"Clotilde de Sorolla"

"Clotilde y sus hijos, día de Reyes"

 1900 Museo Sorolla

"Clotilde contemplando a Venus" 1889 Museo de Bellas Artes Valencia

enClave de Arte les ofrece visitar en grupo la exposición temporal "Clotilde de Sorolla" en el Museo Sorolla en la Calle General Martínez Campos, 37

"Retrato de Clotilde sentada en la Silla Savonarola" 1890 Museo Sorolla 

Próxima Visita: Viernes 15 de Junio, a las 9:45 h.
Visitas anteriores - Viernes 4 de Mayo, a las 9:30 y 13:30 h. y por la tarde a las 18:00  Las actividades se realizarán en grupo mínimo 10 personas, máximo 20. Inscríbase y contactaremos con usted para ofrecerle más información. Reserva de plaza mediante correo electrónico madrid@enclavedearte.com

Teléfono 648 212 369

"Clotilde en el Jardín" 1919 - 1920 Museo Sorolla

"Madre" 1895 Joaquín Sorolla Museo Sorolla
El Museo Sorolla inaguró el pasado 12 de Marzo la exposición "Clotilde de Sorolla", la muestra se podrá ver hasta el 14 de octubre.
En la visita, nos acercaremos a la figura de su esposa a través de una magnífica exposición dedicada a su esposa, Clotilde García del Castillo, una mujer que vivió igual que Sorolla, entre dos siglos.
Se conocieron siendo casi niños, Clotilde era la hermana de un compañeros de estudios de Joaquín Sorolla, tras sus primeros años de estudios en la Academia de San Carlos en Valencia, obtiene una beca para formarse en Roma, el 8 de septiembre de 1888 contraen matrimonio, pasan juntos una temporada en Asís y por fin se instalan en 1889 en Madrid. En 1890 nace su primera hija, María Clotilde, en 1892, su único hijo varón, Joaquín, y en 1895, Elena, su tercera hija.
Clotilde fue la hija del afamado fotógrafo valenciano Antonio García Peris, convirtiéndose en el mecenas, protector y suegro del pintor Joaquín Sorolla.
Esta exposición refleja una historia de amor: la de Sorolla hacia su mujer, que se prodiga y se manifiesta, en los incontables retratos y dibujos donde constantemente la representa.

La exposición se desarrolla en las salas de la planta primera, pero se dejan en su lugar habitual en las salas del museo 16 lienzos -retratos individuales o escenas familiares en que aparece Clotilde, que se señalizan de modo especial para indicar su relación con la exposición.
La muestra la conforman un total de 34 lienzos, 15 notas de color, 40 dibujos y 49 fotografías. De los 34 lienzos que se exponen 32 son fondos del Museo Sorolla, 1 ha sido cedido para la muestra por una colección particular y uno ha sido prestado por el Museo de Bellas Artes de Valencia. Una gran parte de los 40 dibujos que podrán contemplarse en la Planta Primera son inéditos y se han restaurado para la ocasión un total de 24.
Se estructura en cuatro ámbitos: 1. Intimidad, 2. La musa, 3. La mujer del gran artista; y 4. La fundadora del Museo. Algunas vitrinas con objetos personales, cartas y documentos de la fundación del museo completan la exposición.
En una carta de 1908, Clotilde le escribe a Sorolla: 
"Sabes que mi mayor gusto es estar a tu lado, que no voy ni me gusta ir a ninguna parte si no es contigo, y en casa hasta me molesta que venga gente porque me privan de estar a tu lado en el estudio”.

