueron utilizadas para la nueva iglesia.

- Tercera etapa, el Vaticano recinto medieval:

En esta época el conjunto se convirtió en un lugar de veneración, un lugar de peregrinación.

Ante el altar mayor de esta iglesia, fueron coronados muchos emperadores, en el día de navidad del año 800, lo fue Carlomagno, a quien el Papa León II impuso la corona imperial romana. Después de que los árabes saquearon la basílica, en el año 846 se construyó una muralla, levantada en la época del Papa León IV (847-855), dando origena la Ciudad Leonina, núcleo espiritual de la Nueva Roma de la Edad Media. Bajo Eugenio III (1145-1153) e Inocencio III (1198-1216) se erigió el primer Palacio Medieval. En 1305, la sede papal fue transferida a Aviñón, Roma y la Basílica quedaron abandonadas durante más de un siglo.

-Cuarta etapa, primer Renacimiento:
El Papa Nicolás V en 1452 encargó su reconstrucción a Bernardo Rosellino, un nuevo ábside que sobresalía con respecto a la iglesia de Constantino, poco después la Caída de Constantinopla, obligó a abandonar las obras. En 1480 el Papa Sixto IV (1471-1484), comenzó la construcción de una una gran capilla, la Capilla Sixtina decorada con los frescos de los mayores pintores del momento como Sandro Botticelli, Luca Signorelli, Perugino, Pinturicchio y Ghirlandaio.

-Quinta etapa, Renacimiento Clásico siglo XVI:

Es con Julio II (1503-1513), cuando se reinician las obras acogiendo el diseño propuesto por Bramante.
La construcción del edificio actual se inicia entonces el 18 de abril de 1506. El proyecto, dirigido por Bramante, consistía en un edificio con planta de cruz griega inscrita en un cuadrado y cubierta por cinco cúpulas (un claro ejemplo de planta centralizada, típica del renacimiento y de su interés por la geometría); la central en el crucero y las restantes en los ángulos; los trabajos se iniciaron con la demolición de la basílica previa, donde supuestamente se encontraban los restos de San Pedro. Bramante murió en 1514, el papa Julio II murió un año antes, ninguno de los dos disfrutaron en vida del ilusionante proyecto, ya en la epoca del papa médici, León X (1513-1521), los sucesores de Bramante, Rafael, Fra Gioconda da Verona y Giuliano de Sangallo cambiaron este plan genial; a su muerte solo se había edificado poco más que los cuatro grandes pilares que debían sostener a la gran cúpula central.

Posteriormente, el Papa Pablo III (1534-1549) encomendó la dirección de las obras a Miguel Ángel, que retomó la idea de Bramante de planta en cruz griega. su cúpula se convirtió en modelo y paradigma para todo el mundo occidental, a pesar de su peso parece flotar en el aire.

-Sexta etapa, Barroca:

A la muerte de Miguel Angel casi se había logrado terminar el cimborrio sobre el que Giacomo della Porta y Domenico Fontana erigieron (1588-1589) la gran cúpula concebida por Buonarroti. A partir de 1607, Carlo Maderno completó definitivamente la obra, transformando por deseo de Pablo V (1605-1621), la planta de cruz griega en otra de cruz latina a la que añadió tres arcadas y el pórtico de la entrada y realizó la fachada. Terminada en 1612, la basílica fue consagrada por Urbano VIII en el 1626. Actualmente tiene una longitud de 186 metros, una superficie de 15.160 metros cuadrados y la altura de su cúpula es de 119 metros. Hay que destacar, asimismo, el baldaquino de bronce con las cuatro maravillosas columnas a espiral, obra también de Bernini, la Piedad de Miguel Angel y cinco puertas que se asoman a la fachada, bajo la galería de las Bendiciones. Una cruz designa esa Puerta Santa. Esa misma Puerta Santa fue abierta con una solemne ceremonia en el Gran Jubileo del 2000.

Paisaje norteamericano del Siglo XIX

2009-11-02T11:01:00.006+01:00

Un capítulo de la historia del arte muy poco conocido en Europa, a pesar de su innegable contribución a la tradición paisajística de la pintura occidental.

