Arte Barroco III. Escultura Características, Temática, Técnicas, Recuperación de los Gremios Artesanales en el Siglo XVII

Basílica de San Pedro
Vista del interior El Baldaquino, diseñado y construido por Gianlorenzo Bernini, cubre la tumba del Apóstol San Pedro, recordando las palabras de Jesucristo

"Tú eres Pedro y sobre esta piedra edificaré mi Iglesia".

Detalle del Baldaquino San Pedro Bernini

Rapto de Proserpina Bernini. Galería Borghese.

El David. Bernini Galería Borghese http://www.galleriaborghese.it/

Detalle de la escultura El elefante, Arte barroco de Gian Lorenzo Bernini, Piazza della Minerva.

Escultura Barroca Características

1)Temática Religiosa – Imaginería del Concilio de Trento, obras piadosas y Temática Mitológica – Histórica Alegórica. Retrato.
2)Materiales: Variedad y riqueza Mármol, bronce, alabastro, madera policromada (España). Combinación de materiales (Bernini).
3)La escultura omnipresente en la arquitectura (Capillas Iglesias, plazas, fuentes..) Relación formal de las BBAA. Disputa entre la escultura y la pintura. El desencuentro comenzó con Alberti “Eternidad frente a fragilidad…”
4)Se intensifica la sensibilidad del creyente, fomentando los pasos barrocos (“al paso”) de la pasión de Cristo. “Paso Procesional” (del latín passus, paso - sufrimiento).
5)La escultura busca sentir a los santos y mártires como personas vivas y reales, que sean ejemplos a seguir a través de las imágenes, que sean próximas a su realidad cotidiana (Leer texto fotocopia Trento)
6)Se multiplica la demanda de retablos e imágenes de culto.
7)Tendencia a representar al ser humano con total objetividad, naturalismo frente al idealismo, rozando a veces la “vulgaridad”. Deseo de realidad, imágenes vestideras (Barroco en España).
8)Composición: Esquemas libres de geometría, composición asimétrica frente al equilibrio clásico del Renacimiento.
9)Líneas abiertas Movimiento, inestabilidad frente a la calma, amplitud de ropajes - Proliferación de pliegues.

10) El claroscuro (italiano, chiaroscuro) es una técnica artística (en pintura grabado, y escultura) consistente en el uso de contrastes fuertes entre los volúmenes iluminados y la sombra.
En escultura apenas es perceptible, si hay relieve hay claroscuro.
11) Técnica del Escorzo: cuerpo en posición oblicua o
perpendicular a nuestro nivel visual.
El efecto de escorzo existe en
todos los cuerpos con volumen.
12) Predominio de diagonales, cuerpos sesgados, oblicuos, helicoidal, ondulante, esquema CONTRAPOSTO o SERPENTINATO . Italianismo, que significa la oposición armónica de las partes del cuerpo humano.
13) La Luz es fundamental, crea efectos de claroscuro, amplia el volumen.
14) Barroco = Capricho de la naturaleza, extravagancia de un pensamiento. Arte de la Fantasía, gozar estético, creación de efectos agua, luz. Retablo Barroco es el protagonista: Expresión cielo abierto, Gloria, Visiones, Apoteosis, Visiones y
Transverberaciones.
15) Recuperación del Gremio, el Taller Crisol
del arte, jerarquía Aprendiz, oficial y
maestro, perdido en el Renacimiento.

RT Lectura recomendada: “El artista en
la sociedad española del Siglo XVII”
Autor: J.J. Martín González.
Ensayos Cátedra Madrid 1984, leer capítulo 1
Aprendizaje, el taller y contratación de obras.

Arte Barroco I. Arquitectura Características. Sentimiento vital del Barroco, "Theatrum mundi" El Teatro del mundo

"El Arte Barroco en Roma. Bernini y Borromini. Arte religioso de la Contrarreforma"

Característica principal de la arquitectura barroca fue la utilización de composiciones basadas en líneas curvas, elipses y espirales, así como figuras policéntricas complejas compuestas de motivos que se intersecaban unos con otros. La arquitectura se valió de la pintura, la escultura y los estucados para crear conjuntos artísticos teatrales.

Fachada y planta Iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane Roma,

diseñada por Francesco Borromini en 1637.