Por deseo de su viuda, Clotilde García del Castillo, en 1925 la vivienda familiar y las colecciones que a ella pertenecieron fueron donadas al Estado Español para crear un museo en memoria de su marido.
Más información (Agenda Cultura) 
http://bit.ly/JP2E2G
Blog muy recomendable para la Sección "Clotilde lectora"  
http://albertogranados.wordpress.com/tag/la-lectora-como-motivo-pictorico/
y por último si quieres volver a leer el artículo "Heroínas, magas y místicas lectoras" 
http://enclavedearteblog.blogspot.com.es/2011_05_01_archive.html

"Granada en Sorolla y la Cerámica Fajalauza del Albaicín en la mesa del comedor de Sorolla" Visita programada Febrero

enClave de Arte les ofrece visitar dos interesantes exposiciones: "Granada en Sorolla" en el Museo Sorolla y “La Orden del TOISÓN de oro y sus gobernantes (1430 – 2011)” en la Fundación Carlos de Amberes

Las actividades se realizarán en grupo mínimo 10 personas, máximo 20.
Inscríbase y contactaremos con usted para ofrecerle más información.
Reserva de plaza mediante correo electrónico madrid@enclavedearte.com

o Teléfono 648 212 369
Precio de la actividad: 10 € por persona.

Incluye: reserva + visita guiada a la exposición y museo

Visitas Programadas 10 y 17 de Febrero
"Granada en Sorolla y la Cerámica Fajalauza del Albaicín en la mesa del comedor del pintor. Sorolla y las Vanguardias".
Lugar: Museo Sorolla. C/ General Martínez Campos, 37

Días disponibles

- Viernes 10 de Febrero, a las 12:30 h.
- Viernes 10 de Febrero, a las 17:30 h.
- Viernes 17 de Febrero, a las 12:30 h.

El Museo Sorolla presenta hasta el 22 de febrero de 2012, parte de la colección no expuesta dedicada a Granada.
La exposición reúne 24 de los cuadros dedicados al encuentro con esta tierra, llena de color y hermosura, en ellos Sorolla explora el género del paisaje en estado puro. Empezaremos la clase con la lectura de una carta del fotógrafo Cerdá y Rico, amigo del pintor, en la que explica cómo se está encargando de la selección de las piezas antes de que Sorolla visite el Albaicín.

Sorolla estuvo en Granada en cuatro ocasiones: 1902, 1909, 1910 y 1917. La primera fue una visita breve, pero dejó en él una profunda huella y el deseo de volver para llevarla al lienzo, la Alhambra y Sierra Nevada son las principales protagonistas de esta intimista exposición.Con motivo de la exposición Granada en Sorolla, el museo ha tenido la magnífica idea de decorar la mesa del comedor de Sorolla con la colección de Cerámica granadina de Fajalauza.

Además de la exposición, visitaremos el Jardín de la casa inspirado en la Alhambra de Granada.

A finales de 1911 el propio Sorolla diseña los jardines de su casa, él mismo se dedica a la selección de las flores y plantes, que en repetidas ocasiones lleva al lienzo.

"Clotilde, instantánea en Biarritz", 1906

La familia de Sorolla aparece como protagonista en este diálogo Pintura – Fotografía. El suegro de Sorolla ejerció una notable influencia en su pintura, es frecuente ver a los miembros de su propia familia tomar fotografías de paisajes.

El regreso al Museo Sorolla nos permitirá explorar la parte que quedó pendiente hace ya tres años, en esta ocasión estudiaremos un nuevo capítulo: Sorolla y las Vanguardias, el arte entre dos siglos.

La última gran exposición sobre Sorolla tuvo lugar en el año 2009, el Museo Nacional del Prado rindió un homenaje al pintor con una exposición antológica, en el museo Sorolla, disfrutamos de los bocetos sobre Visión de España.

La influencia de la fotografía, la importancia de la pincelada suelta y empaste que están presentes en toda la obra del pintor, Sorolla conoció las vanguardias en los viajes que realizó por Europa y Estados Unidos. La fotografía y las vanguardias están íntimamente unidas en su pintura.

"Retrato de Raquel Meller", 1918

Durante los años 20 y 30 fue la artista española de mayor éxito internacional. Estrenó famosas canciones como La Violetera de José Padilla.

