Arte Barroco III. Escultura Características, Temática, Técnicas, Recuperación de los Gremios Artesanales en el Siglo XVII

Basílica de San Pedro
Vista del interior El Baldaquino, diseñado y construido por Gianlorenzo Bernini, cubre la tumba del Apóstol San Pedro, recordando las palabras de Jesucristo

"Tú eres Pedro y sobre esta piedra edificaré mi Iglesia".

Detalle del Baldaquino San Pedro Bernini

Rapto de Proserpina Bernini. Galería Borghese.

El David. Bernini Galería Borghese http://www.galleriaborghese.it/

Detalle de la escultura El elefante, Arte barroco de Gian Lorenzo Bernini, Piazza della Minerva.

Escultura Barroca Características

1)Temática Religiosa – Imaginería del Concilio de Trento, obras piadosas y Temática Mitológica – Histórica Alegórica. Retrato.
2)Materiales: Variedad y riqueza Mármol, bronce, alabastro, madera policromada (España). Combinación de materiales (Bernini).
3)La escultura omnipresente en la arquitectura (Capillas Iglesias, plazas, fuentes..) Relación formal de las BBAA. Disputa entre la escultura y la pintura. El desencuentro comenzó con Alberti “Eternidad frente a fragilidad…”
4)Se intensifica la sensibilidad del creyente, fomentando los pasos barrocos (“al paso”) de la pasión de Cristo. “Paso Procesional” (del latín passus, paso - sufrimiento).
5)La escultura busca sentir a los santos y mártires como personas vivas y reales, que sean ejemplos a seguir a través de las imágenes, que sean próximas a su realidad cotidiana (Leer texto fotocopia Trento)
6)Se multiplica la demanda de retablos e imágenes de culto.
7)Tendencia a representar al ser humano con total objetividad, naturalismo frente al idealismo, rozando a veces la “vulgaridad”. Deseo de realidad, imágenes vestideras (Barroco en España).
8)Composición: Esquemas libres de geometría, composición asimétrica frente al equilibrio clásico del Renacimiento.
9)Líneas abiertas Movimiento, inestabilidad frente a la calma, amplitud de ropajes - Proliferación de pliegues.

10) El claroscuro (italiano, chiaroscuro) es una técnica artística (en pintura grabado, y escultura) consistente en el uso de contrastes fuertes entre los volúmenes iluminados y la sombra.
En escultura apenas es perceptible, si hay relieve hay claroscuro.
11) Técnica del Escorzo: cuerpo en posición oblicua o
perpendicular a nuestro nivel visual.
El efecto de escorzo existe en
todos los cuerpos con volumen.
12) Predominio de diagonales, cuerpos sesgados, oblicuos, helicoidal, ondulante, esquema CONTRAPOSTO o SERPENTINATO . Italianismo, que significa la oposición armónica de las partes del cuerpo humano.
13) La Luz es fundamental, crea efectos de claroscuro, amplia el volumen.
14) Barroco = Capricho de la naturaleza, extravagancia de un pensamiento. Arte de la Fantasía, gozar estético, creación de efectos agua, luz. Retablo Barroco es el protagonista: Expresión cielo abierto, Gloria, Visiones, Apoteosis, Visiones y
Transverberaciones.
15) Recuperación del Gremio, el Taller Crisol
del arte, jerarquía Aprendiz, oficial y
maestro, perdido en el Renacimiento.

RT Lectura recomendada: “El artista en
la sociedad española del Siglo XVII”
Autor: J.J. Martín González.
Ensayos Cátedra Madrid 1984, leer capítulo 1
Aprendizaje, el taller y contratación de obras.

Arte Barroco II. Bernini y Borrromini

Fachada de San Andrea del Quirinal Roma. Bernini. Sede del Noviciado de la Compañía de Jesús

Detalle del interior de San Andrea del Quirinal. Roma Bernini.