Características generales del Arte Barroco

•1) La búsqueda del movimiento real, por el hecho de que se construyan edificaciones con paredes ondulada.
•2) Intento de sugerir el infinito: Perspectiva, ilusión que crea el espacio.
•3) La importancia de la luz y de sus efectos.
•4) El gusto por la teatralidad, por lo escenográfico y fastuoso.
•5) La tendencia a mezclar las disciplinas artísticas.

Contexto Histórico

El término “Barroco” como concepto de estilo y de época. El sentimiento vital del Barroco.
•“Theatrum mundi”, el gran teatro del mundo. Las Bellas Artes en el Barroco:

•Las obras de Calderón plantean los temas del Barroco:
•La interpretación ante Dios (la apariencia).
•Ser y parecer, ostentación y ascetismo…
•La Libertad y el destino en “la vida es sueño”.
•Los últimos versos de este monólogo son los que dan nombre a la obra:
•¿Qué es la vida?

Un frenesí.

¿Qué es la vida?

Una ilusión,

una sombra,

una ficción,

y el mayor bien es pequeño,

que toda la vida es sueño,

y los sueños, sueños son.

Características de la arquitectura
- La arquitectura barroca tuvo el objetivo de emocionar y llamar la atención del espectador.

- El uso de la línea curva, tanto en las estructuras de los edificios como en la decoración.
- Destaca el uso de las columnas salomónicas, que son las que están en espiral, y da una sensación de movilidad.
- La utilización de efectos luminosos en los edificios a través de movimientos concavos convexos.

- La abundancia de decoración y de adornos en las fachadas e interiores.
- Riqueza de materiales, especialmente en las Iglesias, para producir una sensación de lujo, ostentación.

- Una de las preocupaciones del Barroco son los grandes recintos públicos urbanos. Es frecuente que en las ciudades más importantes se lleven a cabo plazas mayores de enorme superficie y suntuosidad.

- Se dice que el estilo barroco más que un estilo de arquitectura es una forma de decoración arquitectural.

Urbanismo Sixto V
•1) Integrar en un único sistema de calles principales las diversas obras realizadas por sus predecesores, enlazando las iglesias más importantes y otros puntos clave de la ciudad.
•2) Crear "una ciudad estética” que supusiera la superación de la actual configuración de calles y espacios públicos. Strada Felice = Vía feliz, ruta oportuna…
•3) Suministro del agua para llevar el agua a los barrios altos de la ciudad, construye el Acqua Felice, incorporando parte de los antiguos acueductos Marcia y Claudia. El acueducto Felice supuso un recorrido de once kilómetros y un suministro de 18.000 m. cúbicos de agua por día.
•4) Unión de las siete iglesias de peregrinación de Roma, entre San Juan de Letrán, San Pedro en Vaticano, Santa María Maggiore, San Pablo extramuros y San Lorenzo extramuros, iglesias primitivas, y dos más que gozaron de veneración especial, San Sebastián y Santa Croce.

Tridente de la Piazza del Popolo

“Santa Maria di Montesanto” y “Santa Maria dei Miracoli”
•La Piazza se califica como "entrada" a la "Città Santa".
•Lugar de encuentro de tres calles: Corso, Babuino y Ripetta.
•En 1589 se añadía a un obelisco que convirtió a su espacio en un nudo urbano. En 1662 se inicia la construcción de dos iglesias semejantes en cuanto a su escala, trazadas por el arquitecto Carlo Rainaldi.
•Se levantan simétricas entre las tres calles radiales.

Concilio el dogma – Repercusiones en El Arte

•1) Definir el dogma de Fe. Justificación por las obras.
•2) Importancia 7 Sacramentos.
•3) Veneración Virgen María y a los santos.
•4) Arquitectura: El Gesú.
•5) Escultura: Imágenes piadosas.
•6) Pintura: Adoctrinar como norma.
•7) Recuperación de la Inmaculada Concepción.
•8) Arte de Propaganda de la Iglesia.
•9) Ostentación, lujo frente a la austeridad (Altar).
•10) Arte profundamente religioso (teatral).

LA ARQUITECTURA BARROCA EN ITALIA.

Características Generales:

Movimiento y curva.
Integración en el espacio urbano.
Condiciona la escultura y la pintura.
Búsqueda de efectos teatrales de la luz.
Combinación de espacios diferentes: plantas elípticas, circulares,….
Plazas como centro.