La Colección Thyssen-Bornemisza, propone un espacio importante dedicado a la desconocida Pintura Norteamericana del Siglo XIX, abarca un arco cronológico (1825 - 1875), que va desde el romanticismo al naturalismo, arranca con la figura de Thomas Cole, el padre del paisajismo norteamericano y finaliza con Winslow Homer, un pintor que anuncia ya la pintura moderna.

El paisaje norteamericano es la Historia de una emigración constante. Sus seguidores, los pintores de la ESCUELA DEL RÍO HUDSON, cuya actividad comienza en los años posteriores a la Independencia de los Estados Unidos, fueron quienes protagonizaron la consolidación de la pintura americana como escuela nacional. Los pintores de esta escuela comparten y disfrutan en sus obras del Magnetismo de lo salvaje:Transforman la naturaleza en poesía. En sus obras, existen Paisajes reales, Paisajes soñados. Visión sublime de la Naturaleza. Pequeños y tranquilos cuadros luministas: Depurada y minuciosa elaboración. Los artistas de este movimiento disfrutaron de una situación acomodada, lo cual les permitió realizar fabulosos viajes por América, muchos de ellos regresaban con frecuencia al viejo continente

Cuando hablamos de pintura del Siglo XIX y de sublime inevitablemente nos viene a la mente el arte del pintor romántico alemán Kaspar David Friedrich (1774 - 1840), Aprovechamos la presencia en el blog, para recordar y animar a nuestros seguidores, a que visiten la maravillosa exposición sobre Friedrich, que actualmente se puede ver en la Fundación Juan March "El Arte de Dibujar" hasta el 10 de enero de 2010. http://www.march.es/arte/madrid/temporal/romantica.asp

LOS PROTAGONISTAS DE LA ESCUELA DEL RÍO HUDSON

THOMAS COLE (1801-1858) es conocido como el fundador de la Escuela del río Hudson. Británico de nacimiento, su familia emigra a América siendo él muy joven (17 años) por lo que puede considerarse un pintor plenamente americano. Cole descubre la belleza del río Hudson en 1825, al emigrar a Nueva York, y comienza a crear sus primeros esbozos y bocetos al aire libre. Aquí pinta algunas de sus obras más famosas, como The falls of Kaaterskill. Su amor por el paisaje americano se demuestra cuando, tras viajar a Europa -especialmente a Italia-, encuentra el paisaje del Viejo Continente frío y desolado. Al final de su vida se establece en los Catskills, donde pinta la serie The voyage of the life.
ASHER BROWN DURAND (1796-1886), aunque mayor que Cole, se introduce en el paisaje tras conocer las obras de éste. Más romántico y menos fiel a la realidad que Cole, sus obras son no obstante más bellas y poéticas, con claras influencias de maestros como Meindert Hobbema o Claudio de Lorena. Es creador de obras tan célebres como Kindred Spirits (espíritus afines) o Las hayas.
ALBERT BIERSTADT (1830-1902) emigró de Europa con su familia siendo un niño a Massachusetts. Es uno de los primeros pintores en representar la grandiosidad del Oeste Americano, destacando sus vistas del parque de Yosemite, el valle del río Kern o las White Mountains. Es el más prolífico de todos los pintores americanos de su época.
FREDERICK EDWIN CHURCH (1826-1900) es discípulo y admirador de Thomas Cole, a quien dedica muchos de sus obras. Church representa la culminación de la Escuela del río Hudson: posee el amor por el paisaje de Cole, el lirismo romántico de Durand y la grandilocuencia de Bierstadt, siendo más valiente y técnicamente más dotado que cualquiera de ellos. Se trata sin duda de uno de los mejores paisajistas de todos los tiempos, tal vez sólo superado por Turner y algunos impresionistas y postimpresionistas de primera linea como Monet o Cézanne. Poco a poco el paisaje americano se le queda corto a Church, y pinta obras maestras exóticas como Cotopaxi, o el onírico Above the clouds at sunrise.