Sorolla tuvo la oportunidad de conocer las vanguardias durante los viajes que realizó a Europa y Estados Unidos, ilumina la composición a retazos, abundan los malvas y grises. La influencia de la fotografía en los artistas del cambio de siglo está presente en la forma de retratar, Sorolla conoció bien las vanguardias y supo aprovecharlas en su propia obra.

Para aquellos que deseen recorrer el museo virtual: http://museosorolla.mcu.es/visita_virtual/visita_virtual.html

Para los que quieran acompañarnos en las visitas programadas,

la exposición Granada en Sorolla es una excusa para volver a la casa de Sorolla, para volver al buen arte, para relajarse un momento en el Jardín de la Alhambra. No se pierdan esta magnífica exposición que tenemos ya en marcha para dar un buen impulso a
enClave de Arte

Lágrimas de Eros

María Magdalena, 1876 Jules-Josep Lefebvre, Museo Hermitage, San Petersburg. Sala de las Alhajas, Fundación Caja Madrid.

El blog de enClavedearte termina el año 2009 con una aproximación a la exposición Lágrimas de Eros, presentada por El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid. En este capítulo, por la calidad de las obras y su exclusividad, hablaremos de las expuestas en el Museo Thyssen, este artículo tiene la intención de que el lector se acerque expresamente a la muestra, recordando que continúa la exposición en la Fundación Caja Madrid, en la segunda sede se muestran los capítulos de las Metamorfosis de Ovidio, en donde se narra entre otros mitos, el desenlace trágico de los amores entre Apolo y el príncipe espartano Jacinto, el mito de Endimión un joven pastor (o cazador) que dormía una noche en el monte Latmos, cuando la diosa de la Luna, Selene miró hacia la tierra y se enamoró de él, también se puede disfrutar de dos bellas suicidas Cleopatra, la petrificación marmórea, y Ofelia, la disolución en el agua.

Una interesante exposición dedicada a los tormentos de la pasión: el lado oscuro del deseo sexual. Hacen falta varias visitas para entender la muestra, en un solo día no resulta fácil digerir un tema tan complejo y tan sugerente a la vez.
El título de la exposición procede del último libro publicado en 1961 por Georges Bataille, Les Larmes d’Eros. El escritor indaga a fondo la íntima relación entre Eros y Tánatos, entre la pulsión sexual y el instinto de muerte. La identidad entre Eros y Tánatos sólo cobra sentido para Bataille en el contexto de la experiencia de lo sagrado.

La exposición que incluye 121 obras, entre pinturas, esculturas, fotografías y vídeos, está organizada temáticamente, cada sala dedicada a uno de los grandes mitos de Eros.
En la visita podemos ver una y otra vez ciertos motivos simbólicos, como las lágrimas, la ola y la espuma del mar, la cabellera, la serpiente, las ataduras de cuerda que dibujan la figura siempre igual y siempre cambiante de Eros. La forma sinuosa curva y el agua están presentes en todas las salas de la exposición.

En la Antesala del Nacimiento de Venus, destaca una fotografía, un close-up de Man Ray, Lágrimas (1932) procedente de la Galería Marion Meyer París, rostro maquillado, pestañas cargadas de máscara, las lágrimas son un recurso cosmético, cinco lágrimas de celuloide. Recuerda en cierto modo a las Dolorosas, lágrimas artificiales de cristal en la Escuela española, en esta pequeña antesala también son bonitas las cinco lágrimas de cristal de Kiki Smith, 1994, Caldic Collectie, Rotterdam. El arte como objeto hiperbólico ¿quién podría derramar lágrimas tan grandes?