Empleo de materiales ricos.
Muros curvos: juegos de perspectiva.
Columnas con movimiento (salomónicas, cariátides,).
Arcos de formas variadas y frontones partidos y curvos.
Diferentes tipos de cúpula.
Profusión de elementos decorativos

Rafael de Sanzio (1483 - 1520)

Sala de la Signatura (1508-1511)

La Estancia del Sello Escuela de Atenas

El más joven de los tres maestros del Cincuecento, RAFAEL DE SANZIO, el pintor de Urbino, equilibrado, sereno, con buen juicio, sólo vivió 37 años.
Rafael fue el pintor del siglo XVI, que mejor supo interpretar el ideal de belleza y el gusto por el Clasicismo. Pensaba que la belleza debía ser encontrada en la naturaleza y en los sentimientos. Pintor de pintura afable, sensible, coleccionar obra de Rafael era sinónimo de buen gusto, estuvo rodeado siempre de altos dignatarios de la corte, en el círculo de eruditos del Papa Julio II.Además del lenguaje comprensible, sereno y armónico, Rafael tenía gran atractivo físico, su carácter cordial, la fervorosa devoción que provocaban sus obras y su prematura muerte a los 37 años, lo convirtieron a los ojos de sus contemporáneos en un semidiós.

1) Etapas de la pintura de Rafael de Sanzio.
Su carrera se divide en cuatro períodos, descritos así por Giorgio Vasari:
sus primeros años en Perugia junto a Perugino (1494-1500),
la segunda etapa en Umbría (1500-1504), el periodo posterior de cuatro años en Florencia (1504-1508), donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando en el Palacio del Vaticano. Breve historia de las etapas de la pintura de Rafael.

*En PERUGIA adquiere las tonalidades claras, las posturas elegantes y los paisajes idílicos, en contacto con el maestro Perugino.

*En la etapa de URBINO profundiza en los estudios de perspectiva, que, desde la estancia de Piero della Francesca en la corte ducal, habían sido una preocupación constante en los medios artísticos.

* En la ETAPA FLORENTINA de 1504 a 1508, la obra de Rafael se caracteriza por asimilar la composición piramidal y el sfumato leonardesco, elementos con los que realizará una nueva tipología religiosa, que pasará a la historia del Arte con el genérico nombre de "Madonne", y que le reportan un éxito fulminante.

*En ROMA (1508 hasta su muerte en 1520)

La vida de Rafael cambia cuando es llamado por el Papa Julio II, para confiarle la decoración al fresco de cuatro habitaciones o estancias que han pasado a la Historia del Arte con el nombre de ESTANCIAS VATICANAS:-1508 Primera Stanza “de la Signatura”: Disputa del Sacramento, Escuela de Atenas y el Parnaso.-1511 Segunda Stanza "de Heliodoro“: Misa de Bolsena, Liberación de San Pedro.-1514 Tercera Stanza "del Incendio del Borgo" y “Sueño de Constantino".

2) Aportaciones de Rafael a la Historia de la Pintura:

- Creación del modelo de la Viegen con el Niño, la Madonna.

- Perfección en el dibujo.

- Claridad en la composición: Triangular-Piramidal.

- Perfecciona la Naturaleza, en los primeros años el paisaje ocupa gran parte del cuadro, a medida que la pintura de Rafael va madurando, el paisaje aparece apenas insinuado, en el fondo, el retrato se convierte en protagonista único de la composición.

- Crea en su obra un espacio envolvente que comunica a las figuras entre sí y con el espectador.

- Influencia Leonardesca, “Sfumatto” (evaporar).

- Preocupación por el espacio, geometría, perspectiva, el legado del arquitecto Bramante y la pintura de su maestro, el Perugino.

- Retratista de éxito, elegante, comunicación entre el retratado y el espectador.

3) Breve Biografía de Rafael de Sanzio:

Nació en Urbino el 6 de abril de 1483, su primera formación la adquirió de su padre, el pintor y poeta Giovanni Santi, el ambiente en el que creció Rafael, favoreció su formación, su infancia transcurrió en la Corte del Príncipe Federico de Montefeltro, el duque de Urbino, recordamos la obra de Piero della Francesca, con el retrato del Duque de Urbino, y su esposa Battista Sforza, 1466 en la Galería de los Uffizi, en Florencia.

En 1499 se trasladó a Perugia, en Umbría, y se convirtió en pupilo y ayudante del pintor Perugino (Città della Pieve, 1450-1523) . Rafael realizó durante este período obras en un estilo muy próximo al de su maestro, hasta el punto de que han existido dudas respecto a algunas atribuciones.
Entre las obras de Rafael realizadas en Perugia destacan dos grandes composiciones, Los desposorios de la Virgen (1504, Galería Brera, Milán, obra pintada ya en Florencia) y la tabla del Retablo de Città di Castello, en la que representa la Crucifixión con dos ángeles, la Virgen y los santos Jerónimo, Magdalena y Juan Evangelista (1503, National Gallery, Londres).