Transverberación de Santa Teresa de Jesús. La obra del escultor y pintor Gian Lorenzo Bernini. Fue realizada entre 1647 y 1651, por encargo del cardenal Cornaro, para ser colocada donde iría su tumba, en la iglesia de Santa María de la Victoria (Santa Maria della Vittoria), en Roma, donde actualmente se encuentra, en la llamada Capilla Cornaro. Esta considerada una de las obras maestras de la escultura del alto barroco. Bernini expresa con acierto el intenso dolor físico en la expresión facial que según la santa, se unía a un estado de alegría divina.

El "David" es una estatua realizada por Gian Lorenzo Bernini en 1623. Tiene tamaño real y está ejecutada con mármol. Pasó a formar parte de la colección de su principal mecenas, el Cardenal Scipione Borghese, y actualmente se expone en la Galleria Borghese.

http://www.galleriaborghese.it/

"El rapto de Proserpina" 1621 Bernini, Galería Borghese.

La posición, un contraposto retorcido, es una reminiscencia del Manierismo, y permite una observación simultánea del rapto (según se mira desde la izquierda) con Plutón tratando de mantener a Proserpina sujeta; de la llegada al Hades (mirando de frente, parece llevar en brazos a su víctima); y de la petición de Proserpina a su madre de regresar durante seis meses a la Tierra (si contemplamos desde la derecha, con las lágrimas de la mujer, el viento sobre su pelo y el Can Cerbero ladrando).

Arquitectura y Escultura del Alto Barroco Romano (1625 – finales siglo)

Obras y artistas más importantes

Gianlorenzo Bernini (1598 – 1680)
Arquitectura de Bernini
· Plaza de San Pedro.
· Iglesia de Sant'Andrea en el Quirinal.
· Capilla del Marqués Raymondi en San Pietro in Montorio, Roma.
· Colegiata de Ariccia.
· Iglesia de San Tomás de Villanova (Ariccia).
· Palacio Montecitorio.
· Palacio Chigi Odescalchi.
· Scala Regia del Vaticano.
· Baldaquino de San Pedro (1624) – en la Basílica de San Pedro.
· Sepulcro de Alejandro VI.
· Cátedra de San Pedro.
· Elefante Obeliscoforo (1667-1669) -

. Plaza de Santa Maria sopra Minerva, Roma.
· Capilla Chigi en Santa Maria del Popolo.
· Capilla Cornaro.
· Altar del Santísimo Sacramento.
· Capilla Raimondi.
· Fuente de los Cuatro Ríos (1648-1651) Plaza Navona, Roma.
· Fuente de la Barcaccia.
· Fuente del Tritón.

Escultura y localización de las esculturas de Bernini:
· San Sebastián (h. 1617) - Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid (depósito de la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza).
· Eneas, Anquises y Ascanio (1618-1619) – Galería Borghese, Roma.
· Rapto de Proserpina (1621-1622) – Galería Borghese, Roma.
· Apolo y Dafne (1622-1625) – Galería Borghese, Roma.
· David (1623-1624) – Galería Borghese, Roma.
· San Longino (1631-1638) – Basílica de San Pedro.
· Busto de Scipione Borghese (1632) – Galería Borghese, Roma.
· Busto de Costanza Bonarelli (h. 1635) – Museo Nacional del Bargello, Florencia.
· Busto del Cardenal Richelieu (1640-1641) – Museo del Louvre.

. La Verdad (1645-1652) – Galería Borghese, Roma.
· Transverberación de Santa Teresa (1647-1652) capilla Cornaro, Santa Maria della Vittoria, Roma.
· Daniel y el león (1650) – Santa Maria del Popolo, Roma
· Busto di Francesco I d'Este (1650-1651) – Galería Estense, Módena.
· Constantino (1654-1670), Palacios Pontificios, Ciudad del Vaticano.
· Busto de Luis XIV (1665) – Museo Nacional de Versalles. Francia.
· Luis XIV a Caballo (1669-1670) – Galería Borghese, Roma.
· Éxtasis de la beata Ludovica Albertoni(1671-1674) en la Capilla Altieri-Albertoni, San Francesco a Ripa, Roma.