En una segunda línea podemos situar a SANFORD ROBINSON GIFFORD (1823-1880), tal vez el más dotado pintor de la segunda generación (Bierstadt y Church al margen), JOHN FREDERICK KENSETT (1816-1872), gran marinista y retratista del Monte Washington, WILLIAM TROST RICHARDS (1833-1905), WORTHINGTON WHITTREDGE (1820-1910), de formación germana al igual que Bierstadt, JASPER FRANCIS CROPSEY (1823-1900), MARTIN JOHNSON HEADE (1819-1904), atraído, al igual que Church, por los paisajes exóticos. Por último, un pintor que por sus intereses, se aleja ya de la Escuela,

WINSLOW HOMER (1836 - 1910) artista naturalista que ya no estaba interesado, como sus predecesores, en captar la espiritualidad o los valores morales de las tierras americanas, sino en los valores formales de la pintura.

Obras maestras de la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza

2009-10-23T14:11:00.006+02:00

PRÓXIMA VISITA enClave de Arte
MARTES 27 octubre

Obras Maestras de La Colección Thyssen-Bornemisza

En enClave de Arte hemos creado un programa de visitas a exposiciones y museos, iniciamos el curso 2009 con una Colección Permanente, que completa y enriquece el discurso museográfico del Museo Thyssen - Bornemisza.

La colección que alberga el Museo Thyssen-Bornemisza nos introduce en los gustos y preferencias de sus dos principales artífices, los barones Heinrich Thyssen-Bornemisza (1875-1947) y Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza (1921-2002). Formados en la tradición artística centroeuropea, ambos prestaron especial atención al género del retrato y del paisaje.

Desde el 2004 también forma parte del Museo la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza con más de doscientas obras que vienen a completar los estilos y géneros ya presentes en la Colección Permanente.

La Visita se inicia en la segunda planta, nueve salas comunicadas entre sí, dedicadas a la Pintura italiana del siglo XVII, Pintura Flamenca y holandesa del siglo XVII, Pintura Norteamaericana del siglo XIX, Naturalismo y Mundo rural, la sala del Primer Imprsionismo, enlaza elegantemente con las primeravanguardias. Destaca en esta segunda planta, la visita a la Gran Galería de Vistas y Paisajes.

Continuamos el recorrido en la primera planta, ocho salas dedicadas a la pintura tardoimpresionista, postimpresionista y las primeras vanguardias, desde el Expresionismo alemán y la pintura fauve hasta el Cubismo y otras manifestaciones del arte abstracto.

Si desea más información sobre la visita, contacte con nosotros:

Manuela Rodríguez Paredes

enClave de Arte

648 212 369

Arquitectura del Siglo XVI Donato Bramante

2009-10-23T12:14:00.009+02:00

CLASICISMO Y MANIERISMO

La palabra "clásico" produce impresión de frío, según Heinrich Wölfflin (1864 - 1945), historiador del arte, de la escuela formalista de finales del siglo XIX, el arte clásico es "eternamente antiguo, eternamente muerto".

El arte Renacentista es en esencia, fruto de las academias, como decíamos en el primer capítulo de este blog, es el arte tridimensional, que aúna la investigación, la ciencia con la educación.

La Historiografía clásica divide el Arte del Renacimiento en el siglo XVI, en dos períodos:

* Clasicismo de 1500 a 1530: período de perfección, armonía, equilibrio, concordia entre la Antigüedad y el cristianismo. Síntesis del arte romano.

* Manierismo de 1530 a 1600: significa transgresión, maniera, estilo de posturas forzadas, dramatismo, color. A partir de esta etapa, los artistas empiezan a cuestionar los dogmas clásicos, quieren interpretar libremente.

ARQUITECTURA SIGLO XVI

Frente a la arquitectura del siglo XV, sistematizada, articulada, matemática (Filippo Brunelleschi), la arquitectura del siglo XVI, adquiere parámetros más plásticos, más estéticos.

Se retoman con fuerza los elementos sustentantes: el pilar, muro y columna toscana. Los arquitectos del siglo XVI, se alejan de la planta basilical de tres naves, recuperan la planta centralizada. Surge de nuevo en el lenguaje arquitectónico la palabra "templo".