En 1504 Rafael se trasladó a Florencia, donde estudió la obra de reconocidos pintores contemporáneos suyos como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Fra Bartolommeo, de los que aprendió sus métodos de plasmación de luces y sombras, sus estudios anatómicos y actitudes dramáticas. En esta época Rafael realizó un cambio estilístico desde la composición geométrica y el énfasis en la perspectiva hacia una manera más natural y suave de pintar. Su evolución durante el periodo florentino puede seguirse a través de sus numerosas madonnas.
El primer ejemplo es la Madonna del Granduca (1504-1505, Palacio Pitti, Florencia). Ejemplos posteriores muestran la influencia de Leonardo en la expresión de serenidad y en los esquemas compositivos triangulares y equilibrados, como es el caso de La bella jardinera (1507-1508, Museo del Louvre, París) y La Virgen del jilguero (1505, Galería de los Uffizi, Florencia). La última de las vírgenes florentinas, La Madonna del baldaquino (1508, Palacio Pitti, Florencia), forma parte de un retablo y se asemeja estilísticamente a la obra de Fra Bartolommeo.
Los encargos más importantes que Rafael recibió durante su estancia en Florencia procedían de Umbría. Su composición más original en este periodo es El Entierro de Cristo (1507, Galería Borghese, Roma). Forma parte de un retablo y muestra la fuerte influencia de Miguel Ángel en la disposición y actitudes de los cuerpos y en el tratamiento anatómico de los mismos.
En 1508 Rafael se trasladó a Roma, requerido por el papa Julio II, quien le encarga la decoración mural de las Stanzas (habitaciones, estancias) en el Palacio del Vaticano.
La primera de ellas, la Stanza della Signatura (1509-1511) muestra una cubierta con las alegorías de la teología, la filosofía, la poesía y la justicia, respondiendo a un programa iconográfico elaborado e intelectualizado. En la pared, bajo la teología, se sitúa la Disputa, que representa la discusión del dogma de la Trinidad. La famosa Escuela de Atenas, situada debajo de la Filosofía, representa un espacio arquitectónico abierto donde Platón, Aristóteles y otros filósofos antiguos discuten y argumentan. Bajo la poesía se halla el célebre Parnaso, en el que el dios Apolo aparece rodeado por las musas y los grandes poetas. Por último, bajo la justicia, Gregorio IX y Justiniano mostrando sus códigos.
La segunda estancia, la Stanza d´Heliodoro (1512-1514), pintada por Rafael y sus discípulos, contiene escenas que representan el triunfo de la Roma católica sobre sus enemigos. Tras la muerte del papa Julio II en 1513 y el ascenso de León X aumentan la influencia y las responsabilidades de Rafael. Se le nombra Maestro Mayor de la Basílica de San Pedro en 1514, y un año después se le pone al frente de la dirección de todas las excavaciones arqueológicas en Roma y alrededores. Debido a sus numerosas actividades, sólo consiguió pintar parte de la tercera estancia del Palacio del Vaticano, la Stanza del Incendio del Borgo (1514-1517). El resto es obra de sus ayudantes. De igual forma, para la cuarta cámara, la Sala Constantina, él simplemente realizó los diseños.

Durante este periodo también diseñó diez tapices con los actos de los apóstoles destinados a la Capilla Sixtina. Esos cartones o dibujos se encuentran en la actualidad en el Museo Victoria y Alberto de Londres. Rafael también proyectó la arquitectura y decoración de la Capilla Chigi en la iglesia de Santa María del Popolo y la decoración de la Villa Farnesina, que incluye el Triunfo de Galatea (c. 1513).
Además de estas obras, ejecutó cierto número de pinturas de caballete, entre las que destacan el retrato de Julio II (1511-1512), series de vírgenes, como la Madonna Sixtina (c. 1514, Gemäldegalerie, Dresde), otras pinturas religiosas como La Transfiguración (1517-1520, Vaticano), completada tras su muerte por el más notable de sus discípulos, Giulio Romano.
El 6 de abril de 1520 falleció Rafael en Roma, a los 37 años, sin poder disfrutar del éxito que había obtenido. En su pintura integra las influencias de los mejores maestros de su tiempo, resultando de ello un estilo personal que ha marcado a numerosas generaciones de artistas.