Otros escultores barrocos
- Alessandro Algardi (1598 – 1654).
- François Duquesnoy (1597 – 1643).

- Escultores italianos fuera de Roma: Pietro Tacca –Felipe IV Madrid.

Francesco Borromini (1599 – 1667). Obras más importantes:
o San Carlo alle Quattro Fontane.
o Sant'Agnese en Agone.
o Sant' Ivo alla Sapienza.
o Oratorio de San Felipe Neri (Oratorio dei Fillipini).

Miguel Ángel Buonarroti "Genio y temperamento"

El rapto de Ganímedes, dibujo de Miguel Ángel, realizado para Tommaso Cavalieri, conservado en el Castillo de Windsor.

Miguel Ángel, Primera parte: "El misterioso camino de la creatividad"

Escribir algo digno sobre la genialidad de Miguel Ángel, es un acto de responsabilidad, sobre el artista del Renacimiento está prácticamente todo contado, la historiografía es tan sabia que desde este artículo, no vamos a tratar nada nuevo.

Biografías sobre el artista toscano, existen millones en Internet, todos los manuales de Historia del Arte tienen la obligación moral de dedicar un espacio a Miguel Ángel.

Desde este blog en varios artículos, en enClave de Arte dedicaremos un espacio al temperamento, al carácter melancólico, a un genio de carácter difícil y dominante, pero que sin él, la historia de la escultura, se habría quedado viuda.

Miguel Ángel Buonarroti se presentó en el taller de Domenico Ghirlandaio en abril de 1488, a la edad de trece años, le acompañó su amigo Francesco Granacci, del fresquista de la Capilla Tournabuoni, en Santa María Novella (Florencia), aprendió todo lo indispensable en arte, diseño, composición.

En el estudio de Ghirlandaio, no se seguía un método ortodoxo de enseñanza, la filosofía básica estaba expresada en una placa colgada de la pared: "La guía más perfecta es la naturaleza. Continúa sin tregua dibujando algo todos los días".

Después de tres años en el taller, comenzó a frecuentar el Jardín de San Marco, en Florencia, pertenecía a la Familia Médici, enseguida despertó el interés en Lorenzo el Magnífico. Miguel Ángel fue acogido en el Palacio de la Vía Longa, allí conoció al círculo de humanistas y teóricos neoplatónicos como Poliziano, Marsilio Ficino y Pico della Mirandola.

Tras la muerte de Lorenzo el Magnífico, en 1492, Miguel Ángel huyó de Florencia a Venecia, después a Bolonia, instalándose en Roma en 1496. Allí inició una década de gran intensidad artística, La Pietá (1498), El David (1501), La Batalla de Cascina (1504).

En marzo de 1505 el Papa Julio II le encarga su tumba, un monumento funerario para gloria y prestigio del pontícife, el propio escultor entusiasmado con esta obra, permaneció en Carrara durante ocho meses para ocuparse personalmente de la elección y la dirección de la extracción de los mármoles necesarios. Miguel Ángel tenía pasión por la cantería, muy unido desde la infancia a la Cantera de Settignano, propiedad de la familia del artista, el mismo decía que la pasión por la piedra le venía de la leche que había mamado de su nodriza, la hija de picapedrero.

Artista enorme, longevo sólo le faltaron tres semanas para cumplir los noventa años, de fuerza titánica, corpulento, dominante, artista con mayúsculas.

Durante su vida su publicaron dos biografías, una importante y muy conocida, Las Vidas de Vasari (1550), y la de Ascanio Condivi (1553).

Como buen toscano, Miguel Ángel heredó el ambiente Güelfo (los Welfen de Baviera), aliados de la Iglesia, la clase media florentina. Siempre tuvo un gran sentido de la responsabilidad, desde que su hermano mayor tomó los hábitos en el Convento de San Marcuola, se sintió el elegido para cuidar y mimar a los suyos, tuvo un gran sentido del deber, tuvo deseo siempre de superarse socialmente, dignificarse como artista, no se casó, no tuvo familia.