SAN PIETRO IN MONTORIO

El creador del estilo arquitectónico clásico del XVI, fue el DONATO BRAMANTE (1444-1514), nacido en Monte Asdrualbo (Urbino), empezó a trabajar como pintor con Melozzo da Forli y Piero della Francesca, a partir de 1474 es llamado por Ludovico Sforza, el duque de Milán para completar el conjunto de Santa María della Grazie, en donde coincide con Leonardo Da Vinci, en estos momentos, Leonardo trabaja en su obra "La Última Cena".

Entre 1502 y 1503, Bramante realiza su obra más conocida "San Pietro in Montorio", se inicia así su etapa romama que culminará con el proyecto de la planta de San Pedro en el Vaticano.

El "Tempietto" de San Pedro ubicado en el Barrio de el Trastevere (al otro lado del Tíber), representa el primer monumento del pleno Renacimiento, erigido en el cortile del Convento franciscano en Roma, hoy Real Academia Española http://raer.it/

Bramante construyó un oratorio de única cella en forma de "Tholos" griego, sobre la memoria del martyrium de San Pedro año 64 D.C. La obra fue apoyada por los Reyes Católicos con motivo de la conmemoración de la Toma de Granada de 1492.

San Pietro es circular porque representa la perfección cósmica, en su arquitectura podemos estudiar equilibras proporciones, que se atienen a la medida humana, a diferencia de la arquitectura romana y cristiana, Bramante se concentró en la estructura exterior, renunció a la decoración del espacio interior.

El edificio se compone de un núcleo cilíndrico de dos pisos coronado, coronado por una cúpula semiesférica. El núcleo está rodeado de dieciséis columnas de orden toscano de granito, sobre las columnas descansa un entablamento de inspiración griega, compuesto por cornisa, friso y arquitrabe, en el friso compuesto de triglifos y metopas, aparecen símbolos litúrgicos propios de la iconografía de San Pedro. Sobre el friso, un tambor con alternancia de vanos y hornacinas en donde aparecen una bella decoración de veneras. Bramante aporta al templo, el empleo de una balaustrada, que hace del edificio, un conjunto elegante y moderno.

San Pietro es rematado por una cúpula de perfil gallonado con los escudos del reino español. Bramante se inspira en el templo romano dedicado a Vesta, del siglo I a.C.

El conocimiento científico en el Renacimiento

2009-10-16T16:14:00.024+02:00

En enClave de Arte hemos creado un blog, donde publicaremos breves apuntes sobre la Historia del Renacimiento, sobre las exposiciones y eventos culturales en Madrid, sobre todo lo que pueda ser interesante y responsablemente cultural.

BREVES APUNTES SOBRE LA ESTÉTICA DEL RENACIMIENTO

Hace dos semanas y tras el período estival comenzamos nuestro curso: “El Arte del Renacimiento italiano: Arquitectura, Escultura y Pintura del Cincuecento. La difusión del Renacimiento en Europa”. El reencuentro fue como siempre, maravilloso, alumnos reincidentes rebosantes de frescura, mentes dispuestas a escuchar y a aprender, el curso se presenta interesante, cargado de energía, y es que cada año tiene que ser distinto, por eso y en esta ocasión, es especial, hemos apostado por nuestro propio proyecto:

Hoy empezamos con BREVES APUNTES SOBRE LA ESTÉTICA del RENACIMIENTO, no son discursos retóricos, esencialmente son fragmentos de los apuntes del curso actual, el programa del curso aparece en nuestra web.

LA UNIVERSIDAD CIENTÍFICA EN EL RENACIMIENTO

El sistema educativo en la Europa del Renacimiento giraba en torno a cinco facultades: Telogía, Medicina, Derecho canónigo, Derecho Civil y Artes. La Ciencia y la Investigación, las Letras y la Razón, el hombre del Renacimiento era un Humanista Tridimensional, concebía las Artes Liberales no serviles como razón de peso, como la base de la Educación, y así se recuperaron las Siete Esferas de Martianus Capella, retórico medieval del siglo V. Se enseñaban las Artes Liberales del Trivium - Gramática, Retórica y Dialéctica (Lógica) - y del Quadrivium - Aritmética, Geometría, Música y Astronomía -. Disciplinas científicas que fueron parte importante de la enseñanza universitaria superior en el Renacimiento.