Si quieres conocer las Stanzacias del Vaticano, puedes acceder a la visita virtual de las Salas, siguiendo este enlace, de la web ofical de los Museos del Vaticano.

http://mv.vatican.va/4_ES/pages/SDR/SDR_03_SalaSegn.html

Etiquetas: historia del arte, Italia Siglo XVI, Julio II, Madonna, Pintura del Cincuecento Italiano, Rafael de Sanzio, Roma, Stanzas del Vaticano

Arquitectura del Siglo XVI Donato Bramante

CLASICISMO Y MANIERISMO

La palabra "clásico" produce impresión de frío, según Heinrich Wölfflin (1864 - 1945), historiador del arte, de la escuela formalista de finales del siglo XIX, el arte clásico es "eternamente antiguo, eternamente muerto".

El arte Renacentista es en esencia, fruto de las academias, como decíamos en el primer capítulo de este blog, es el arte tridimensional, que aúna la investigación, la ciencia con la educación.

La Historiografía clásica divide el Arte del Renacimiento en el siglo XVI, en dos períodos:

* Clasicismo de 1500 a 1530: período de perfección, armonía, equilibrio, concordia entre la Antigüedad y el cristianismo. Síntesis del arte romano.

* Manierismo de 1530 a 1600: significa transgresión, maniera, estilo de posturas forzadas, dramatismo, color. A partir de esta etapa, los artistas empiezan a cuestionar los dogmas clásicos, quieren interpretar libremente.

ARQUITECTURA SIGLO XVI

Frente a la arquitectura del siglo XV, sistematizada, articulada, matemática (Filippo Brunelleschi), la arquitectura del siglo XVI, adquiere parámetros más plásticos, más estéticos.

Se retoman con fuerza los elementos sustentantes: el pilar, muro y columna toscana. Los arquitectos del siglo XVI, se alejan de la planta basilical de tres naves, recuperan la planta centralizada. Surge de nuevo en el lenguaje arquitectónico la palabra "templo".

SAN PIETRO IN MONTORIO

El creador del estilo arquitectónico clásico del XVI, fue el DONATO BRAMANTE (1444-1514), nacido en Monte Asdrualbo (Urbino), empezó a trabajar como pintor con Melozzo da Forli y Piero della Francesca, a partir de 1474 es llamado por Ludovico Sforza, el duque de Milán para completar el conjunto de Santa María della Grazie, en donde coincide con Leonardo Da Vinci, en estos momentos, Leonardo trabaja en su obra "La Última Cena".

Entre 1502 y 1503, Bramante realiza su obra más conocida "San Pietro in Montorio", se inicia así su etapa romama que culminará con el proyecto de la planta de San Pedro en el Vaticano.

El "Tempietto" de San Pedro ubicado en el Barrio de el Trastevere (al otro lado del Tíber), representa el primer monumento del pleno Renacimiento, erigido en el cortile del Convento franciscano en Roma, hoy Real Academia Española http://raer.it/

Bramante construyó un oratorio de única cella en forma de "Tholos" griego, sobre la memoria del martyrium de San Pedro año 64 D.C. La obra fue apoyada por los Reyes Católicos con motivo de la conmemoración de la Toma de Granada de 1492.

San Pietro es circular porque representa la perfección cósmica, en su arquitectura podemos estudiar equilibras proporciones, que se atienen a la medida humana, a diferencia de la arquitectura romana y cristiana, Bramante se concentró en la estructura exterior, renunció a la decoración del espacio interior.

El edificio se compone de un núcleo cilíndrico de dos pisos coronado, coronado por una cúpula semiesférica. El núcleo está rodeado de dieciséis columnas de orden toscano de granito, sobre las columnas descansa un entablamento de inspiración griega, compuesto por cornisa, friso y arquitrabe, en el friso compuesto de triglifos y metopas, aparecen símbolos litúrgicos propios de la iconografía de San Pedro. Sobre el friso, un tambor con alternancia de vanos y hornacinas en donde aparecen una bella decoración de veneras. Bramante aporta al templo, el empleo de una balaustrada, que hace del edificio, un conjunto elegante y moderno.

San Pietro es rematado por una cúpula de perfil gallonado con los escudos del reino español. Bramante se inspira en el templo romano dedicado a Vesta, del siglo I a.C.