Miguel Ángel fue un autodidacta, percibe y entiende el arte como el producto de una inspiración interior, como el "furor del alma", fue un ser solitario, de carácter difícil, aislado y enfrentado al mundo, en cierta ocasión escribía en sus cartas "No tengo amigos y no los quiero", él no se consideraba un maestro, no quería formar a discípulos, no tuvo ni quiso tener el don de la enseñanza. Como buen artista, era un ser abatido, depresivo, pero sin duda, creativo, soñador, melancólico.

En 1623 su sobrino nieto Leonardo publicó la obra poética de Miguel Ángel, el libro de los Sonetos, sus poemas contribuyen aún más a la producción de un artista tetradimensional, dominó la pintura sin considerarse pintor, la escultura, y la arquitectura. Como poeta no fue un escritor profesional, escribía en privado, para su íntimos, hasta 1833 no se reeditaron sus poemas.

Miguel Ángel pretendía en su obra poética interiorizar las teorías neoplatónicas del amor, haciendo grandes esfuerzos para conseguir un equilibrio emotivo que pocas veces consiguió. Dedicó parte de los poemas al joven Tommaso Cavalieri y a Vittoria Colonna, notable mujer del Renacimiento. Sería interesante recordar que el ambiente humanista de Florencia a finales del Siglo XV evocaba la Academia Platónica. Era frecuente en este ambiente, vincularse a un círculo social masculino en el cual la relación entre un hombre y un adolescente era considerada un sentimiento noble y honorable. Dentro de este contexto es donde se puede entender la psicología, el gusto y el arte de Miguel Ángel.

El artista creía que la belleza del hombre era superior a la de la mujer y, por lo tanto, el amor que sentía por Tommaso era una forma que tenía de rendirse ante la «belleza platónica». Nos gustaría leer el Soneto dedicado a Vittoria Colonna:

RIME 151: [NON HA L'OTTIMO ARTISTA ALCUN CONCETTO]
►Non ha l'ottimo artista alcun concetto

c'un marmo solo in sé non circonscriva

col suo superchio, e solo a quello arriva

la man che ubbidisce all'intelletto.

Il mal ch'io fuggo, e 'l ben ch'io mi prometto,

in te, donna leggiadra, altera e diva,

tal si nasconde; e perch'io più non viva,

contraria ho l'arte al disiato effetto.

Amor dunque non ha, né tua beltate

o durezza o fortuna o gran disdegno,

del mio mal colpa, o mio destino o sorte;

se dentro del tuo cor morte e pietate

porti in un tempo, e che 'l mio basso ingegno

non sappia, ardendo, trarne altro che morte.

Traducción del SONETO 151: [NO TIENE ÓPTIMO ARTISTA ALGÚN CONCEPTO]

►No tiene el gran artista ni un concepto
que el mármol en sí no circunscriba
en su exceso, mas solo a tal arriba
la mano que obedece al intelecto.
El mal que huyo y el bien que prometo,
en ti, señora hermosa, divina, altiva,
igual se esconde; y porque más no viva,
contrario tengo el arte al deseado efecto.
No tiene, pues, Amor ni tu belleza
o dureza o fortuna o gran desvío
la culpa de mi mal, destino o suerte;
si en tu corazón muerte y piedad
llevas al tiempo, el bajo ingenio mío
no sabe, ardiendo, sino sacar de ahí muerte.

Para conocer más sobre el carácter de Miguel Ángel, es imprescindible el libro de Wittkower,"Nacidos bajo el signo de Saturno". Genio y temperamento de los artistas desde la Antigüedad hasta la Revolución Francesa.

►Leer Cap. IV “Conducta excéntrica y nobles modales” (Pag. 76). En el siguiente artículo, haremos un recorrido por las obras más significativas de Miguel Ángel.