ARTISTA HUMANISTA - ARTISTA TRIDIMENSIONAL

El artista del Renacimiento sentía gran admiración por la cultura griega y romana, modelo de civilización superior, en las ciudades mediterráneas todavía se exhibían muchos restos romanos, que inspiraron el estudio de los autores antiguos. De la recuperación del tratado del Siglo I a.C. "De Architectura" de Vitrubio, derivó en gran medida el estilo arquitectónico renacentista. Uno de sus principales impulsores fue Palladio, creador de las grandes villas del XVI, actualmente podemos disfrutar de Palladio (1508 - 1580), en la Caixa Forum, hasta el 13 de diciembre, una oportunidad única en su quinto centenario, para valorar el valor de las edificaciones y del conocimiento de la arquitectura clásica, más de 180 obras -dibujos, maravillosas maquetas a gran escala, lienzos y libros como su célebre tratado I Quattro Libri dell'Architettura.

+ info en Caixa Forum http://obrasocial.lacaixa.es/apl/actividades/activitats.actividad_es.html?idActividad=33401

ABANDONO DEL TEOCENTRISMO

Los ideales humanistas permitieron a los sabios independizararse de la religión para convertirse en verdaderos científicos. El Hombre del Renacimiento se sirve del Humanismo como vehículo de manifestación ideológica y literaria, y frente al teocentrismo y la escolástica medieval, el Humanismo defiende el antropocentrismo, la formación integral del Hombre, y llevado al Arte, Arte a escala humana hecho por y para el hombre.

Hasta el siglo XIX, el artista del Renacimiento era considerado como un ser pagano mundano, por llevar a las últimas consecuencias la pintura mitológica, sólo con conocer a Botticelli, nos daríamos cuenta de la falsedad de esta teoría, Botticelli, y una gran parte de pintores del Renacimiento Temprano expresaron en su arte ese intento de reconciliar la tradición judaica cristiana con los temas de la Antigüedad clásica, fueron pintores neoplatónicos, si entendemos el Neoplatonismo, como el movimiento filosófico que nace en Alejandría en el siglo III, y que muestra una gran admiración por la Belleza y el Amor, temas esenciales de la pintura de los siglos XV y XVI.

RENACIMIENTO "Síntesis de inquietudes"

Las artes convierten la Belleza en un bien supremo, la Arquitectura, Escultura y Pintura pierden su rigidez, la aplicación de la perspectiva, la búsqueda del volúmen, la estética pictórica, tienen en las Artes Mayores un camino nuevo de expresión, los artistas se vuelven polifacéticos, poco a poco van alejándose de los cánones estrictos de belleza, para buscar modelos más libres, el artista ya no es un mero artífice, ya no es un artesano, deja de ser la conciencia de los grandes mecenas para convertirse en un espíritu libre, surge la conciencia de artista, y es en este punto tan relevante y fascinante, es cuando os emplazo a la siguiente entrega de estos breves apuntes de estética y el conocimiento en el Renacimiento.

Y EN EL PRÓXIMO CAPÍTULO...

Trataremos temas tan interesantes como Clasicismo y Manierismo, por qué fue tan breve el Clasiscismo, cuáles fueron los motivos aparentes de la Crisis en el Arte, a la muerte de Rafael, estos y otros aspectos serán tratados en nuestro siguiente blog. Hoy hemos hablado de artistas neoplatónicos, de Humanismo y de Antropocentrismo, de la ética individual. Y en esta noche de otoño no despedimos con una frase de Pico della Mirandola, el autor imagina que Dios le dirige al hombre estas palabras, otorgándole la dignidad humana, la dignitas homini, ausente en la visión negativa medieval:

"Te he colocado en el centro del mundo y no te he hecho ni celeste, ni terreno, ni mortal, ni inmortal, para que, como libre y soberano artífice de ti mismo, te forjes ségún la forma que tú mismo elijas".

Manuela Rodríguez Paredes. Profesora del Curso “El Arte del Renacimiento italiano: Arquitectura, Escultura y Pintura del Cincuecento. La difusión del Renacimiento en Europa”.