En la Sala dedicada al NACIMIENTO DE VENUS, una versión de la Venus anadiómena de Emmanuel Amory Duval, Nacimiento de Venus (1862), Venus metamorfoseada, hija de la honda amarga, nacida en Pafos, en la Isla de Chipre, hija de Urano y de Gea, nada más idílico que el cielo y la tierra, Cronos castró a su padre Urano, esparciendo los genitales y lanzándolos al mar, de sus restos nació Aphros, de la espuma del mar, Duval se inspiró en la Venus de su maestro Ingres, obra del Museo Chantilly (París), Duval elimina los amorcillos y el recurso del espejo, recrea una bella escena, del caballo de Venus caen lágrimas amargas, gotas de agua marina. En la misma sala, a la derecha de Duval, otra maravillosa Venus, la Bañista de Adolphe Bouguereau (1870), en este caso parece que Venus se dispone a entrar en el baño, emparentada con la toillet francesa, en la postura de las manos acicalándose nos recuerda a la Venus anadiómena.

Abandonamos la curva dorada ondulada en vertical (el cabello sedoso de Venus anadiómena), para adentrarnos en la curva sinuosa horizontal serpenteante de la descarada serpiente, en la Sala dedicada a EVA Y LA SERPIENTE. La exégesis bíblica, tanto rabínica como patrística, atribuye y hace responsable a Eva del pecado, sería conveniente leer el capítulo 3 del Génesis para disfrutar, entender y valorar más esta sala, la exposición nos muestra a una Eva tentada y tentadora, …. Cuando Eva vio que el árbol era apetitoso, bello, deseable, útil para adquirir discernimiento, tomó de su fruto y comió, luego se lo dio a su marido, que estaba con ella, y él también comió” Gn 3: 6. En la sala Adán y Eva de Jan Gossaert (1508), en el cuadro la serpiente entrega el fruto prohibido a Eva, sigue la iconografía habitual de la Caída.
A finales del siglo XIX, los simbolistas se interesan por el erotismo y el mal, encarnados en la femme fatale, la serpiente emerge del cuerpo de Eva, desaparece la figura de Adán, ya no resulta imprescindible, ni siquiera para ser iconográficamente representado, un ejemplo en la exposición, es la Encantadora de serpientes de Henri Rousseau, expuesta por primera vez en el Salón de Otoño de 1907, una visión inolvidable del aduanero, Rousseau posee pocos obras, dedicaba mucho tiempo a sus pinturas, su obra presenta ese carácter tan naif que gusta y apetece tanto, ausencia de perspectiva, colores planos, detallista, exótico, Eva toca la flauta y se convierte en una encantadora de serpientes, las curvas de las serpientes se confunden con las ramas y las cañas, Eva nos recuerda a Orfeo, domina con la música el paisaje natural.

En la misma sala un relieve en madera de tilo, Soyez amoureuses et vous serez heureuses (enamoráos y seréis felices) de Gauguin, realizado hacia 1890, para su última morada en las Islas Marquesas. Junto al relieve de Gauguin, una famosa litografía de 1893 de Toulouse-Lautrec, la frágil y esbelta figura de Jane Avril, artista contorsionista conocida por el baile que ejecutaba dedicado a la danza de la serpiente.
La siguiente sala está dedicada a LAS ESFINGES Y SIRENAS, bellos y misteriosos seres híbridos, monstruos de origen mitológico, las esfinges y sirenas poseen cualidades como la voz musical, embaucadoras de cánticos con acertijos, sirenas náyades, nereidas o ninfas del agua salada, aparecen en la sala en forma de esculturas brutales, y provocadoras como el bronce Nature Study de la escultora Louise Bourgeois, en contraste con la esfinge desprovista de rasgos humanos, las sirenas más apacibles y amables de artistas como Burne Jones.
El desnudo y el mar se desarrollan en paralelo en la obra de Courbet, en la misma sala, podemos disfrutar de una de sus obras La Mujer en las olas (1868), Courbet pinta en primer término las olas, densos empastes en blanco, jugando con la espuma del mar.

La sala dedicada al MARTIRIO DE SAN SEBASTIÁN es bella, porque bella y poética es la imagen que conservamos del santo en la retina, cuando pensamos la iconografía del Renacimiento. San Sebastián perteneció a la guardia pretoriana del Imperio Romano, fue martirizado hacia el año 288
en época de Diocleciano, después de sobrevivir al martirio, fue cuidado por la noble Irene, este mensaje es ofrecido al visitante a través de fotografías contemporáneas muy interesantes. Destaca en la sala un San Sebastián de Bronzino (1525) del Museo Thyssen, el dibujo de Bronzino es eterno, las manos que pintan refuerzan la sensación de escultura, cotejamos en la sala una obra de Guido Reni del Prado con un San Sebastián de José de Ribera, procedente de San Martino (Nápoles).

ANDRÓMEDA ENCADENADA es otro de los mitos que ofrece la exposición, seguimos en el agua, curva humedad onírica presente en todas las salas, Andrómeda representa uno de los temas más repetidos en las Metamorfosis de Ovidio, el desafío a las diosas, y la consiguiente condena, Andrómeda, hija de los Reyes de Etiopía, presumía de belleza, de ser más bella que las ninfas oceánidas, fue condenada a permanecer encadenada a una roca amenazada siempre por el monstruo Ceteo. Por el aire volaba Perseo, que regresaba de dar muerte a la Gorgona, los dioses y semidioses siempre vienen de hacer algo, pasaba por ahí cuando… divisó a Andrómeda y acudió a liberarla, en la exposición destacan tres versiones de Andrómeda, las tres fundamentales para disfrutar del mito, al entrar en la sala, nos atrae como un imán la imagen de Gustave Doré, azul matizado en gris, la roca y el monstruo Ceteo. Doré (1869) nos anima a liberar a Andrómeda encadenada, a la derecha, la imagen de Perseo liberando a Andrómeda de Rubens(1640) nos sosiega, tranquiliza saber que Perseo desencadena finalmente a Andrómeda, junto a Rubens y distanciados en el tiempo por el abismo cronológico de doscientos años de pintura, El Caballero errante, de John Everett Millais (1870). Aunque carezca de fuente literaria precisa, la pintura prerrafaelita siempre es motivo para gozar en las colecciones de arte.

Llegamos al final de la exposición, la lectura de una cita literaria que aparece en el catálogo publicado con motivo de la exposición, nos ayuda a comprender el penúltimo silencio de las salas, EL BESO, el abrazo de los amantes. Cuando Perseo divisó desde el aire a la bella Andrómeda, según Ovidio gritó: “No son esas las cadenas que deberías llevar, sino aquellas que unen a los amantes ardientes”. En esta línea, enternece la obra de la visión que siempre nos muestra, la pintura tan atractiva de Edvard Munch, El vampiro (1893), intercambiados los papeles, disfrutamos de una escena compasiva de una joven pelirroja, que está siendo abrazada por el vampiro, destaca también una obra de Magritte (1928), Los amantes, la obra nos invita a revisar una vez más la biografía de Magritte, es necesario para compartir y comprender esta escena.

TRÁNSITOS es el nombre de la última sala, tres obras en video arte de Bill Viola, La Encarnación, Los amantes y Transformarse en luz (2005, 2008). Forman juntas un Tríptico de la vida, el agua, la muerte y el Renacimiento. Viola transforma la obra en un viaje alegórico por la vida, sumerge al visitante en el agua, la primera vez que entras en la sala, te impacta y deseas huir, la segunda vez te atrae, a partir de la tercera visita, ya no quieras salir, la obra ya te ha atrapado.
EnClave de Arte os desea todo lo mejor para el año 2010.

Annie Leibovitz

Annie Leibovitz llega a Madrid , una interesante noticia en HoyesArte, sobre la exposición que puedes visitar hasta el 6 de septiembre en la sala Alcalá 31.